1642
Рок джаз классика этно и ДР. Мало известные и совсем не известные коллективы и исполнители мировой музыки.https://t.me/Volfserg
Atmospheres-Atmospheres Featuring Clive Stevens & Friends (1974). - Проект Клайва Стивена имел грандиозный состав, и, к сожалению, такое звездное членство мало что сделало для репутации и памяти об этом альбоме, поскольку его почти никто не помнит.
Первая из двух случившихся пластинок проекта британского саксофониста Клайва Стивенса 'Atmospheres' бесспорная классика фьюжна - неиссякаемый музыкальный напор, здоровый звук первой половины десятилетия, запоминающиеся темы в исполнении all-star группы с гитаристами Аберкромби и Каном, их коллегой Таунером за клавишами и ритм-секцией Mahavishnu Orchestra (Кобэм-Лэйрд).
"Конечно, это не такой же яростный прогрессив-фьюжн, как у Mahavishnu, но все равно интереснейшая работа, где слаженная работа Лэйрда и Кобэма все равно периодически ощущается. Стивенс никогда не тянет одеяло на себя и дает посолировать и электрическому пианино, и гитаре, хотя его собственные соло скорее напоминают Nucleus, чем Mahavishnu, однако когда включаются Аберкромби и Таунер, очень похоже на Маклафлина и Хаммера. Стивенс переключается с сопрано- на тенор-саксофон, иногда добавляя электричества в стиле кукарекающего сакса Яна Андервуда. 6 длинных инструментальных вещей с беспрестанными джаз-роковыми импровизами и иногда даже щепоткой фри-джаза для вкуса. Долгое время эта шикарная пластинка оставалась без CD-переиздания, пока ее не выпустила контора ESC Records. Незаслуженно забытая работа."
Состав:
- Clive Stevens - electric & acoustic tenor sax, soprano sax, flute
- Ralph Towner - electric piano, ring modulator
- Steve Khan - 6 & 12 string electric guitars
- John Abercrombie - electric guitar
- Rick Laird - bass
- Billy Cobham - drums
- Harry Wilkinson - percussion. #Jazzrock #Fusion. FLAC
Michael Rother – Katzenmusik 1979. - Третий сольный альбом вышел в 1979 году и стал последней совместной работой Ротера с Конни Планком и Яки Либецайтом. Запись проходила в Форсте и студии Планка с марта по июль 1979 года. Ротер играл на гитарах и электронике, Либецайт отвечал за ударные, а Планк — за запись и продюсирование.
Название Katzenmusik — «кошачья музыка» — сначала может показаться шуткой. Но за ним стоит вполне личная история: Ротер посвятил альбом своим кошкам, а сама пластинка действительно напоминает наблюдение за животным — его движениями, паузами, внезапными ускорениями и бесконечным повторением одних и тех же жестов. При этом Katzenmusik — не набор отдельных песен. Это единая сюита из двенадцати связанных фрагментов, построенных вокруг нескольких простых пятинотных мелодических мотивов.
Почему это не просто «ещё один альбом Ротера»? Потому что Katzenmusik гораздо более концептуален, чем может показаться. В основе альбома лежат всего несколько пятинотных мелодических тем, которые Ротер постоянно повторяет, варьирует и помещает в разные звуковые контексты. Получается своеобразная музыкальная головоломка. Ты уже слышал эту мелодию. Но где? В Katzenmusik 2? В Katzenmusik 5? В Katzenmusik 9? Она возвращается, но уже изменилась. И постепенно слушатель перестаёт воспринимать двенадцать номеров как отдельные композиции. Это одна музыка.
Katzenmusik стал третьей и последней сольной работой Ротера, записанной вместе с Планком и Либецайтом. И это важный момент.
Планк создаёт прозрачную звуковую среду, в которой гитара Ротера может буквально парить над ритмом. Либецайт, в свою очередь, остаётся максимально экономным. Получается почти идеальный треугольник: Ротер — мелодия. Либецайт — пульс. Планк — пространство. Именно поэтому альбом звучит настолько цельно.
В 1979 году краутрок уже переставал быть новым явлением. Но Ротер не пытался возвращаться к эстетике начала десятилетия. Напротив — он постепенно избавлялся от всего лишнего. В Katzenmusik уже очень легко услышать будущий ambient, dream pop и post-rock. Но есть и ещё одна важная вещь: гитара Ротера начинает выполнять функцию синтезатора.
Она создаёт длинные тона, повторяющиеся фигуры, атмосферные слои и почти бесконечный sustain. Pitchfork отдельно отмечает использование Ротером eBow на этом альбоме — устройства, позволяющего получать практически бесконечное звучание ноты и необычные, «кошачьи» тембры. И это прекрасно объясняет название. Гитара Ротера здесь действительно иногда мяукает, мурлычет и скользит.
Главная проблема Katzenmusik — та же самая вещь, которая делает его сильным: повторение. Если слушатель не принимает минималистический принцип Ротера, альбом может показаться слишком однообразным. Некоторые мотивы возвращаются настолько часто, что временами возникает ощущение, будто музыка стоит на месте. Даже положительные оценки альбома иногда отмечают его монотонность. Но здесь важно слушать Katzenmusik не как сборник из двенадцати треков. Его лучше воспринимать целиком. Как длинную прогулку. Как медленное путешествие. Или действительно как наблюдение за кошкой, которая десять минут может делать буквально одно и то же — а потом внезапно изменить всё одним движением.
Katzenmusik — один из самых совершенных сольных альбомов Михаэля Ротера. Он менее очевиден, чем Flammende Herzen, и менее сентиментален, чем Sterntaler, но зато гораздо более цельный и концептуальный. Здесь Ротер окончательно превращает motorik в состояние сознания. Ритм больше не заставляет двигаться. Гитара больше не рассказывает историю. Мелодия больше никуда не спешит. Всё просто существует — повторяется, меняется и возвращается. И в этом есть удивительная мудрость. Не нужно постоянно двигаться вперёд, чтобы музыка продолжалась. Иногда достаточно снова и снова вернуться к одной красивой мысли — и каждый раз услышать её немного иначе. #Ambient #electronic #Krautrock
Tracks
1. Magic Is Everywhere (Raymond Bozarth, Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli) - 4:52
2. Old Man (Raymond Bozarth, Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli) - 2:53
3. Tears (Raymond Bozarth, Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli) - 2:13
4. In My Dream (Geri Mingori, Edward Monroe) - 5:07
5. Jack (Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli, John Tiberi, Phil Argentina) - 12:22
6. Dit Dewey Man (Raymond Bozarth, Rick lannacone) - 2:54
7. Baby I Know (Geri Mingori, Edward Monroe) - 4:06
8. Lay In My Bed (Raymond Bozarth, Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli) - 2:15
9. Time (Geri Mingori, Edward Monroe) - 2:40
10.Tears (Raymond Bozarth, Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli) - 1:56
11.Harness (Joseph Mingori, Edward Monroe, William Vespe, Nicholas Fanelli) - 1:14
12.George (William Vespe) - 0:45
Chaplin Harness
*Raymond Bozarth - Vocals
*Edward Monroe - Guitar
*William Vespe - Drums
*Joseph Mingori - Keyboards
*Nicholas Fanelli - Bass
*Rick lannaconne - Guitar
*Geri Mingori - Vocals
*Joe Mingori - Keyboards
*Phil Argentina - Bass
*John Tiberi - Keyboards
*Greg Hayes - Keyboards. #Psychedelic_Rock #Fusion. FLAC
Aka Moon "Amazir" - 2006. - Пластинка отличной джаз-роковой бельгийской группы, выпустившей уже свыше десятка пластинок на лейбле Carbon 7. Джаз этот вполне удобоваримый, без закривлений и сильных отходов в авангард. Альт саксофон, бас, ударные, фоно, флейта, соло гитара присутствует лишь на некоторых треках, так же, как и тромбон. Ни одной плохой и даже средней пластинки. Тем не менее, популярность очень локальная, многие из пластинок достать практически невозможно, ибо они полностью заделичены. Сакс, фоно и бас - основные ингредиенты блюда, изготавливаемого музыкантами группы. Чистый инструментал. Некоторые пластинки представляют собой характерное для Бельгии направление - чембер-джаз. Отличный образец современной бельгийской музыки. Musicians
- Fabrizio Cassol / Alto saxophone
- Michel Hatzigeorgiou / bass
- Stéphane Galland / drums
With:
- Fabian Fiorini / piano
- Magic Malik / flute, voice
Special guests:
- Nelson Veras / guitar (7 & 10)
- Robin Eubanks / trombone (3, 4 & 10). #Contemporary_Jazz #Jazzrock #Fusion #Experimental
Ellesmere - Stranger Skies-2024. - "Stanger Skies" - четвертый студийный альбом проекта Ellesmere мультиинструменталиста Роберто Вителли, выпущенный 21 января 2024 года на лейбле "AMS Records".
