42489
Мода ХХ века, фэшн-фотография, ретро образы. Реклама и все вопросы: @nickmargin Реклама: @snakemanager
Александр Маккуин: «Моя мама вчера умерла… RIP mum xxxxxxxxxx».
Любовь, которая держала, и пустота, которая осталась после.
В истории жизни Александра Маккуина слово «дом» звучит не как место или адрес, а как чувство — тёплое, хрупкое и связанное с одной женщиной. Для Ли, как называли его близкие, этим домом была его мать, Джойс. Их связь была редкой по силе — искренней, доверительной и почти болезненно глубокой.
Самое точное свидетельство этой близости — интервью 2004 года, в котором вопросы Маккуину задаёт сама Джойс. На вопрос: «Чего ты боишься больше всего?» он отвечает: «Умереть раньше тебя». А на следующий вопрос — «Что делает тебя гордым?» — тихо говорит: «Ты». В этих нескольких словах — вся его жизнь: мальчик из многодетной семьи лондонского таксиста и домохозяйки, который, добившись мировой славы, всё ещё проверяет реальность своего успеха взглядом матери. Она была его зеркалом, точкой опоры, мерилом здравого смысла в мире, где иллюзии могли ослепить любого.
2 февраля 2010 года Джойс умерла. И всё, что удерживало Маккуина от внутреннего краха, внезапно оборвалось. В своём «Твиттере» он написал: «Моя мама вчера умерла… RIP mum xxxxxxxxxx». В следующие дни были лишь короткие фразы в соцсетях: «ужасная неделя», «нужно собраться». Но собраться он уже не смог. 11 февраля, за день до похорон матери, его нашли мёртвым в собственной квартире в Лондоне.
Следствие установило, что смерть наступила в результате самоубийства. В крови обнаружили кокаин, снотворные и транквилизаторы. Психиатр, лечивший дизайнера, позже описал его состояние как «смешанное тревожно-депрессивное расстройство» и напомнил, что за год до этого уже были попытки суицида. Маккуин страдал бессонницей, тревогой, эмоциональными «провалами» после показов, говорил, что мода — это его жизнь и одновременно источник давления, от которого некуда деться. Смерть матери стала тем последним ударом, который разрушил этот хрупкий баланс.
И всё же любовь к Джойс нельзя назвать причиной трагедии. Скорее наоборот — она была силой, удерживавшей его от обрыва. Она была той нитью, что связывала художника с землёй, с нормальностью, с теплом детства. Когда её не стало, все другие факторы — усталость, депрессия, зависимость, изоляция — обрушились разом.
Эта связь видна даже в его более раннем, «спокойном» творчестве. Его детские наблюдения за птицами пустельгами, на которые изначально его внимание обратила мать, со временем превратились у дизайнера в устойчивые мотивы птиц, полёта, кружения, свободы и стали сквозными в его коллекциях. В его же коллекциях «Highland Rape» (Изнасилованная Шотландия) и «Widows of Culloden» (Вдовы Каллодена) читается его плач по корням и женщинам, которые держат дом, как Джойс держала его самого.
После её смерти прах Маккуина развеяли на острове Скай — среди ветра и шотландских холмов, где он всегда ощущал свои корни. Это было возвращение туда, где он, по сути, всегда и жил — в пространстве любви, памяти и тоски по дому.
Любовь к матери не разрушила Александра Маккуина — она долго спасала его. Но когда исчезла, оказалась непреодолимой потерей. И, может быть, поэтому его мода звучит как молитва о доме, который держит, и о матери, которая была его сердцем.
Винтажная мода - Подписаться
«Мокрые» платья Гальяно для Dior
В конце 1990-х Джон Гальяно, возглавив Dior, превратил иллюзию мокрой ткани в новую эстетику гламура. Его платья выглядели так, будто их только что достали из воды: они словно стекали по телу, отражали свет и оживали при каждом движении.
Секрет, конечно же, был вовсе не во влаге. Гальяно создавал этот эффект за счёт точнейшего кроя и оптических приёмов: сатин, шёлк и ламе, выкроенные по косой, формировали текучие изгибы, а глянцевая поверхность ловила свет, как солнечные блики на воде. Для усиления «мокрого» эффекта к платьям добавлялись влажные причёски, сияющая кожа и макияж с влажным блеском. Всё это работало на создание образа, будто покрытого утренней росой.
Истоки этого приёма мы находим в раннем творчестве Гальяно. В 1980-х он буквально обливал моделей водой в финале своих показов: мокрая ткань прилипала к телу, становилась полупрозрачной и отражала прожекторы. Позже, уже в Dior, он превратил этот жест в технологию высокой моды. Его платья конца 1990-х выглядели как «вода в движении»: плавные комбинации, драпировки по косой, волнообразные линии. Один из показов 2000 года был прямо посвящён миру воды — от капель до приливов.
В этих «мокрых» платьях рождался новый образ женственности. Не панцирь, не корсет, и не броня, а текучесть, мягкость и свет. Гальяно словно отменил жёсткую архитектуру и создал новую грамматику сексуальности: чувственность без усилия. В его женщинах читались и античные богини, и героини немого кино, и даже кинематографические русалки конца XX века. :)
Эффект оказался заразителен. «Мокрый» блеск быстро вышел за пределы подиума: его подхватили на красных дорожках, в музыкальных клипах и журнальных съёмках. И до сих пор, когда в какой-нибудь коллекции появляется платье, будто сотканное из воды, — это всё отголосок гальяновского Диора...
Винтажная мода - Подписаться
Cartier Love: винтажный браслет, который невозможно было надеть в одиночку
В 1969 году, когда чувства влюбленных были сильными, а переживания глубокими, дизайнер Альдо Чипулло придумал для Cartier украшение, которое изменило представление о романтике в ювелирном мире. Его Love Bracelet стал не просто аксессуаром, а символом союза — прочного, как металл, и требующего участия двоих.
На первый взгляд форма браслета была проста: овальный обруч из двух половинок, соединённых крошечными винтами. Но смысл заключался в механике. Чтобы надеть браслет Love, нужно было максимально точно совместить половинки на запястье и закрепить винты миниатюрной отвёрткой, которая шла в комплекте. Одной рукой сделать это было почти невозможно: один человек держит браслет, другой закручивает. Так техническая деталь превращалась в сильную метафору — любовь, как и это украшение, держится только тогда, когда в ней участвуют оба!
С самого начала в этом предмете было что-то интимное и торжественное. В оригинальной упаковке Cartier отвёртку вручали партнёру — символический жест: «ключ» от браслета теперь у того, кому доверяешь. Позже Ювелирный Дом дарил пары браслетов Love знаменитым влюблённым: Элизабет Тейлор и Ричарду Бёртону, герцогам Виндзорским, Софи Лорен и Карло Понти, Эли Макгроу и Стивену Маккуину и другим звёздам того времени. В начале 1970-х в нью-йоркских бутиках Cartier даже существовало неформальное правило: браслеты продавали только парам. Это не было официальным требованием, но идея «браслета-обета» закрепилась: надевают вдвоём, а отвёртку хранит тот, кому доверяют своё сердце.