По обычаю, проект Ellesmere использует большое количество приглашённых музыкантов высшего класса, которые помимо основного ядра, состоящего из Роберто Вителли (бас, клавишные и главный автор песен), Маттиас Олссон (ударные), Джон Уилкинсон (вокал), и Джакомо Ансельми (гитара), включает участие Клайва Нолана (клавишные) Грэма Тейлора (акустическая гитара), Томаса Бодина (клавишные), Джона Хакетта (флейта), Дэвида Джексона (саксофоны и духовые инструменты), Боба Ходжеса (клавишные), Стефано Викарелли (клавишные) и Риккардо Романо (бэк-вокал, 12-струнная акустическая гитара).
Состав:
- John Wilkinson - vocals
- Giacomo Anselmi - guitars
- Roberto Vitelli - bass, keyboards
- Mattias Olsson - drums & percussion
With:
- Tomas Bodin - keyboards (6 outro)
- Clive Nolan - keyboards (1 intro)
- John Hackett - flute (5)
- David Jackson - saxophone & wind instruments (3,6)
- Graeme Taylor - acoustic guitar (3 prologue)
- Bob Hodges - keyboards (5)
- Stefano Vicarelli - Mellotron, Minimoog, additional keyboards
- Riccardo Romano - backing vocals, 6- & 12-string acoustic guitars (2,5) #progressive_rock
Enzo Favata & Mario Crispi - Insulae-2011. - ~ Ⲁⲛⲁʀⲥⲏⲓⲋⲧ ~:
INSULAE - это результат творческой встречи Марио Криспи и Энцо Фаваты, музыкантов, работающих с полиинструментальной музыкальной концепцией, применяемой к электронике, родом из двух приморских городов, с двух итальянских островов и древнего Средиземноморья.
Первый, Альгеро, - это его связь с Сардинией, отправная точка для обнаружения истоков смешения мира джаза и импровизационной музыки. Второй, из Палермо, на протяжении многих лет посвящает свои поиски миру духовых инструментов, пришедших с пяти континентов, и начиная с острова происхождения, Сицилии, туманной музыкальной территории для существующих и воображаемых.
Захватывающая комбинация, которая в непрерывной эволюции исследует древние корни и современную замкнутость, как географическую, так и метафорическую. А расшифровкой карты становится использование латыни как языка посредничества между Востоком и Западом, через исторические осадки, социальные и языковые, общие для многих средиземноморских народов.
Музыкальное предложение, которое развивается в этом контексте, представляет собой непрерывную серию диалогов тонального, тематического и исследовательского характера, путь, полный звуков и атмосфер, напоминающих иногда архаику, иногда современность, иногда сновидения, но часто приводящих к путешествиям по воображаемым горизонтам и неопределимым, как глаз.
Очень непосредственная музыка, вызывающая эмоции и перемещающая сознание во времени, история, развивающая звуковые артикулированные гармонии через мелодические линии двух рожков, иногда обнаженные, иногда отфильтрованные, или умноженные живой электроникой двух музыкантов - обычных пользователей.
INSULAE - это, несомненно, проект, который начинается с истоков и датируется простой мелодией, основным элементом музыки, и мир разворачивается как диалог без слов.
Enzo Favata
soprano and tenor saxophone, bass clarinet, alto clarinet, live electronics, real time looper, multi-harmonizer, voice.
Mario Crispi
Armenian duduk, bansuri Indian ney Arabic, Romanian horse, beat box flute & vocals, flute embouchure change, whirlies, MIDI wind controller, darbouka, bandages, looper, harmonizer, piano, voice. #Contemporary_Jazz #World_Fusion. FLAC
Izvir - Izvir (1977). Marko Bitenc / vocals, percussion
- Franc Opeka / guitar
- Andrej Petkovic / drums
- Andrej Konjajev / keyboards
- Davorin Petric / guitar
- Marjan Lebar / bass
with:
- Mitja Bavcon / flute, guitar
- Slavko Lebar / guitar
- Marko Rudolf / Canon F-1
Дебютный одноименный альбом IZVIR, их единственная на сегодняшний день пластинка, является настоящим феноменом югославско-словенского джаз-рока 1970-х годов. Это один из самых редких альбомов на рынке. Если вам посчастливится найти его у каких-либо онлайн-продавцов музыки, цена, скорее всего, будет чрезвычайно высокой. Стоит ли «Извир» своих денег? — возникает логичный вопрос.Согласно скудной информации, группа, которая вскоре станет называться IZVIR (англ. «Источник», «Водяной источник»), была образована примерно в 1971 году в Любляне, Словения, в то время входившей в состав Югославии. В период с 1972 по 1976 год они выступали на нескольких небольших рок-фестивалях в Любляне, Сараево, Суботице и других городах. До выхода этого LP-альбома в 1977 году им удалось записать два сингла, которые, по всей видимости, были выпущены ограниченным тиражом. Отсюда и редкость, и, как уже упоминалось, огромные цены. Музыка превосходна и великолепно исполнена в стиле джаз-рок с сильным влиянием фанка и прогрессивного рока. Две электрогитары, эффективное использование Андреем Коняевым различных клавишных инструментов, таких как клавинет, орган, электропианино, и сильный тенор вокалиста Марко Битенца — главные составляющие этой музыки. Тексты песен написаны на словенском и сербо-хорватском языках (типичное сочетание для многих словенских исполнителей того времени). Звучание довольно похоже на некоторые другие югославские группы той же эпохи, такие как SEPTEMBER или SMAK, которые, с другой стороны, находились под влиянием американского джаз-фанка и импровизационных джем-групп, от Херби Хэнкока до ALLMAN BROTHERS и хард-рока. Но в «Izvir» также можно услышать несколько интересных космических моментов.напоминающих краутрок-версии фьюжена, например, пост-1974-й этап GURU GURU или KRAAN. Это особенно заметно в 12-минутном открывающем треке «Sel je popotnik skozi atomski vek», содержащем несколько частей с разным темпом и аранжировкой, и в заключительном треке «Vibrolux». Это чрезвычайно приятная для прослушивания музыка, которая также доставит большое удовольствие поклонникам жанра. Битенц — превосходный вокалист, хотя в некоторые моменты он не может удержаться от перехода в высокий фальцет, что может раздражать. С другой стороны, поскольку все песни исполнены с вокалом (за исключением инструментального «Vibrolux»), этот альбом предназначен не только для ярых поклонников джаза, которые любят инструментальные импровизации. Он, вероятно, мог бы сравниться с другими коммерчески успешными югославскими альбомами той эпохи, такими как «Crna dama» SMAK или «Domovina moja» SEPTEMBER, если бы был выпущен для более широкой публики. После выхода этого альбома группа IZVIR распалась в 1977 году и больше никогда не собиралась. Однако четыре участника, игравшие на "Izvir", присоединились к другой джаз-рок-группе люблянской сцены, PREDMESTJE, для записи их третьего альбома "Hazard", выпущенного в 1980 году. #progressive_rock #Jazzrock #Fusion
#Happy_Family - Toscco (1997) Zeuhl/Avant-Prog. -Happy Family - японская группа с потрясающей энергетикой и драйвом, играющая непростую, довольно-таки тяжелую и злую музыку, в которой можно услышать влияние Magma и King Crimson, но, гораздо больше - своего, абсолютно уникального и неповторимого, по самурайски яростного и жестокого. Второй альбом группы, рекомендую.