Метафора оказалась буквально точной. Винты расположены по обе стороны обруча, и чтобы их закрутить, нужно держать браслет ровно на запястье. Даже сегодня мастера Cartier советуют не надевать классическую модель в одиночку, чтобы не повредить резьбу и не поцарапать золото.
Но спустя годы, уже в наше время, когда чувства начали мельчать, появились и облегчённые версии знаменитого браслета «Любовь» — с одним винтом и скрытым шарниром, который вполне удобно застегнуть и самому. Так что теперь браслет и сердце — на замок, а отвертку-ключ — никому!… Эх, любовь-любовь — забытое чувство. :)
Винтажная мода - Подписаться
Свадебное платье Лили Коллинз от Ralph Lauren
Осенью 2021 года звезда сериала «Эмили в Париже» Лили Коллинз связала себя узами брака с режиссером Чарли Макдауэллом. Влюбленные организовали камерную церемонию на горячих источниках Дантон, расположенных в штате Колорадо. Свадебное платье Лили доверила американскому бренду Ralph Lauren.
Актриса решила отойти от привычных объемных моделей, выбрав романтичный образ с элементами готики. Необычный наряд удалось создать с помощью сочетания узкого силуэта «русалки», изысканной кружевной фактуры и длинных рукавов, полностью закрывающих руки. Главной особенностью стала накидка с фатой-капюшоном из тонкого кружева с вышитыми цветами. В этом платье ручной работы, создание которого заняло около 200 часов, каждая деталь продумана до мелочей.
«Это самое красивое платье, которое я когда-либо надену, и мое «то самое» платье невозможно было представить иначе…», – сказала Лили.
За образ актрисы отвечали звездные стилисты Роб Зангарди и Мариэл Ханн, которые также работают с Дженнифер Лопес.
Стоит отметить, что это одно из немногих свадебных платьев, созданных Ralph Lauren.
Свадебный макияж в нюдовых оттенках с акцентом на глаза для Лили создала визажист Фиона Стайлс. А над уникальной прической, которую нельзя не отметить, работал известный hair-стилист Грегори Рассел.
Гладкий низкий пучок и тонкая косичка, украшенные двумя драгоценными гребнями, идеально дополнили сказочный образ Лили.
Винтажная мода - Подписаться
💎Серьги Chanel 2000-х. Бусы Dior в духе 90-х. Браслеты Saint Laurent с налётом архивной элегантности.
То, что раньше можно было найти только в винтажных бутиках или коллекциях — теперь доступно для особых моментов.
💕LOOK READY предлагает аренду настоящей брендовой бижутерии от Chanel, Dior, Dolce&Gabbana, Saint Laurent и других домов — без покупки, с бесплатной доставкой по Москве.
💎Это не просто бижутерия.
Это фрагменты модной истории, которые можно надеть — даже если ненадолго.
Все доступные позиции - в Telegram-канале:
→ LOOKREADY
Чёрная водолазка, джинсы и кроссовки: почему «униформа» Стива Джобса стала кодом нового лидерства
В начале 1980-х Стив Джобс посетил штаб-квартиру Sony и был приятно удивлён тем, что сотрудники компании носили красивую корпоративную униформу, созданную японским модельером Иссэем Миякэ. Она была не про контроль и подавление индивидуальности, а про общность и уважение к совместной работе. Джобс захотел ввести похожую систему и у себя в Apple, попросив Миякэ разработать фирменные жилеты для команды. Но в Купертино его идея встретила резкое «нет»: сотрудники наотрез отказались выглядеть одинаково!
Тогда Джобс поступил иначе: раз форма для всех невозможна, пусть тогда она будет только для него. Так и сложилась его личная «униформа», как способ не тратить лишнее время на утренний выбор одежды и одновременно создать запоминающийся силуэт. Миякэ сшил для него десятки чёрных джемперов с высоким воротом — «сотня, на всю жизнь», как любил шутить Джобс. К водолазке он сам подобрал свои любимые джинсы Levi’s 501 и серые кроссовки New Balance, чаще всего это модель 992.
Важно отметить, что со стороны Стива Джобса это никогда не было отрицанием моды, как многие думают, или дерзким жестом гения — «я могу себе позволить быть выше моды». Водолазка Миякэ — это на самом деле сложная, продуманная, графичная вещь, почти с архитектурной посадкой. Levi’s 501 — символ американского стиля XX века, демократичный, но со своей легендой. New Balance же — обувь без демонстративности, зато с удобством и честной функциональностью. Минимум элементов, но каждый — со смыслом. Именно из этого и возникла строгая узнаваемость гения.
После возвращения Джобса в Apple в 1997 году этот образ стал чем-то вроде визуального языка бренда. Он выходил на сцену в одном и том же комплекте, и это перестало казаться повседневностью — в этом угадывалась ясность и сосредоточенность. «Умная простота» стала новой нормой: деловой стиль перестал работать на статус и стал работать на мысль. Идея «персональной формы» вошла в гардеробы руководителей, дизайнеров, предпринимателей.
Но у этой истории был и личный слой. Жизнь Джобса менялась: взлёты, конфликты, возвращения. А одежда оставалась прежней. Она держала ощущение целостности — как якорь, как тихое напоминание о том, что важнее всего не внешний жест, а внутренняя работа.
Сегодня комплект «чёрная водолазка — джинсы — серые кроссовки» уже настолько вошел в мировой культурный слой, что стал прочно ассоциироваться с образом лидерства и «технологического гения». Наверное потому, что он говорит о фокусе, спокойствии и уверенном жизненном курсе.
Винтажная мода - Подписаться
Феномен Джейн Биркин: как истинная англичанка смогла стать «эталонной парижанкой»?
Именно образ Джейн Биркин лег в основу клише об «эталонных француженках» — тех самых, которые выбегают за кофе с идеально «растрепанными» волосами, стройны, словно балерины, прекрасны, хотя не используют макияж, и очень кинематографичны, когда курят. Но как же так получилось, ведь до 23 лет Джейн даже не говорила по-французски?
Муза
Первое, что бросается в глаза – длительное сотрудничество и любовь с Сержем Генсбуром. Он записал с Джейн несколько песен, их роман бурно обсуждали в прессе.
Сама Биркин говорила, что эти отношения были гораздо более обычными, чем все думают, и была права. Если посмотреть на их союз современным взглядом, окажется, что он вполне себе приземленный и травматичный, в первую очередь, для нее. Серж изменял, закатывал скандалы, мог и ударить. Кроме того, алкоголь Генсбур употреблял бесконтрольно, что только ухудшало ситуацию и, в конце концов, привело к разрыву.