О группе
Если бы Sonic Youth родились в Японии, ели бы суши, пили сакэ и любили фьюжн, то они назывались бы Happy Family.
Японские группы всегда славились своими странностями и необычным подходом к творчеству. С долей здорового радикализма и самобытности преподносятся, казалось бы, уже заезженные и истерзанные направления: рэп, джаз, металл, электроника. Дай японцам загибающийся музон и они вдохнут в него восточный колорит и перевернутую вверх ногами американскую традицию. Многие западные продюсеры так и делают. В головах жителей малюсенькой страны проходят свои, никому не ясные, процессы.
В 1987 году, в одном из Токийских университетов собрался инструментальный квартет Happy Family. Молодые парни явно переслушали Magma, Ruins, Univers Zero, и King Crimson. Играть хотелось так, что руки чесались, и парни спустились в подвал университета, переполненные впечатлениями и идеями.
Изначально группа собралась в следующем составе: клавиши - Кеничи Моримото (Kenichi Morimoto), гитара - Шигеру Макино (Shigeru Makino) и Татсуя Мияно (Tatsuya Miyano) - поклонник безладового баса. Парни играли без барабанщика, писали вещи, сыгрывались. В 1990-м в Happy Family приходит Кеичи Нагазе (Keiichi Nagase) и занимает вакантное место барабанщика.
Группа записывает несколько демонстрационных кассет перед тем, как в 95-ом выпустить свой дебютный альбом "Happy Family" на лейбле Cuneiform. Америка выпучила глаза. Такого пинка со стороны Японии американские любители прогрессив-рока не ожидали. Давно изжившее себя направление, находящееся в упадке, было подвергнуто вливанию новой крови. Чем отличаются HF от множества прогрессив-рок групп? Ответ прост, стоит только их услышать. Арт-рок, пропущенный через панковое звучание, сдобренный совсем не японской страстью и высоким уровнем мастерства музыкантов. Должен предупредить - чертовская энергетика просто сшибает с ног, слушать в плеере на улице опасно!
Следующего релиза уже ждали очень многие. Клавишник и основной композитор HF Кеничи Моримото выложился полностью, и в 1997-ом ребята записывают альбом "Toscco".
Переполненый страстью, космическими звуками клавиш, "расстроеным" басом, безумными барабанами и дикой панк-гитарой, альбом производит фурор уже не только в рядах прог-рокеров, но и любителей панка, метала, фьюжна и арт-рока. Слушая этот диск, я словно очутился в захолустном суши-баре, куда вломились японские психи и кричат что-то, перебивая друг друга. Бас ругается с барабанами, на него орет гитара, и откуда-то вылетают космические маньяки-клавиши, сакэ льется рекой. Заставить себя нажать кнопку "стоп" невозможно, вещи с названиями типа "Перегруженный Локомотив" ("Overdrive Locomotive") и "Суши-Бар: со страшным видом, ужасными манерами и отвратительным вкусом" ("The Sushi Bar (with bad face, bad manners, and bad taste)") держат до последнего, не отпускают, вплескивая в тебя литры адреналина.
Жаль только, что сегодня о группе ничего не слышно, но это одна из тех команд, которые уже сделали достаточно, чтобы занять свое почетное место в истории музыки.
Алексей Савельев. Line-up:
Kenichi Morimoto — keyboards
Takahito Izutani — guitar
Tatsuya Miyano — bass
Keiichi Nagase — drums. #progressive_rock. #Zeuhl
Viejas Raices. De Las Colonias Del Río De La Plata 1976
Проект VIEJAS RAICES (Старые корни), детище ведущего аргентинского джазового музыканта Хорхе Лопеса Руиса, ознаменовал отход Лопеса Руиса от традиционных форм джаза. Трио, записавшее этот альбом, состоящее Лопеса Руиса, его давнего друга, барабанщика Почо Лапубля, и талантливого чилийского пианиста Матиаса Писарро, создало захватывающее сочетание джаза и уругвайской кандомбе, пронизанное кинематографическим духом, который возник благодаря многолетнему опыту Лопеса Руиса в создании саундтреков. Если рассматривать название группы и альбома (в переводе с испанского – “ “Старые корни из колоний Ла-Платы”) как единое целое, то оно сразу намекает на то, с каким звучанием столкнется слушатель, погрузившись в этот альбом.
Альбом был записан в 1976 году, в период “Национальной реорганизации” – самого кровавого периода диктатуры в Аргентине. Поначалу он не вызвал восторга ни у критиков, ни у публики, которая все еще придерживалась традиционных взглядов на джаз и явно не была готова к новым идеям, с которыми экспериментировали такие музыканты, как Лопес Руис. Несмотря на коммерческий провал, в последние два десятилетия альбом приобретает все большую популярность среди любителей джаза, которые ценят его с иной, исторической точки зрения и приветствуют эксперименты, характерные для этого революционного периода перемен.
Members:
Jorge López Ruiz – Bass, Clavinet, Organ, Percussion, Synthesizer [ARP]
Matias Pizarro – Piano, Electric Piano, Clavinet, Maracas, Castanets, Synthesizer [Moog]
Pocho Lapouble – Drums, Percussion, Synthesizer [Mini Moog], Tambourine, Castanets, Maracas
Alejandra Martín – Vocals
José Maria – Bongos
Nene Gimenez – Congas. #Contemporary_Jazz #Fusion #Experimental
THE ELECTRIC PRUNES (US) - UNDERGROUND (1967). История The Electric Prunes — одна из самых горьких глав психо-делии 1960-х. Группа, в значительной степени сформированная продюсером Дэйвом Хассингером на их дебютном альбоме, пы-ается вернуть себе свой голос на втором альбоме. И хотя эта борьба недолга — название группы вскоре стало де-факто собст-енностью лейбла — «Underground» остается альбомом, на котором Prunes звучат больше как группа, чем как продюсерский проект.
Если дебютный альбом был сборником потенциальных синглов, то «Underground» задает другой тон с первых же минут. Открывающий трек, «The Great Banana Hoax», с названием столь же абсурдным, сколь и характерным для той эпохи, знакомит слу-шателя с более текучим, менее очевидным миром, основанным на трансе и коллективной работе группы. Здесь нет спешки к хиту. Вместо этого ...атмосфера. И действительно — на этом альбоме больше "кислоты». Психоделия больше не просто аксессуар, а краеугольный камень повествования. В то же время, The Electric Prunes не отказались от своих гаражных корней. Мы по-прежнему можем услышать шероховатость, искаженные гитары и куакую-то определенную необработанность, которая отличает их от более «ярких» представителей той эпохи.
И нет ,это это не «цветочная сила». Это скорее более мрачный, более дерзкий аналог. Самое большое изменение происходит в структуре альбома. Underground не предлагает гарантированного хита вроде «I Had Too Much to Dream (Last Night)», а вместо этого предлагает нечто гораздо более сложное: целостность.
Это альбом, который работает как единое целое. Песни плавно перетекают одна в другую, развивая схожие идеи и создавая единое настроение. Даже более светлые или «странные» моменты — такие как «Dr. Do-Good» или «Capt. Glory» — больше не звучат как нечто чужеродное, а скорее как часть большой головоломки.
И это огромный шаг вперед по сравнению с их дебютным альбо-мом, который временами казался сборником слабо связанных попыток выпустить сингл. Одна из самых отличительных черт альбома — это продюсирование. В отличие от многих записей той эпохи, вокал здесь не выдвинут на первый план. Напротив, он часто растворяется в реверберации, сливаясь с инструментами, словно это просто ещё один слой звука. Этот приём и усиливает психоделический эффект: слушатель не столько «слушает песни», сколько погружается в звук. Именно в такие моменты альбом раскрывает свой полный потенциал. «Antique Doll» звучит как медленное погружение в плохой трип — с низким вокалом и размытой структурой, которая скорее блуждает, чем разворачи-вается. Между тем, «Hideaway» и «Long Day's Flight» — это взрывы гаражной энергии, в которых слитая гитара достигает почти фи-зической интенсивности. Именно здесь проявляется главная сила группы — в балансе между контролем и дезинтеграцией.
Парадокс Underground заключается в том, что большая творческая свобода ведёт не к хаосу, а к концентрации. Большая часть мате-риала была написана самими музыкантами, что отражается в стилистической целостности и более четком ощущении формы.
Однако где-то под поверхностью ощущается явное напряжение. Это не стабильный альбом, а запись момента, когда группа нена-долго возвращает контроль над своей музыкой, прежде чем окон-чательно его потерять.
И в этом смысле в Underground есть что-то незавершенное — не в плане качества, а в плане потенциала. Слышно, что это только на-чало пути, который мог бы привести их гораздо дальше.
Естественно, что сравнения с 13th Floor Elevators не случайны — есть схожее стремление разрушить рок-форму изнутри, экспе-риментировать со звуковыми текстурами и относиться к студии как к инструменту. Но The Electric Prunes остаются более мело-дичными, более приземленными в песне. И именно это напряжение — между формой и её разрушением — делает Underground таким захватывающим.Это не тот альбом, который сразу же поражает. В нём нет простых мелодий или незамысловатых точек опоры. Вместо этого он рабо-тает медленно, задерживается в голове и наращивает свою силу за счет настроения и последовательности.
Djivan Gasparyan
- Moon Shines at Night .-1993. - Дживан Гаспарян – живая легенда мировой музыкальной сцены, человек, которому удалось в печальном и страстном звучании дудука выразить подлинную душу армянского народа. Благодаря этому феноменальному виртуозу весь мир узнал о фольклоре и традициях Армении. Джон Парелес из New York Times называет концерты Гаспаряна «захватывающими, грустными, ностальгическими и благоговейными драмами». Дядя Дживан, как ласково называют его на родине, без сомнения, один из самых эмоциональных и искренних музыкантов мира.
Дживан Гаспарян родился в 1928 году в небольшой деревушке Солаг рядом с Ереваном. Когда ему было 6 лет, он впервые взял в руки дудук и самостоятельно начал учиться музыке, слушая игру старых мастеров. Профессиональная карьера Дживана Гаспаряна началась в 1947 году с выступления на сцене Большого театра в составе самодеятельного ансамбля на смотре искусств союзных республик. В зале присутствовал Сталин, и после концерта он захотел познакомиться с юным музыкантом. Дживан был напуган, но восхищенный Иосиф Виссарионович всего лишь хотел преподнести ему подарок – золотые часы «Победа». Через год Гаспарян уже выступал вместе с Ансамблем национальной песни и пляски Татула Алтуняна и Ереванским филармоническим оркестром.
Дживан Гаспарян 4 раза становился золотым призером всемирно известного музыкального конкурса, организованного ЮНЕСКО (в 1959, 1962, 1973, 1980 годах). В 1988 году игру «хранителя музыкального наследия Армении» случайно услышал английский музыкант Брайан Ино. Он пригласил Дживана Гаспаряна в Лондон, где был записан его первый альбом I Will Not Be Sad In This World, состоящий из древних армянских баллад. «Без сомнения – это одна из самых красивых и одухотворенных записей, которые я когда-либо слышал», – вспоминал впоследствии Ино. Этот диск, посвященный жертвам землетрясения в Армении, принес Дживану Гаспаряну международное признание, его слава вырвалась далеко за пределы родной страны.
С этого момента Дживан Гаспарян гастролирует по всему миру, записывает новые альбомы (The Soul of Armenia, Heavenly Duduk, Apricots from Eden, Tribute), выступает с Лайонеллом Ричи и Питером Гэбриэлом, Борисом Гребенщиковым и Брайаном Мэем, Майклом Бруком и Дереком Шериньяном. В начале 1990-х Дживан Гаспарян покидает Армению и некоторое время живет в США. А вернувшись, становится профессором Ереванской консерватории и начинает заниматься преподавательской деятельностью (он выпустил около 70 исполнителей игры на дудуке).
Популярность Дживану Гаспаряну приносят и саундтреки к голливудским фильмам – «Сириана», «Онегин», «Ворон», «Доктор Живаго», «Последнее искушение Христа». Ханс Циммер, автор музыки к знаменитому «Гладиатору», признавался, что всегда хотел сочинять для Дживана Гаспаряна: «Я думаю, что он один из самых поразительных музыкантов в мире, он создает единственное в своем роде уникальное звучание, которое сразу же западает в память». В 2001 году за армянскую балладу «Сиреци, ярес таран», легшую в основу главной музыкальной темы этого фильма, Дживан Гаспарян получил премию «Золотой глобус».
Вклад «короля дудука» в популяризацию народной армянской музыки не имеет аналогов. Теперь чарующее, неземное звучание древнего музыкального инструмента вплетается и в симфонические опусы, и в прихотливые джазовые импровизации, и в громовые раскаты тяжелого рока.
Слушать волшебный дудук Дживана Гаспаряна – это означает сопереживать, любить, грустить. Звук его дудука — скромной флейты, вырезанной из абрикосового дерева, — настраивает на медитативный лад и воплощает меланхолию, древнюю, как мир.
Проживал в США и Армении. «У меня есть дом в Америке, есть дом в Ереване, я живу понемногу и там и тут», - говорил он.В конце августа 2017 года ушла из жизни его супруга – балерина Астхик Заргарян, они прожили вместе больше полувека.
Bruford- One Of A Kind-1979. - One Of A Kind — второй сольный альбом барабанщика Билла Бруфорда и первый полноценный альбом его группы Bruford. Выпущенный в 1979 году на лейбле EG Records, он представляет собой сборник инструментальных композиций в стиле, который можно условно определить как джаз-рок. В состав Bruford входят гитарист Аллан Холдсворт, басист Джефф Берлин и клавишник Дэйв Стюарт. Композиции «Forever Until Sunday» и «The Sahara of Snow» изначально исполнялись на концертах 1978 года предыдущей группой Бруфорда и Холдсворта U.K.
Они предназначались для студийного альбома, но U.K. так и не записали их должным образом, поскольку Бруфорд оставил эти композиции себе, когда они с Холдсвортом покинули группу. Эдди Джобсон, участник группы U.K., стал соавтором песни «The Sahara of Snow» и исполнил свою скрипичную партию в «Forever Until Sunday». В композиции «Hell's Bells» Стюарта использован фрагмент, написанный его бывшим коллегой по группе National Health Аланом Гоуэном (аккордовая последовательность из трёх аккордов, лежащая в основе гитарного соло). «The Abingdon Chasp» — единственная вещь, которую Холдсворт написал для Bruford.