Тем не менее Джейн всегда тепло о нем отзывалась и считала себя будто бы недостойной любви такого музыкального гения.
Яркая индивидуальность
Качество, которое помогло Биркин быстро набрать популярность (еще до отношений с Генсбуром) — ее яркая индивидуальность. Она не походила ни на одну из популярных французских актрис — и это завораживало. Все в ней было особенным и таким трогательным: и сбивчивая речь с ошибками, и манера играть, и любовь к душевным аксессуарам.
Это сегодня мы знаем француженок как эталон выверенной небрежности — но в 60-е и 70-е все было иначе. «Француженки в то время были очень холеными и ухоженными. Конечно, была Франсуаза Арди в ее металлическом платье Paco Rabanne, но она носила его до колен. Мне же пришлось его укоротить, чтобы оно выглядело как длинная футболка», — рассказывала Джейн.
Безупречный вкус
Разумеется, помог Джейн и ее великолепный вкус. Можно сказать, что девушка имела интуитивное чувство стиля. Как бы она ни оделась, что бы ни сделала со своими волосами – все казалось уместным.
Однако Биркин никогда не покидало чувство меры. Она четко знала, когда нужно остановиться в своем эпатаже. К сорока годам Джейн сменила прозрачные платья и кокетливые мини на мужские рубашки, объемные брюки и кроссовки без шнурков и коротко постриглась. «В какой-то момент нужно перестать носить женственные платья. Они старят. Это как с макияжем: нужно уметь вовремя перестать экспериментировать с накладными ресницами. Иначе ты начинаешь выглядеть пугающе», — говорила Джейн.
Винтажная мода - Подписаться
Кто придумал унисекс-одежду и купальник со стрингами?
Сегодня одежда в стиле унисекс едва ли кого-нибудь удивит. А вот в 60-е подобные идеи были в новинку. Не зря американского дизайнера Руди Гернрайха называют настоящим революционером. Он первым решил пересмотреть гендерную парадигму в моде, заявив, что у одежды нет половой принадлежности.
В начале карьеры Гернрайх работал помощником известной художницы по костюмам Эдит Хэд — единственной женщины в истории кино, которая получила восемь «Оскаров». Поэтому дизайнер знал толк в эффектных нарядах. Однако, открыв собственный бренд, он предпочел голливудскому гламуру простые и практичные вещи.
Линия Rudi Gernreich появилась в 1964 году, и сразу же привлекла внимание: дебютом бренда стал купальник-монокини, полностью открывающий грудь. В то время даже по поводу обычного бикини скандалы еще не утихли, а тут предложение заявиться на пляж топлесс! Более того, этот новый монокини предназначался и для мужчин, и для женщин. Неслыханная дерзость.
Следующим шагом Гернрайха стал слитный купальник со стрингами — вполне себе приличный спереди и возмутительно открытый сзади. По словам самого Руди, на эту модель его вдохновили бразильские купальники, белье-маваси борцов сумо и кожаные ремешки на сандалиях.
Модельер хотел предложить компромисс между строгими законами Калифорнии, которые запрещали любой намек на наготу, и желанием молодого поколения американцев, познавших радости сексуальной революции, ходить на пляж без лишней одежды. Те же идеи дизайнер предлагал и в нижнем белье, выпустив No Bra Bra («Бра без бра») — бюстгальтер с мягкими чашечками из прозрачной ткани.
Однако коммерчески успешным его бренд стал благодаря другому продукту: похожему на балетное трико эластичному костюму, который также предлагалось носить и мужчинам, и женщинам.
Высшей точкой творчества Руди историки моды называют унисекс-кафтаны 1970-го года. Объемные балахоны из шелка с абстрактным узором по мотивам картин Пита Мондриана стали одновременно и квинтэссенцией всех его идей, и полной противоположностью того, с чего он начинал карьеру. Кафтаны полностью скрывали тело, уравнивая всех, кто их носит. А заодно и предвосхитили моду 70-х, для которой этот силуэт стал одним из трендовых.
Винтажная мода - Подписаться
Незабываемое платье Тины Барретт
Тина Барретт – британская певица и актриса – произвела настоящий фурор в 2003 году, появившись на премьере фильма «S Club: Seeing Double» в красном платье. На следующий день девушка попала во все заголовки.
Асимметричное платье певицы имело множество вырезов и высокие разрезы, практически полностью открывающие ноги и живот.
Тине тогда было 26 лет, и она очень хотела привлечь к себе внимание, но все вышло из-под контроля. «Я все думала, что же мне надеть, что надеть? Хотела, чтобы на меня обратили внимание, но не настолько! Не могу поверить, что люди до сих пор вспоминают об этом платье – это настоящее безумие», – рассказала она журналистам почти 20 лет спустя.
На мероприятии ее коллеги по группе выглядели гораздо сдержаннее. Парни были одеты в черные костюмы, а девушки выбрали платья классического кроя.
«Честно говоря, я думала, что остальные тоже будут нарядными, но это было совсем не так! Они пришли в обычной одежде. На их фоне я выглядела просто сумасшедшей!» – подытожила Тина.
Винтажная мода - Подписаться
Двухцветные туфли Chanel: как сочетание бежевого с чёрным изменило оптику шага
В истории моды есть вещи, которые не заявляют о себе громко и помпезно, а просто каждый день, вот уже на протяжении почти 70 лет, выполняют свою работу. Конечно же, речь идёт о двухцветных туфлях Chanel, созданных в 1957 году.
Всё гениальное, как говорится, просто: Габриэль Шанель просто искала обувь, которая бы подчёркивала фигуру, визуально удлиняя ногу, укорачивая стопу, но при этом была удобной в носке и давала свободу движениям, а не заставляла свою хозяйку подстраивать свой шаг под неё. Вот так и появились туфли с бежевым верхом и чёрным мыском — сочетанием простым, но продуманным до миллиметра!
Главный эффект — визуальный. Бежевый цвет, близкий к оттенку кожи, удлиняет ногу, продолжая её линию. Чёрный мысок же напротив — «собирает» стопу, делая её аккуратнее. Такая естественная стройность достигается не физическим усилием, а строится на грамотной оптике. В этом и есть главный метод Шанель, которым она пользовалась в своей работе: красота без напряжения и форма, которая следует за телом.
Работая с ателье Massaro, она отказалась от хрупкой шпильки и ввела устойчивый каблук и ремешок через пятку. Нога фиксируется мягко, шаг остаётся уверенным, а обувь легко переходит из дневного образа в вечерний — без смены интонации. Это была обувь для реальной жизни, а не для подиума. Впрочем, затем уже появились и другие модели её двухцветных туфель.
Формула пережила десятилетия без серьёзных изменений. В 1960-х эти туфли носили с костюмами и юбками длиной до колена, в 1990-х — с денимом и жакетами прямого кроя. Сегодня их легко представить с трикотажем, мягкими костюмами и лаконичными платьями. Материалы менялись, но сам принцип оставался неизменным: стройность, удобство, ясность силуэта.