Состав:
Allan Holdsworth – electric guitar, acoustic guitar (midsection of "The Abingdon Chasp")
Dave Stewart – keyboards, synthesizers, electronics
Jeff Berlin – bass guitar
Bill Bruford – drums & percussions, voice of the Mock Turtle (intro to "Fainting in Coils")
With:
- Sam Alder - voice of "Narrator" (5)
- Anthea Norman-Taylor - voice of "Alice" (5)
- Eddie Jobson - violin (8) - originally uncredited #progressive_rock #Jazzrock
Bubu - El Último Cortejo, 2026. - Bubu — аргентинская прогрессив-группа со смешным названием, чья история сама по себе почти невероятна. Группа появилась в Буэнос-Айресе в 1976 году, выпустила культовый альбом Anabelas в 1978-м и вскоре распалась в основном из за сложной логистики, связанной с большим составом группы. Основатель, композитор и басист Даниэль Андреоли, однако продолжал писать музыку. Спустя десятилетия Bubu вернулись с El Eco del Sol (2018), а El Último Cortejo задуман как третья и последняя часть этой истории. Новый альбом *El último cortejo*. Название отсылает к их дебютному альбому 1970-х годов, который открывался треком "El cortejo de un día amarillo."
Этот новый релиз объединяет в себе музыку, над которой Даниэль Андреоли работал десятилетиями. В его композициях городское звучание Буэнос-Айреса, явно вдохновленное танго Астора Пьяццоллы, сочетается с народной музыкой северных регионов Аргентины — стилем, который композитор перенял во время своего пребывания в Жужуе в юности.
*El último cortejo* — кульминация полувекового пути: исторические партитуры, спасенные и исполненные новым неопрогрессивным авангардом. Это концептуальное произведение, в котором городской маяк Буэнос-Айреса и мистицизм коренных народов сливаются в ритуале огня, света и памяти.
В отличие от состава 1970-х годов, в нынешней версии нет скрипки, а ее тональные вариации переданы клавишным и синтезаторам. Тем не менее основная идея Андреоли остается неизменной: выразить аргентинские музыкальные корни через сложность прогрессивного рока. Musicians
- Augustin Ogura / guitars
- Daniel Andreoli / bass
- Paula Estefanía Araujo / flute
- Dante Fisi / keyboards, synthesizers
- Pedro Augusto Camerata / sax
- Fito Lema / drums. #progressive_rock #Jazzrock #Experimental. FLAC
Michael Rother (ex Kraftwerk, Can, ) – Flammende Herzen -1977. - Альбом «Flammende Herzen» (1977) — сольный дебют Михаэля Ротера (ex-Kraftwerk, Neu!, Harmonia), ставший классикой краут-рока и эмбиент-электроники.
За ударные на пластинке отвечал легендарный Яки Либецайт (Jaki Liebezeit) из группы Can. Его гипнотический и точный моторчик-бит задал мощный импульс минималистичным мелодиям Ротера.
Альбом записан в знаменитой студии звукорежиссера и продюсера Конни Планка (Conny Plank), с которым Ротер ранее делал ключевые записи Neu! и Harmonia. Часть звуков и наложений Ротер позже дописывал дома на оборудовании, которое одолжил ему Планк.
После творческих, но коммерчески провальных экспериментов с проектом Harmonia, которые Ротер называл «катастрофой», этот полностью инструментальный сольник неожиданно стал огромным хитом в Германии. Продажи превзошли все ожидания музыканта и позволили ему впервые купить профессиональное студийное оборудование.
Музыка с альбома использовалась в качестве саундтрека к одноименному немецкому художественному фильму Flamming Hearts («Пылающие сердца»), вышедшему в 1978 году.
Пластинка объединила медитативную созерцательность периода Neu! и синтезаторные поиски Harmonia, сформировав фирменный, узнаваемый «поющий» гитарный стиль Ротера, где минимум средств выражает максимальную эмоцию #electronic #Krautrock #Experimental
Thierry Fervant - Univers (1980). Тьерри Фервант (род. Тьерри моли в Женеве)-франкоязычный композитор-редактор - продюсер из Швейцарии.
Тьерри Fervant начал строить свою карьеру композитор, редактор и продюсер диски в 1964 году, после завершения учебы на фортепиано, улучшенный сольфеджио, гармонии и contrepoint в Женеве. Он также работает пресс-атташе диск-Хауса Disques Barclay в течение 10 лет.
С 1968 года Тьерри Fervant написал более 300 музыкальных произведений для рекламных роликов, кино и институциональных фильмах (в основном в Швейцарии). Он написал более 400 песен, которые находятся на дисках различных артистов в Швейцарии и за рубежом, а также более ста музыкальных зарисовок для сериалов и полнометражных фильмов международного уровня. Он создал и возглавил (с 1979 по 2012) пост-продакшн общество в Женеве для телевидения и кино: Le studio Maunoir и Maunoir Images.
В 1975 году Тьерри Fervant становится членом руководящего Совета Сосьете Свисс залить Ле ДЕЗ прав кинорежиссеров д'œuvres музыкальных вечеров (SUISA), где с 1991 по 2007 года он является вице-президентом, членом правления FCMA (Фонд Шансон эт Musiques Actuelles), с 2004 по 2011 год. Наконец, он избран президентом Фонда SUISA для музыки на 2005 год.
Состав:
Thierry Fervant - piano, synthesizers, keyboards
Nils Ferber - recorders, crumhorns
Terry Nelson - mandoline
Gerard Drai - drums
Jean Thibout - violin
#electronic #Ambient #progressive_rock #Newage #Contemporary_Classical
Phish - Farmhouse (2000). - Группа Phish была образована в университете Вермонта в 1983 году гитаристами Треем Анастасио (Trey Anastasio) и Джефом Холдсуортом (Jeff Holdsworth), бас-гитаристом Майком Гордоном (Mike Gordon) и ударником Джоном Фишманом (Jon Fishman). Четыре участника выступали вместе 21 год, пока не распались в августе 2004 года на 5 лет.
В музыке Phish объединились элементы целого ряда жанров – рока, джаза, прогрессивного рока, психоделического рока, хард-рока, фанка, фолка, блюграсса, регги, кантри, блюза, авангарда и классической музыки. Каждый их концерт по своему уникален – и речь идет не просто о наборе выбранных для концерта песен или порядке их исполнения; каждый раз музыканты умудряются привносить в, казалось бы, старые песни, что-то новое.
Можно их назвать, гости из прошлого, группа, появившаяся не во время или как то еще в том же духе. Парни не стали играть музыку, присущую поколению 80-90, они были заражены джемами Хендрикса и концертными чудесами Grateful Dead, в их несомненно гениальных руках блюзовый андегреунд 60-х окрасился гениальными идеями арт рока 70-х. Музыканты добавили к получившемуся синтезу нестандартный подход к выступлениям. Одна и та же песня на разных концертах у них звучала всегда по - разному. Трей и сотоварищи джемовалина полную катушку на протяжении всей своей фишевской и не только (у Анастасио масса сольных проектов) жизни. Качество музыки, нестандартный подход к исполнению и активная концертная деятельность привела к группе огромнейшую армию фанатов, который не расстаются с любимыми исполнителями и буквально всю жизнь проводят в концертных турах Phish.
«Farmhouse» - восьмой официальный студийный альбом американской группы .
Сингл "Heavy Things" стал для Phish крупнейшим хитом в ХХ веке, и вошёл в топ хит-парада Adult Top 40 Billboard, включающий 40 самых популярных песен в стиле поп, основанный на данных о ротации песен на радио и в Radio & Records pop 100 chart.
Песня "First Tube" был номинирован на Грэмми за лучший рок - инструментального исполнения.
Альбом «Farmhouse» получил золото RIAA 30 января 2006 года.