В эпоху шумных трендов и быстрой смены акцентов двухцветные классические туфли Chanel до сих пор выглядят современно. Наденьте их с укороченными брюками — и линия ноги вытянется. С простым платьем — и образ станет цельным. С джинсами — и появится та лёгкая, французская небрежность «как будто так и было». Но главное, что любому вашему модному образу эти туфельки Шанель точно придадут элегантный вид, а шагу уверенность и устойчивость. :)
Винтажная мода - Подписаться
Платье Мэрилин Монро из «В джазе только девушки» (1959)
Когда музыкальная комедия «В джазе только девушки» вышла на экраны, костюмы художника Орри-Келли оскорбили некоторых зрителей: в штате Канзас фильм запретили к просмотру, а в Мемфисе, штат Теннесси, поставили ограничение «только для взрослых».
В 1950-е годы Голливуд не очень-то стремился к аутентичности – важнее было подчеркнуть физические достоинства актрисы, чем сохранить соответствие эпохе. Так, действие картины происходит в 1929 году и силуэт платьев, бывший в те времена прямоугольным, был существенно изменен и рассчитан на то, чтобы показать формы Мэрилин.
Легендарное платье, в котором Монро поет «I Wanna Be Loved By You», сконструировано из двух слоёв ткани телесного цвета, а также имеет вшитые чашечки бюстгальтера. Хотя с первого взгляда кажется, что актриса совершенно без нижнего белья, а на нужных местах расположен орнамент.
Платье облегало Мэрилин как перчатка, и самостоятельно надеть его она бы никак не смогла, поэтому боковой шов шили прямо на ней, непосредственно перед съёмкой.
Дизайнер Орри-Келли добился замечательного результата. Фильм «В джазе только девушки» получил только один «Оскар», и как раз за лучшие костюмы.
Винтажная мода - Подписаться
Джанет Джексон и её total-black образы.
Винтажная мода - Подписаться
Глория Гиннесс: меньше значит больше
В 1963-1971 годы автором в издании «Harper's Bazaar» работала Глория Гиннесс. Признанная всеми модная дива и светская львица в 1964-м получила честь войти в International Best Dressed List Hall of Fame — Зал Славы самых элегантных модников.
Глория была красавицей с самого детства. Родилась она в Мексике в семье известного журналиста. С возрастом оказалось, что девушка обладает прекрасным чувством стиля. Кроме того, она была очень умна. Все это помогло Глории удачно выйти замуж. Причем, не один раз.
Первое замужество продлилось недолго: ее супругом стал директор сахарного завода в ее родном городе голландец Шольтенс. Затем Глория вышла замуж по любви — за графа Фюрстенберг-Хердрингена, и стала мачехой актрисы Бетси фон Фюрстенберг. А спустя семь лет стала женой египетского принца.
Уже будучи принцессой, Глория продолжила искать «своего единственного», и очередным избранником красавицы стал британский миллионер Лоэл Гиннесс, который, по словам Глории, так часто портил воздух, что она не могла спать с ним.
Почему же женщина ни с кем не могла ужиться? Утонченные манеры, грация, безупречный внешний вид, умение подать себя — всё это покоряло мужские сердца. А после свадьбы женщина начинала проявлять свой несносный характер и просто выносила мужьям мозг.
Но дела семейные — это ее проблемы. А общество воспринимало Глорию по одежке. Женщина была ужасной модницей и обожала Кристобаля Баленсиагу. Говорят, когда она пришла к мэтру заказывать платье, то стала указывать, как именно его следует кроить. Баленсиага возмутился, но Глория указала ему, что именно она оплачивает счета, а значит, может заказывать музыку. Кристобаль был вынужден согласиться, и раскроил платье так, как указывала клиентка.
Икона стиля любила минимализм. Ей подражали тысячи женщин. Дамы с удовольствием рассматривали фотографии Глории и читали ее колонку в «Harper's Bazaar». Ее снимали Сесил Битон, Ричард Аведон, Хорст П. Хорст, Слим Ааронс и другие. Ее одевали Кристобаль Баленсиага, Эльза Скиапарелли, Марк Боан в Christian Dior, Chanel, Юбер де Живанши, Ив Сен-Лоран, Валентино Гаравани, Халстон…
Эксперты утверждают, что именно она ввела в моду брюки-капри, хотя многие считают первопроходцем в этом Джеки Кеннеди. Многие дизайнеры вдохновлялись стилем Глории.
А еще хозяйка шести домов и обладательница огромного состояния была щедрой и не скупилась на благотворительность.
А сколько раз вы были бы готовы выйти замуж, чтобы стать состоятельной? :)
Винтажная мода - Подписаться
Жизель Бюндхен: выход моды из передоза 90-х.
Конец 90-х нарекли «героиновым шиком», в котором главным модным высказыванием стала эстетика измождённости с её бледной кожей, «утомлённым» взглядом и подчеркнутой худобой. В этом образе было много драматичности, но ничтожно мало живой энергии. На таком вот болезненном фоне появление восемнадцатилетней Жизель Бюндхен стало не просто дебютом новой модели, а настоящим изменением фокуса модной оптики. В Vogue тогда даже написали, что мир наконец-то дождался «возвращения сексуальной модели»! Но важна не сексуальность как таковая, а то, что вернулась здоровая телесность — живая и сильная.
Жизель никогда не играла в подчеркнутую соблазнительность. Её сила была в естественности: прямой шаг, уверенная осанка, загар и движение, в котором чувствуется энергия. На снимках у Марио Тестино и Стивена Майзеля её тело не позировало — оно жило. Это была красота не истощения, а здоровья и силы.
После десятилетия гранжа и моды на болезненную хрупкость общество устало от образа «исчезающего тела». Появилась потребность в женственности, которая не обесценивает себя и не требует быть слабее, чем она есть. Жизель как раз стала лицом этого перехода: уверенность без жёсткости, чувственность без театральности, здоровье как эстетика. Позже это назовут wellness-гламуром — когда тело воспринимается не как объект для оценки, а как часть здоровой, полноценной личности.
Индустрия отреагировала почти сразу. В бельевых и купальных коллекциях на первый план вышли поддержка, удобство и свобода движения. В рекламные кампании вернулись солнце, пляж, спорт, танец. Модели стали двигаться, а не «грустить и позировать». Кожа перестала быть болезненно бледной: вернулся мягкий загар и естественное сияние. Мода снова начала говорить не о хрупкости и усталости, а о живости и энергичности.
Сегодня мы намного шире понимаем, как могут выглядеть тело и красота. Но урок рубежа тысячелетий остаётся важным: мода способна поддерживать, а не истощать. Сила не отменяет нежность, а естественность не противоречит привлекательности. Шаг, дыхание, уверенная посадка плеч — это тоже стиль. И когда мода выбирает живость вместо утомлённости, она меняет не только силуэт, но и представление о том, что значит быть женщиной.
Винтажная мода - Подписаться
Сегодняшний флэшмоб - это мой чемодан! :)
Друзья, делимся в комментариях фотографиями ваших чемоданов!
А если же у вас есть снимки из ваших путешествий, где вы и ваш надежный чемодан вместе, то это вообще бинго и двойное комбо! :)
Винтажная мода - Подписаться
Подборочка каналов для вас, дорогие! 🤎🤎
Заглядывайте в каждый канал и обязательно сохраняйте себе
каждый — на вес золота!
L’Orange Variée (ок. 1925): апельсин, разложенный на ароматы :)
Париж, середина 1920-х. Эпоха ар-деко в полном разгаре: парфюмерные дома соревнуются не только ароматами, но и остроумием форм. Именно тогда Les Parfums de Marcy выпускает свой необычный «апельсин» L’Orange Variée — один из самых изобретательных флаконов XX века: идеальный апельсин, собранный из восьми долек-миниатюр.
Каждая «долька» — это крошечный стеклянный флакончик со своей этикеткой, вставленный «вверх дном» в «кожуру» из эмали таким образом, чтобы пробки скрывались внутри. В центре располагался металлический каркас, удерживающий всю эту конструкцию. Апельсин можно было буквально «очистить», доставая дольки одну за другой. Такое вот маленькое чудо парфюмерной инженерии и остроумия. :)
Данная эстетика точно отражала настроение 1920-х — времени джаза, когда даже духи превращались в игрушки, а флаконы становился предметом коллекционирования. Кстати, у De Marcy было ещё несколько подобных трюков: ожерелье из мини-флаконов-«жемчужин», браслет из крошечных «сапфиров», бутылочка-«шампанского» и другие. Но именно «Апельсин» L’Orange Variée в то время стал символом лёгкости, юмора и французской изобретательности их парфюмерного дома. :)
Что же хранилось внутри? Источники называют разные композиции: шипр, амбру, фиалку, гелиотроп, розу, жасмин, мимозу, ландыш. Восемь долек — восемь ароматов. А где же сам апельсин, спросите вы? Но идея была не в цитрусовом аромате как таковом, а всё-таки в самой игре, где каждая «долька» — это новый запах, новое настроение, новый день. Это была не покупка основного аромата, а дегустация в миниатюре — маленькое путешествие по миру ароматов.
Влияние L’Orange Variée оказалось куда шире, чем можно подумать. Именно такие находки сформировали в дальнейшем культуру подарочной парфюмерии XX века: упаковка перестала быть просто тарой, а стала не менее важной частью аромата. Современные наборы миниатюр, лимитированные коллекции и travel-size флаконы — это всё прямые наследники того самого «апельсина». :)
Винтажная мода - Подписаться
Знали ли вы, что слово «винтаж» изначально означало «урожай вина»?
В мир моды оно вошло лишь к середине XX века — когда дизайнеры и коллекционеры начали переосмыслять старые коллекции как культурное наследие.
— почему винтаж ценится и как вещи превращаются в символы времени;
— о самых желанных предметах (от сумок Hermès и Chanel до Cartier и старинных часов Omega);
— как формируется рынок ресейла в Европе, России и Азии;
— как проходит аутентификация и почему эксперт сегодня — почти детектив.
Стиль Рейчел Грин (Дженнифер Энистон) в сериале «Друзья»
В самом начале сериала Рейчел – избалованная дочь богатых родителей, которая пытается начать самостоятельную жизнь. Разрезав свои кредитные карты, она устраивается на работу в кофейню. Официантка из нее никудышная, а роскошные наряды сменились на простой кэжуал. Поэтому в первых сезонах Рейчел редко можно заметить в дорогих костюмах.
В основном девушка носит удобные джинсовые комбинезоны, свитшоты оверсайз, футболки поверх лонгсливов и «мужские» рубашки. Иногда Рейчел одевается подчеркнуто сексуально: ее клетчатые мини-юбки и кроп-топы вызвали у зрителей особый отклик. «В первые годы я очень подружилась с девушками из Juicy Couture, которые только запускали свою компанию, — вспоминает художница по костюмам Дебра Макгуайр. — У них были футболки особого кроя — обтягивающие, немного открывающие торс. Мне очень понравилась их одежда, поэтому я ее часто использовала. Такие образы привлекали молодежь, что было и хорошо, и плохо, потому что у меня как раз росла дочка, и я не хотела, чтобы она тоже носила такие короткие вещи».
Объемная прическа Дженнифер Энистон в ранних сезонах сериала произвела настоящий фурор. В парикмахерских и салонах даже появилась услуга «стрижка как у Рейчел».
По мере продвижения по карьерной лестнице стиль героини тоже меняется. Она взрослеет, становится более элегантной и сдержанной. Когда Рейчел начинает работать в Bloomingdale’s, а затем и в Ralph Lauren, на ней можно заметить много стильных деловых костюмов. Знаменитая стрижка превращается в ровный каскад с лесенкой у лица. Цветовая гамма гардероба также становится другой. Бело-голубая палитра с яркими акцентами меняется на черные, зелено-коричневые и серые тона.
Интересно, что бренд Ralph Lauren даже выпустил коллекцию в честь 25-летия сериала «Друзья». Это была линейка в классическом стиле Рейчел Грин. В нее вошли блейзеры, шерстяные жилеты, хлопковые блузки, свитеры из кашемира с высоким горлом и вельветовые брюки прямого кроя.
Винтажная мода - Подписаться
Жанна Ланвен: как Дом моды Lanvin вырос из любви к дочери.
История Жанны Ланвен действительно кажется трогательной, но в то же время — абсолютно реальной. Точка отсчёта здесь не модные или предпринимательские амбиции, а рождение дочери Маргариты в 1897 году. Ланвен шила для неё необыкновенные платья из тонких тканей, с мелкой вышивкой, мягких оттенков молочного и пудрового цветов, с лентами и тесьмой, подобранных так тщательно, словно речь шла не о детской одежде, а о маленьком произведении искусства. Парижанки, замечая её с Маргаритой на прогулках, буквально останавливались и начинали заказывать такие же наряды и для своих детей. :)
Так сначала появилась мастерская, затем полноценная детская линия, а в 1908 году Дом Lanvin официально открыл свой первый детский отдел.
Именно из этой детской линии одежды и выросла полноценная женская коллекция. Уже в 1909 году у Дома появилась секция для «юных леди и дам», и идея созвучия между образами матери и дочери стала отличительным мотивом марки. Не случайно символом Дома позже станет эмблема с изображением женщины и девочки: не украшение и не маркетинг, а отражение самого истока её эстетики.