Это несколько необычный альбом для Phish , если предыдущие обладали офигенной атмосферой импровизациии, и были очень джазовым и латинским, а сама группа на них переносиа свой живой звук в студию, то «Farmhouse» - это просто поп-роковое совершенство. Импровизация сведена к минимуму, все песни отработаны и продуманы, а красота мелодий просто поражает. Плюс, текстовик Тед Маршалл сделал неплохую работу. Заглавная песня - просто шедевр, настолько красива, что можно слушать её сутками. И, конечно, есть ещё цепляющая "Heavy Things" и мощнейшая "First Tube", и ещё девять прекрасных песен ( да ещё два Japan bonus tracks).
***
Trey Anastasio - guitars, vocals
Page McConnell - keyboards, vocals
Mike Gordon - bass guitar, vocals
Jon Fishman - drums, vocals. #Psychedelic_Rock #progressive_rock
Уле Булль (1810-1880).
Норвежский скрипач, композитор, собиратель народных песен и общественный деятель. В истории норвежской музыки лишь немногие имена окружены таким романтическим ореолом, как имя Уле Булля. Блестящий артист стоит в одном ряду с великими виртуозами Листом и Паганини. Его часто сравнивали с ними, вспоминая о поразительной славе, которой он пользовался как скрипач мирового класса. Первые навыки игры на скрипке Булль приобрел в городской Королевской музыкальной школе, где обучалось всего двенадцать детей. Уже в шесть лет Уве принимал участие в домашнем музицировании, играя в квартетах. По существу, после Королевской школы Уле ни у кого из педагогов-скрипачей почти не занимался. Он сам научился играть на скрипке, подбирая народные мелодии, услышанные от бродячих музыкантов. Несколько уроков у датчанина Паульсена, затем у шведа Линдхольма — вот и все, что он мог получить в юные годы.
Когда король Дании Фредерик VI спросил Уле Булля, у кого он учился играть, Уле Булль дал характерный для него ответ: «Я учился у гор Норвегии».
В 1838 году Уле Булль предстал перед русской публикой во всеоружии своего мастерства. Петербургские меломаны, слышавшие в то время всех выдающихся виртуозов мира, кроме Паганини, разделились: одни ставили его выше всех современников, другие, напротив, были откровенно шокированы свободной манерой игры артиста, отказывали ему в художественном вкусе. #Classica. #Ole_Bull
Chaplin Harness - Chaplin Harness II -1969. - Есть альбомы, которые выходят в нужное время, попадают в нужные руки и потом десятилетиями кормят легенду о себе. А есть Chaplin Harness II. Записанный где-то на рубеже 1969–1970 годов в скромной студии Mod Sound в Камдене, штат Нью-Джерси, этот диск пролежал в небытии сорок лет, прежде чем лейбл Gear Fab, этот благородный санитар забытых подвалов, вытащил его на свет в 2010-м. И вот теперь мы имеем дело не просто с «потерянным шедевром», а с чем-то более трогательным и, признаемся, чуть более комичным: с честной, местами прекрасной, местами слегка неуклюжей попыткой группы из Филадельфии/Нью-Джерси звучать так, будто они уже живут в 1971-м, хотя календарь упорно показывает ещё шестьдесят девятый.Состав к этому моменту уже заметно поменялся. Появилась Джери Мингори — голос тёплый, чуть дымный, женский, и это сразу меняет всю химию. Там, где на первом альбоме властвовал пронзительный, почти евангельский вокал Рэймонда Бозарта (человек, похоже, искренне страдал за всех нас), теперь рядом с ним (а иногда и вместо него) звучит женщина, которая умеет быть и чувственной, и слегка отстранённой. Получается странный, очень американский дуэт: синий воротничок и девушка, которая, кажется, читала слишком много Кастанеды.Центральный номер — двенадцатиминутный «Jack». Здесь группа позволяет себе то, чего обычно стыдятся региональные коллективы: просто играть. Долго, свободно, с органными пассажами, с гитарами, которые то спорят, то обнимаются. Это не «эпик» в смысле Yes или King Crimson. Это скорее долгий, слегка подшофевший разговор в баре, который вдруг оказался интереснее, чем все ожидали. Ирония в том, что именно такие вещи чаще всего и остаются в ящиках студий: слишком длинные для радио, слишком странные для местного клуба, слишком честные, чтобы их кто-то купил.Всё это, разумеется, далеко от идеала. Звук местами сухой, местами слишком «местный». Аранжировки иногда спотыкаются о собственный энтузиазм. Есть ощущение, что музыканты одновременно хотели быть и крутыми блюзменами, и психоделическими исследователями, и чуть-чуть фанкистами — и в итоге получился очень симпатичный гибрид, который так и не выбрал себе окончательную форму. Но именно в этой нерешительности и кроется обаяние. Chaplin Harness II — это не шедевр, который «должен был изменить историю». Это альбом, который просто был. Честный, чуть растрёпанный, с хорошими соло, с голосами, которым есть что сказать, и с тем странным провинциальным величием, которое иногда оказывается трогательнее всех столичных манифестов.Слушать его в 2026-м — почти акт археологии. Но археологии приятной. Потому что под слоем пыли и забытости здесь всё ещё бьётся живой, слегка растрёпанный организм конца шестидесятых: наивный, голодный, немного растерянный и до сих пор не до конца уверенный, что магия действительно повсюду. А она, как выясняется, иногда и правда бывает. Даже если приходится ждать её сорок лет...
Читать полностью…
The Serpents – You Have Just Been Poisoned By 1999. - Взяв за основу космический рок Brainticket и Amon Düül II и лоу-файный эйсид-фолк The Incredible String Band , эта группа выдает несколько действительно ядовитых грувов со временем для многосекционных неоязыческих историй и малоизвестного электроакустического клана , достойного потерянного номера Can EFS . Но все это просто трейнспоттинг. То, что собрали The Serpents , уникально. В то время как большинство современных психоделов выбрали безопасность транса или преднамеренную неизвестность пост-рока, у нас возникает ощущение, что кто-то здесь полностью свихнулся на псилоцибине.
С другой стороны, иногда женский утробный голос становится слишком земным для этого рецензента, но кого это волнует, когда все качается на стольких уровнях. Группа не полностью избавилась от опасностей соло-гитары, но, к счастью, нет клона Стива Хиллиджа . Это скорее мутировавший слайд, произошедший от Good Captain's Magic Band . С народной стороны, есть полукивок радужной шапки в сторону одетых в ночь Current 93 , и конкретная музыка смешивает и объединяет найденные звуковые связи между связными песнями, удерживая аудиторию там на протяжении всего путешествия. #electronic #Psychedelic_Rock #Experimental FLAC
Jens Fischer – Mad Material_1989. - Mad Material — первый студийный сольный альбом немецкого музыканта Йенса Фишера, выпущенный в мае 1989 года на лейбле Erdenklang в Германии.Йенс Фишер / Фиша (Jens Fischer) — немецкий гитарист, композитор и продюсер; родился в 1953 году в Госларе, живет и работает в Гамбурге. Выступал и записывался с такими исполнителями, как Georgie Red, Eberhard Schoener, Falco и многими другими.
Йенс Фишер был участником таких групп, как Cyklus, Der Bund, Dynamit Fischer, Eberhard Schoener System, Marlboro Project, Real Ax Band, Tri Atma. #electronic #Experimental. #progressive_rock #Fusion
Miroslav Vitouš — Infinite Search (1969)
Иногда достаточно посмотреть на состав альбома, чтобы понять: перед нами что-то интересное. Здесь играют Miroslav Vitouš — контрабас, John McLaughlin — гитара, Herbie Hancock — фортепиано, Joe Henderson — тенор-саксофон и Jack DeJohnette — барабаны. И всё же главным именем этой записи остаётся музыкант, которого сегодня знают гораздо меньше, чем большинства его партнёров.