Чтобы лучше понять стиль Ланвен, важно помнить, откуда он пришёл. Одевая ребёнка, она избегала жёстких конструкций и жестов «навязанной женственности». Её силуэты были мягкими, линии — округлыми, талия — чуть высокой, а юбки — подвижными. Ленты, складки и вышивки не «украшали» платье, а будто бы позволяли ему дышать. И когда в 1920-е на подиумах воцарилась строгая прямоугольная мальчишечья форма «гарсона», Ланвен предложила robe de style — платье с романтической, часто слегка каркасной юбкой. Оно не строило образ, а подчёркивало естественную его плавность, раскрываясь в движении.
Но значение Ланвен не только в силуэте. Она вывела детскую одежду на уровень высокой моды и создала систему линий, объединённых единым настроением: мягкая роскошь, нежная палитра, сложная отделка. Вещи Ланвен узнавали не по эффектному жесту, а по свету — по той самой тихой элегантности, которой не нужно объяснять себя.
К началу 1930-х Дом Lanvin уже был одним из крупнейших и старейших кутюрных домов Франции. Но в основе всё так же оставалось простое и редкое: одежда должна быть красивой в движении, мягкой для тела и не требовать от женщины меняться ради неё.
К слову сказать, эта эстетика актуально звучит и сегодня, в эпоху поиска спокойной и осмысленной женственности.
Винтажная мода - Подписаться
Небольшая историческая справка.
Тушь Maybelline была изобретена в 1913 году 19-летним фармацевтом Т.Л. Вильямсом для своей сестры Мэйбел, чей приятель был влюблен в другую девушку.
Чтобы помочь Мэйбел завоевать избранника, Т.Л. Вильямс смешал вазелин с угольной пылью и изобрел таким образом средство для окрашивания ресниц.
Накрашенные ресницы настолько преобразили девушку, что возлюбленный не мог не обратить на нее внимания. Мэйбел благополучно вышла замуж, а ее брат два года спустя основал компанию по производству первой в мире компакт-туши.
Название компании он образовал от имени сестры и слова «вазелин».
Винтажная мода - Подписаться
Хочу порекомендовать канал с живыми обзорами, которые реально огонь, а не просто «лишь бы выложить» 🤍
Светлая сторона моды — место, где собраны самые удачные покупки с AliExpress, WB и других маркетплейсов 👚🥿
Света делится тем, что проверила на себе. Образы, ссылки и честные комментарии – все просто, красиво и по делу.
Все товары из этого поста собраны вот ЗДЕСЬ ⬅️
Один из немногих каналов, на который действительно стоит подписаться: t.me/lightandfashion
Последняя зима Одри Хепберн: дом, забота и верность Юбера де Живанши
Осенью 1992 года, сразу после гуманитарной поездки в Сомали, у Одри Хепберн начали появляться сильные боли в животе. В начале ноября в клинике Cedars-Sinai врачи провели операцию и поставили редкий диагноз — рак червеобразного отростка с распространением по брюшной полости (псевдомиксома брюшной полости). Лечение не принесло ожидаемого результата, и Одри попросила лишь об одном: вернуться домой, в Швейцарию, чтобы провести Рождество рядом с близкими и дорогими ей людьми.
Обычный перелёт был рискован: перепады давления могли сильно ухудшить состояние. В этот момент рядом вновь оказался человек, который шёл с ней рядом почти всю жизнь, — Юбер де Живанши. Их дружба длилась четыре десятилетия: от первых примерок для «Сабрины» и «Забавной мордашки» — когда он поначалу принял начинающую актрису за её однофамилицу Кэтрин Хепбёрн, — до бесконечных разговоров и совместных благотворительных проектов. Юбер всегда понимал Одри с полуслова.
Живанши вместе с филантропом Рэйчел «Банни» Меллон организовали частный самолёт со специальными условиями: мягкий набор высоты и контролируемое давление в салоне. Благодаря им Одри и вернулась в свой дом La Paisible — «Мирный дом» в Толожене. Позже она скажет, что это было самое тёплое Рождество в её жизни. Рядом были те, кто видел в ней не символ и не кинолегенду, а родного человека: супруг Роберт Уолдерс и сыновья Шон и Лука.
Дом жил своим зимним ритмом: камин, запах дерева, сад за окном. Когда Одри чувствовала себя лучше, она выходила к кипарисам; когда нет — смотрела на сад из окна спальни. Живанши приезжал часто. Просто как друг. Цветы, немного конфет, тихие разговоры или просто присутствие рядом. Он позже скажет: «С ней даже молчание было светлым».
20 января 1993 года Одри Хепберн не стало. Ей было 63. Прощание прошло в маленькой церкви Толожены.
Живанши, надёжный до последней минуты, стоял рядом с её сыновьями — так же, как стоял рядом с ней всю её жизнь.
Винтажная мода - Подписаться
Ужасающая коллекция Александра Маккуина «Джек-Потрошитель выслеживает своих жертв»
Именно так называлась дипломная коллекция Александра Маккуина, которую он показал в 1992 году в стенах своего колледжа Central Saint Martin’s. Вдохновение начинающий дизайнер черпал в истории Джека-Потрошителя – главного серийного убийцы конца XIX века.
Эту тему он выбрал неслучайно. Оказалось, Маккуин косвенно связан с маньяком. Так, в процессе изучения своего генеалогического древа, Александр узнал интересный факт – его дальняя родственница владела гостиницей, в которой Потрошитель совершил одно из преступлений.
Как известно, жертвами жесткого убийцы были проституированные женщины, поэтому некоторые образы в коллекции были отсылками к их викторианскому гардеробу.
Еще одна леденящая подробность: вместо бирок вещи «украшали» пряди волос, запечатанные в пластике. В то время многие девушки легкого поведения отрезали свои волосы и продавали, чтобы хоть как-то заработать.
«Я вижу красоту во всем том, что большинству обычных людей кажется уродством» – однажды сказал Маккуин, комментируя свое видение моды.
Винтажная мода - Подписаться
Balenciaga при Демне: эстетика «красивого некрасивого»
Когда Демна Гвасалия пришёл в Balenciaga, он не просто сменил эстетику — он пошатнул саму идею «хорошего вкуса». Дом, известный своей архитектурной точностью кройки и немногословным совершенством силуэта, внезапно начал работать с тем, что модная система привыкла отбрасывать: утилитарность, неловкость формы, бытовую повседневность. Демна предложил мысль, которая прозвучала почти провокационно: красота — это не данность, а контекст. И контекст можно менять!
Отсюда и его феномен «красивого некрасивого». Синяя сумка, похожая на пакет из IKEA, стала предметом обсуждения не из-за иронии, а потому что заставила взглянуть на предмет вне привычной иерархии. Вопрос был не «почему она выглядит так», а «почему мы решили, что это не может быть люксом?». Та же логика проявилась в Triple S — тяжёлых кроссовках, которые, как казалось, должны были «портить» силуэт. Но именно они в итоге задали моду на массивную обувь и изменили устоявшуюся норму: хрупкость больше не была обязательным условием элегантности!
Платформенные сабо и резиновые кроксы Balenciaga — это следующий шаг к утилитарности. Здесь нет никакой наивности или попытки эпатажа. Напротив: это внимательная работа с материалами и конструкцией ради формы, которая служит телу — поддерживает, защищает, даёт свободу движения. В такой логике сексуальность перестаёт уже быть целью и становится следствием — побочным эффектом уверенности и комфорта.
А его «икеевский» сюжет с сумкой очень точно показал, что ценность вещи определяется не дизайном как таковым, а контекстом, в котором мы её видим. На самом деле — это тонкая работа с восприятием: бренд предлагает примерить не одежду или аксессуар, а взгляд. Да, публика смеётся, но покупает; масс-культура отвечает мемами, а бренды — остроумными репликами. Но это не скандал ради скандала, а смелый способ проверить, где же сегодня проходит граница между китчем и «высоким».
При этом Демна не замыкается в гротеске. Возвращение кутюрной линейки у Balenciaga показало и другую сторону его метода: ту же дисциплину формы, те же эксперименты с «повседневностью», но только уже доведённые до филигранной точности. А его спектакли-манифестации — от показа в «снегу» до зала, покрытого грязью — специально помещали одежду в «реальные» среды и напоминали таким образом зрителям, что мода — это всё-таки каждодневный опыт, а не только красивая картинка.
Критики то морщились, то восторгались, но его влияние очевидно: «уродливые» кроссовки переписали ассортимент люкса и масс-маркета, «функциональные» сабо стали символом смелости, а «хозяйственные» сумки — вообще объектами коллекционирования. Баленсиаговская постирония научила индустрию не стесняться утилитарности, а смотреть на привычное как на безграничный материал по созданию новых смыслов.
Главный же посыл, который Демна оставил индустрии моды во время своей работы в Balenciaga – это то, что красота не обязана быть понятной и однозначной. Она может заключаться в остроте мысли, она может заставить вас улыбнуться и чуть смутиться. И она даже может стать вопросом, а не быть ответом.
Винтажная мода - Подписаться
Синди Кроуфорд и её родинка, изменившая стандарты моды!
В моде есть жёсткое правило: всё, что не вписывается в стандарт, предлагается «исправить». В конце 80-х, когда индустрия была влюблена в симметрию, углы, «безупречные» лица, любая деталь, нарушающая этот идеальный чертёж, считалась серьезной угрозой карьерным перспективам. Синди Кроуфорд столкнулась с этим в самом начале пути: агент сразу же посоветовал удалить родинку над верхней губой, а в школе её все время дразнили из-за неё. Логика была проста — чем незаметнее отличия, тем выше шанс «войти в нужные рамки».
Но решительный отказ соответствовать и стал её главным стратегическим решением. Родинка, которую ей так категорично советовали убрать, стала её фирменной «подписью». Она стала той точкой, которая собирает черты лица и задаёт характер. Без неё она была бы лишь одной из многих красивых моделей эпохи. С ней же Синди стала узнаваемой на любом расстаянии, под любым углом и в любом формате — от журнальных обложек и до рекламных щитов.
Окончательный момент закрепления произошёл в рекламном ролике Pepsi. Наверняка вы помните её белую майку, джинсовые шорты и заправку посреди трассы. Камера фиксировала не недосягаемую икону, а живую женщину «без попытки понравиться», чья красота была не «над» зрителем, а рядом с ним — на жаркой заправке с баночкой Пепси в руках. :)
Родинка перестала быть изъяном и окончательно превратилась в её точку сборки, в центр притяжения взглядов миллионов поклонников по всему миру.
Индустрия быстро подхватила этот сигнал. В 90-е бренды уже начали строить свои рекламные кампании на индивидуальности: веснушки, асимметрия и вообще выразительные черты больше не считались недостатком. Но именно Кроуфорд была одной из первых, кто показал, что личная особенность может стать ресурсом, а не проклятием. :)
Если немного порассуждать, то можно прийти к выводу, что женщина, которая сама решает что считать своей красотой, возвращает себе контроль над образом. Она не ждёт одобрения. Она формулирует новую норму изнутри, а не подчиняется устоявшимся догмам. И тогда то, что раньше называли недостатком, становится основой ее идентичности — твердой, уверенной и непоколебимой.
Именно поэтому Синди Кроуфорд — не только супермодель. Она — лицо эпохи, которая впервые разрешила женщине быть не идеальной, а настоящей. И если сегодня индустрия и говорит о принятии, разнообразии и «своей» красоте, то корни этого разговора — там, где одна девушка когда-то сказала: «Оставьте родинку. Это часть меня!»
Винтажная мода - Подписаться
Двое из ларца одинаковых с лица
Каждый из нас сталкивался с ситуацией, когда на улице или в гостях появлялась дама в таком же наряде. Это очень неприятно и выбивает из колеи.
А вот для звезд такое совпадение в нарядах — настоящая катастрофа. Ведь они изо всех сил стремятся к уникальности. Появиться под вспышки фотокамер в одинаковых платьях? Страшный сон! Но история знает десятки таких случаев.
Ирина Шейк и Наташа Поли
Наташа и Ирина — подруги в обычной жизни. И, похоже, взгляды на мир у них настолько схожи, что они не сговариваясь выбрали практически идентичные наряды. Судя по сдержанным улыбкам, «близняшкам» это не очень понравилось.
Пинк и Шакира
Balmain оказался настолько крутым, что его выбрали сразу две певицы. И обе пришли в одинаковых нарядах на MTV Video Music Awards в 2009 году. Когда звезды увидели друг друга, они рассмеялись, и уже фотографировались только вместе, привлекая внимание одинаковыми образами.
Сара Сампайо и Эмили Ратаковски
Год 2015-й, вечеринка Sport Illustrated. Две модели — Эмили Ратаковски и Сара Сампайо обнаружили, что пришли на вечеринку в почти одинаковых нарядах. Они, конечно, привлекли внимание папарацци, но вряд ли были рады такому совпадению вкусов.
Джейми Ли Кертис и Сигурни Уивер
В данном случае выход в одинаковых платьях больше похож на сговор. В фильме «Снова ты» Сигурни и Джейми Ли Кертис играли непримиримых соперниц. Придя на премьеру фильма в одинаковых нарядах, актрисы хотели показать, что в жизни соперницами не являются.
Джулианна Хаф и Оливия Манн
Как и в других ситуациях, появление актрис в одинаковых нарядах привлекло к ним внимание. Многие даже решили, что это было сделано намеренно. Но актрисы яростно отрицали преднамеренность такого пи-ар хода.
Джейми Кинг и Ники Хилтон
Черные туфли, леопардовый принт, светлые волосы… Если бы не разные прически и не широкий пояс у Ники, их можно было бы спутать.