Мирослав Витуш родился в Чехословакии и начал профессионально заниматься музыкой ещё в юности. В шестидесятые он перебрался в США, где очень быстро оказался среди музыкантов, определявших новое направление джаза. Он играл с Роем Хейнсом, Фредди Хаббардом, Артом Фармером, а позже стал одним из основателей Weather Report. Но Infinite Search появился ещё до всего этого — в 1969 году, когда джаз стремительно переставал быть жанром с чёткими границами.
И название здесь кажется почти программным: Infinite Search — «Бесконечный поиск».
Витуш действительно находится в постоянном поиске. Его контрабас здесь не просто держит фундамент ансамбля: он становится самостоятельным голосом, который может двигаться совершенно свободно. Рядом с ним Джо Хендерсон — уже знакомый нам по другим публикациям — звучит одновременно резко и задумчиво, Джон Маклафлин начинает исследовать тот язык электрогитары, который через несколько лет приведёт его к Mahavishnu Orchestra, а Херби Хэнкок и Джек ДеДжонетт помогают всей конструкции оставаться подвижной.
Особенно интересно слушать эту запись именно из сегодняшнего дня. Мы уже знаем, куда каждый из этих музыкантов пойдёт дальше. Знаем про fusion, Weather Report, Mahavishnu Orchestra и огромное количество экспериментов семидесятых. Но в Infinite Search всего этого будущего ещё нет — оно только начинает проступать.
Поэтому альбом ощущается как фотография момента перед большим изменением.
Здесь ещё слышен пост-боп, но композиции уже становятся свободнее. Есть джазовая импровизация, но музыка постепенно начинает думать не только категориями акустического ансамбля. Электрогитара Маклафлина появляется не как украшение, а как сигнал того, что совсем скоро привычный джазовый язык изменится.
Начать я бы советовал с «Freedom Jazz Dance», а затем перейти к «Infinite Search» и «Mountain in the Clouds». Но лучше всего дать пластинке прозвучать целиком: она особенно хорошо работает именно как путешествие, в котором направление постоянно меняется.
И мне нравится, что сегодня главным героем оказывается не Хэнкок, не Хендерсон, не Маклафлин и даже не ДеДжонетт. Они уже получили в истории джаза достаточно внимания.
Сегодня очередь Мирослава Витуша.
Контрабасиста, который оказался в самом центре музыкального перелома и всю карьеру продолжал искать следующий звук.
Возможно, именно поэтому название Infinite Search оказалось настолько точным. Band:
• Miroslav Vitouš – bass, leader
• Joe Henderson – tenor saxophone
• John McLaughlin – electric guitar
• Herbie Hancock – electric piano
• Jack DeJohnette – drums (01-05)
• Joe Chambers – drums (06). #Contemporary_Jazz #Fusion. FLAC
Charles Lloyd - Sangam & Friends-2026. - Глубоко трогательная посмертная дань уважения мастеру табла Закиру Хусейну, построенная на ранее незаконченных студийных записях, сделанных в Мумбаи в феврале 2009 года, выпущенная 24 июля 2026 года на Blue Note.
К Чарльзу Ллойду и Эрику Харланду присоединились певец Carnatic Виджай Пракаш, мастер бансури Ракеш Чаурасия, виртуоз саранги Сабир Хан, ситарист Ниладри Кумар и клавишник Ранджит Барот.
Продюсер Дороти Дарр, "необычайный документ глубокой музыкальной близости между двумя самыми дальновидными музыкальными исполнителями" (Blue Note Records).
Описание
Sangam Friends - это глубокая дань уважения Чарльза Ллойда его дорогому другу и давнему соратнику Закиру Хусейну, мастеру табла и одному из самых знаменитых музыкантов в мире, который скончался в декабре 2024 года. Альбом построен на студийных записях, сделанных в Мумбаи в феврале 2009 года, после исторического концерта в честь легендарного отца Хуссейна, Аллы Ракхи, и которые должны были стать полноценным альбомом, но остались незавершенными. уже более пятнадцати лет. Продюсер Дороти Дарр, которая присутствовала в Мумбаи и руководила записью Lloyd's Blue Note, собрала материал в удивительно связное целое, что является свидетельством спонтанного творческого взаимопонимания, которое существовало между этими музыкантами с того момента, как они впервые сыграли вместе.
Основное трио Ллойд на саксофоне и флейте, Хусейн на табле и барабанщик Эрик Харланд, три музыканта, записавшие знаменитый альбом ECM Sangam в 2006 году, дополнены здесь выдающимся составом индийских музыкантов: певец Карнатик Виджай Пракаш, мастер бансури Ракеш Чаурасия, виртуоз саранги Сабир Хан, ситарист Ниладри Кумар и клавишник Ранджит Барот. Как пишет Дарр в примечаниях к альбому: «Первое знакомство с Индией было насыщенным и великолепным. Мумбаи — это масса человечества, с многослойностью звука, великолепными цветами и экзотическими вкусами». Никто из индийских музыкантов не чувствует себя гостями, приглашенными ради экзотического колорита; они полноправные участники глубоко слушающего ансамбля редкой взаимной внимательности.
Альбом движется от краткого медитативного открытия Clear the Dust через экспансивный The Blessing и энергичный Jai Ganga, взятый из архивов Sangam, к Tagore, концертной записи из Санта-Барбары в 2014 году, и стремительному, ударному Bharati's Dance, Tempo Divine. Завершающий «Сэм на Ганге» подводит путешествие к глубокому завершению. Выпущенный на Blue Note 24 июля 2026 года, Sangam Friends — один из самых трогательных джазовых альбомов года и важная глава в долгой и необычной истории Чарльза Ллойда. Personnel
Charles Lloyd – tenor saxophone, flute
Zakir Hussain – tabla
Eric Harland – drums
Vijay Prakash – vocals
Rakesh Chaurasia – bansuri
Sabir Khan – sarangi
Niladri Kumar – sitar
Ranjit Barot – keyboards #World_Fusion #Contemporary_Jazz FLAC
The Caretaker – Take Care. It's A Desert Out There... (2017)
Это один из самых пронзительных и личных релизов проекта The Caretaker (Лейланд Джеймс Кирби), выпущенный 8 декабря 2017 года на собственном лейбле History Always Favours the Winners.
Альбом состоит из одного непрерывного трека длительностью ровно 48 минут что конечно не случайность, а сознательная отсылка к возрасту Марка Фишера на момент смерти.
Работа была создана специально в память о Марке Фишере, выдающемся культурном теоретике, критике и друге Кирби, который погиб 13 января 2017 года. Фишер много лет писал о музыке The Caretaker, посвящал ей тексты, использовал её в своих лекциях и книгах.
Один из самых тихих, самых грустных и самых важных релизов The Caretaker. #Ambient #Experimental
«Underground» — один из тех альбомов, которые не кричат о себе, но со временем он ока-зывается более долговечным, чем многие из более впечатляющих релизов 1967 года.
Это откровенная психоделия: менее доступная, менее очевидная, но также более честная и целенаправленная. Альбом, где гаражн-ый рок и эйсид-брейкдаун наконец-то находят общий язык.
Да, не всё здесь идеально. Но когда всё работает, то это работает. И работает именно так, как должно.
Группа всегда была связана с Дэйвом Хассингером, который отк-рыл, подписал контракт и руководил Electric Prunes как группой, владея правами на название группы и занимаясь звукорежиссурой всех их записей, начиная со второго сингла и первого хита до их распада в начале 1970-х. Они даже выпустили альбомы под назван-ием группы без их согласия; они даже сформировали другую груп-пу без первоначальных участников, используя название Electric Prunes, что, таким образом, можно было бы считать «группой из пробирки». Именно Хассингер представляет группу на задней обложке предс-тавленного альбома.
line-up:
James Lowe (vocals, guitar, 1965-68, 1999-2025), Ken Williams (lead guitar, 1965-68, 1999-2003, 2006), Mark Tulin (bass, keyboards, 1965-68, 1999-2011), Mike Weakley (drums, 1965-66, 1967, 2001), Preston Ritter (drums, 1966-67), James "Weasel" Spagnola (rhythm guitar, 1966-67), Joe Dooley (drums, 1968, 2001-05), Mike Gannon (rhythm guitar, 1967-68), Kenny Loggins (guitar, 1968), Jeromy Stuart (keyboards, 1968), John Herron (organ, 1968-70), Brett Wade (bass, flute, vocals, 1968-70), Mark Kincaid (guitar, vocals, 1968-70), Dick Whetstone (vocals, guitar, 1968-70), Ron Morgan (organ, 1969-70), Cameron Lowe [aka Jesus Mind Glaze] (keyboards, 2001-03), Mark Moulin (guitar, 2001-03), Steve Kara (guitar, 2003-present), Jay Dean (guitar, vocals, 2004-present), Walter Garces (drums, 2006-present), Rocco (bass, vocals, 2013-present) #Psychedelic_Rock
«Он сказал мне, что сначала надо быть человеком, а уже потом выбирать профессию. Он всегда говорил, что если что-то делаешь, надо делать на сто процентов профессионально: дружба, игра, не имеет значение, чем ты занимаешься», - говорит Гаспарян-младший.
Скончался 6 июля 2021 года на 93-м году жизни.
Церемония прощания с музыкантом Дживаном Гаспаряном прошла в соборе святого Леона в Лос-Анджелесе.
24 июля с 11:00 по 14:00 в Армянской филармонии имени Арама Хачатуряна прошла панихида. Музыкант был похоронен в тот же день в пантеоне имени Комитаса в Ереване. Такова была воля музыканта: вернуться на родину , которую он когда-то покинул, чтобы прославить свой народ на весь мир. #World_Fusion #Ethno
Spontaneous Rex - Cataclysm (2026). Если вам нравится турбулентность Get Up with It Майлза Дэвиса и работы Сонни Шаррока 70-х, а также элегантные, сложные мелодии Mahavishnu Orchestra, Return to Forever и сольных альбомов Чика Кориа, вам стоит обратить внимание на Spontaneous Rex».
Spontaneous Rex — экспериментальная джаз- и авант-рок-группа из Сиэтла. Группа исполняет как собственные композиции, так и каверы, которые варьируются от современного джаза до фьюжн; от электронной музыки до прогрессивного рока; от спонтанных композиций до свободной импровизации, создавая свой собственный узнаваемый стиль. Musicians:
Jake Sele – Piano, Organ, Keyboards
Matt Williams – Guitar, Sitar Guitar
Tim Carey – Bass
Kyle Doran – Drums, Percussion. #Jazzrock #Fusion #progressive_rock #Experimental
#Joss_Jaffe - Aum Akua - 2022
В гавайской мифологии Аумакуа - личный или семейный бог, возникший как обожествленный предок и принимающий физические формы. Аумакуа может проявляться в виде акулы, совы, птицы, осьминога или неодушевленных предметов, таких как растения или камни. Гавайцы верили, что умершие члены семьи превратятся в аумакуа и будут присматривать за своими потомками с любовью и заботой о них. #World_Fusion
Anton Ryazanov Project — Аскеза (2026). - Альбом "Аскеза" это попытка нащупать нерв своей жизни. В темноте ночи, в темноте подсознания, где чёрное пространство не есть зло, но есть территория искренности. Как "Зона" у братьев Стругацких. Что же там? Крик, рыдание, медитация, нежное молчание, усталость. До каких простых мыслей очистятся прожитые годы, если окатить их нуарным туманом? И что ждёт нас дальше в этой темноте где невозможно притворство? Долгий прекрасный путь. Музыка создана постоянным концертным и студийным составом проекта: Антон Рязанов — саксофон (лидер проекта)Александра Рекель — скрипкаАлександр Шпади — виолончельДенис Исаков — клавишиАнгелина Гридина — бас-гитараАлексей Кожемякин — барабаны #Contemporary_Jazz #Fusion #Dark_Jazz #Experimental
Читать полностью…
4 сентября 1966 года в Новосибирске родилась Яна Станиславовна Дягилева.
Всего через 24 года, 30 лет назад, она отправилась Домой.
В простыне на ветру по росе поутру...
...
Собирайся, народ, на бессмысленный сход,
На всемирный совет — как обставить нам наш бред?
Крепкий настой — плачьте, родные
Угол, свеча, стол, образа
Под руки в степь
Стаи летят
Может, простят...
Сцепились, хохоча, колечки бед .
...
Сто лет прожили мы - готов обед
Из мыльных пузырей сырого дня,
Из косточек разгаданных стихов,
Из памяти с подошвы сапогов,
Просоленный кристаллами огня.
Столетний дождь...
По тихой полосе бредут слова
И рушится измятая листва.
Исполнен предпоследний приговор. #Русский_Рок. https://youtu.be/Y30d_f3QNYc
Kevin Kastning / Carl Clements - Partitas, Book 1-2024. - 
«Партита - форма музыкального произведения … разновидность сюиты или концертная сюита — циклическая форма, состоящая из пяти и более частей» - такое определение дает Википедия. Именно партиту выбрали, как основную форму для своих импровизационных сочинений, Кевин Кастнинг и Карл Клементс. Более того, в названии альбома ими сделано многозначительное добавление: «Книга 1». Это значит, что впереди нас ждут новые партиты от дуэта этих двух интереснейших американских музыкантов.
На нашем сайте хранятся обзоры многих работ Кевина Кастнинга 2021 – 2024 годов, есть среди них и совместные работы с Карлом Клементсом: в формате трио с венгерским гитаристом Шандором Сабо (Convergence II, 2022) и в формате дуэта (Strand in Strands, 2022), а вообще эти музыканты давно и хорошо знают друг друга, достаточно сказать, что Partitas, Book 1 – это уже седьмой их совместный альбом. К двум сессиям, прошедшим прошлой зимой, Кевин и Карл подошли во всеоружии с точки зрения богатого инструментария. Не только прекрасный гитарист, учившийся в свое время частным образом у Пэта Мэтини, но и создатель целого семейства многострунных гитар, Кастнинг использовал в них пять различных инструментов из своего уникального арсенала. Клементс вооружился тремя наиболее распространенными саксофонами – от сопрано до тенора. Программу альбома из семи треков составили пятичастная Partita No. 1 и двухчастная Partita No. 2. В каждом треке дуэт использует различные комбинации гитар и саксофонов. Скажем, Partita No. 1 открывается диалогом тенор-саксофона и двойной контргитары (28 струн), потом сопрано-саксофон выступает в паре с субконтргитарой (17 струн), следующая часть – опять тенор-сакс, но уже с контргитарой (18 струн), альт-саксофон выступает дуэтом с контральтовой гитарой (30 струн) и в последнем треке этой Партиты сопрано-саксофон звучит вместе с двойной субконтргитарой (24 струны). Не понял, правда, почему авторы решили перемешать при расстановке в программе треки обоих партит, но, видимо, у них были свои резоны. Впрочем, это не мешает наслаждаться музыкой дуэта, а фанатам гитарного саунда смаковать различия в звучании разных гитар.
Взяв за основу форму партит в новом проекте, музыканты очевидно приблизили свою музыку к академической традиции, но не думаю, что в каждой из частей Кевин и Карл договаривались о чем-то большем, чем об общих принципах построения своих композиций. Мне кажется, в остальном здесь царит все же импровизационное начало. Впрочем, импровизаторами были в свое время и Бах, и Фрескобальди, часто применявшие партиты. Так что, соединение барочного прошлого и джазового настоящего в Partitas, Book 1 выглядит очень органичным, что и делает альбом одним из интереснейших в истории сотрудничества Кевина Кастнинга и Карла Клементса. (Леонид Аускерн). #Contemporary_Jazz #Experimental