Джулия Робертс и Элизабет Стюарт
А вот тут как раз тот случай, когда одинаковые луки — преднамеренный ход. Так актрисы хотели подчеркнуть дружбу между ними. И только цвет сумочек позволил разбавить такие одинаковые образы.
Обри Плаза и Элизабет Олсен
Примеру предыдущих подруг последовали Обри и Элизабет, появившись в одинаковых нарядах на премьере фильма «Ингрид едет на Запад». Встретившись на красной дорожке, дамы попытались сыграть искреннее удивление, но то ли удивление неискренним получилось, то ли актерского мастерства не хватило — их замысел был раскрыт.
Винтажная мода - Подписаться
Любимый дизайнер Грейс Келли, самый недооцененный креативный директор Dior – Марк Боан
Марк Боан возглавлял Дом Dior больше, чем кто-либо – целых 29 лет. Но несмотря на впечатляющую творческую биографию, его вспоминают не так часто, как его предшественника - Ива Сен-Лорана, проработавшего в компании всего два с лишним года. Мы постараемся восстановить эту историческую несправедливость. :)
За почти три десятилетия Марк Боан сумел пересмотреть стиль бренда, сформулировав его как «одежду для реальных женщин». Дизайнер привнес в философию Dior легкость и простоту.
Это время было самым спокойным в истории французского модного Дома. Боан не любил шокировать публику, зато вводил новые линейки с красивой и уместной в любых обстоятельствах одеждой. Возможно, его аккуратные пальто-трапеции и добротные шерстяные костюмы-двойки несколько теряются на фоне гротескных моделей Джона Гальяно, но именно они стали любимыми для клиенток Дома, которые доверяли Боану самые важные выходы в своей жизни — от красных дорожек до свадеб.
Именно в годы Марка Dior сотрудничал с Мией Фэрроу, Марлен Дитрих, Сильви Вартан, Марией Каллас и Грейс Келли. С последней модельера связывала теплая дружба. Постоянной клиенткой Dior княгиня Монако стала в 60-е — Марк создал для нее множество образов. «Она была символом моего стиля, – сказал Боан в одном из интервью. – Стиля, который привлекал внимание, но никогда не был агрессивным. Рубашки, блузки и крепдешин идеально подходили ее вкусу».
В 1967 году он предложил Грейс Келли стать «крестной матерью» детской линии Dior , поскольку в то время она и сама была молодой мамой. Бутик до сих пор расположен на том же месте, где были сделаны фотографии дизайнера и княгини.
Обожала Марка Боана и Элизабет Тейлор, которая получала «Оскар» в 1961 году в необычном платье его авторства с гипертрофированно узкой талией и пышной юбкой-баллоном, расшитой цветочным узором.
Кроме того, Марк Боан начал делать линию pret-a-porter. То есть предлагал готовые сезонные коллекции и «массовое» производство одежды, а не только пошив на заказ. Это позволило не растерять клиентуру и спасло модный Дом от финансового кризиса.
Также Боан вывел Dior на мужской парфюмерный рынок. Именно ему принадлежит идея первого аромата для мужчин: Eau Sauvage, выпущенного в 1966 году. Да-да, это тот самый парфюм, который за 20 миллионов долларов рекламировал Джонни Депп. А в 1970-м Боан дополнительно запустил линию мужской одежды Christian Dior Monsieur.
Винтажная мода - Подписаться
Приглашаю вас в мир уникальных вещей с историей!
В своем магазине ProSecond я предлагаю качественную одежду абсолютно разной стилистики и постоянно ищу что-то новое и необычное🧚
Вы найдете европейский винтаж: Баварию, Тироль, аутентичную Японию и Непал, классику, этнику, бохо, кэжуал, благородную шерсть, в том числе кашемир, шелк и лен и многое другое!
Жду вас🍁
Мастерская Lesage: когда стежки задают тон высокой моде
В истории кутюра есть мастерские, где рождаются не просто вещи, а сама эстетика высокой моды. Maison Lesage — бесспорно одна из таких мастерских. На протяжении века Dior, Balenciaga, Chanel, Schiaparelli, Givenchy, Saint Laurent, Lacroix и другие доверяют этому Дому самое тонкое в своих коллекциях — вышивку. Здесь она не просто украшение, а художественный способ придать характер силуэту, а ткани — глубину и световой рельеф. Казалось бы, никаких секретных технологий: люневильский крючок, ручные стежки, жемчуг, бисер, канитель и перья — но в Lesage они соединяются так, что ткань получает волшебный мягкий объём и выразительную игру света.
Ателье ведёт свою историю ещё от мастерской Michonet времён Второй французской империи. Современная же часть истории начинается в 1924 году, когда её приобрели Альбер Лесаж и Мари-Луиза Фаво, превратив мастерскую в лабораторию художественной вышивки. Именно здесь для Эльзы Скиапарелли выполняли смелые сюрреалистические решения, а для Мадлен Вионне — чёткие линейные мотивы, соответствующие её чистой конструкции кроя. После войны дом возглавил Франсуа Лесаж; при нём мастерская уже работала для Dior и Balenciaga, а затем — для Givenchy и Saint Laurent. Жакеты Сен-Лорана «Подсолнухи» и «Ирисы» (весна–лето 1988), вышитые Maison Lesage, по выразительности, пожалуй, уже ближе к живописи, чем к декоративному шитью.
Вы можете задаться вопросом, почему же модные дома не вышивают сами? Дело всё в том, что вышивка — это отдельная профессия со своей строгой дисциплиной, тактильной памятью и годами наработанного опыта. Чтобы мастер одинаково уверенно работал с органзой, тюлем и бархатом, чтобы «укладывал» блеск в нужном ритме, требуется не обучающий курс по машинной вышивке, а преемственность поколений умельцев, «передача руки» — от мастера к ученику. Поэтому модельеры приносят свои идеи и настроение, а мастера Lesage находят способы воплотить их в материале: определяет плотность, высоту рельефа, мерцание, паузы.
Кстати, в 1992 году Lesage открыл собственную школу, понимая, что ремесло живёт только в передаче опыта. А в 2002-м Дом вошёл в экосистему Chanel (структура Paraffection), при этом сохранив собственные техники и принципы. Сегодня мастерские Lesage расположены в парижском комплексе le19M — рядом с ателье перьевщиков, изготовителей искусственных цветов и плиссировщиков. Здесь старинные техники не консервируются — они развиваются, получают новые материалы и задачи.
Наследие Lesage — не в пайетках и не в перьях. Оно — в умении работать с тканью так, чтобы она приобретала глубину, ритм и характер. Пока такие мастерские продолжают своё дело, высокая мода не превращается в поток случайных трендов и распродаж, а остаётся искусством, где важны не только идеи, но и руки, которые их воплощают.
Винтажная мода - Подписаться