1039
Дневная доза искусства 🖼 Говорим о картинах, скульптуре и совсем немножко — об истории. 📍По поводу рекламы 👉🏻 @StoneSpb78
Анри Руссо
"Карнавальный вечер"
1886г.Холст, масло. 106,9 × 89,3 см
Художественный музей, Филадельфия
Анри Руссо до сорока лет работал таможенником и начал писать, лишь когда вышел в отставку.
В 1886 году он впервые представил публике оригинальную работу «Карнавальный вечер» на Салоне независимых. Картина вызвала насмешки публики нарочитым построением планов и слишком тщательно выписанными деталями пейзажа. Однако, когда к ней, думая позабавить, подвели Камиля Писсарро, он пришёл в восторг от богатства тонов картины и стал расхваливать творчество Руссо. Благодаря этому Анри Руссо вскоре приобрёл популярность. Уже в «Карнавальном вечере» присутствуют будущие черты его индивидуального стиля, развитые в поздних работах: чередование планов, размещение фигур на фоне пейзажа и тщательная проработка всех элементов композиции.
Джеймс Уистлер
"Аранжировка в сером и чёрном, № 1: портрет матери"
1871г.Холст, масло. 144,3 × 162,4 см
Музей Орсе, Париж
Модель, которая должна была позировать, не пришла на назначенный сеанс, и Уистлер попросил свою мать попозировать ему.
Публика негативно отреагировала на картину в основном из-за её антивикторианской простоты, в то время как в Англии в моде были сентиментальность и яркие цвета. Критики считали, что картина — неудачный «эксперимент», но никак не искусство.
Полотно появляется в нескольких эпизодах Симпсонов.
Вокруг этой картины был построен сюжет фильма «Мистер Бин». В фильме мистер Бин, куратор Лондонской Национальной галереи, был послан в Америку, чтобы проконтролировать передачу картины «Мать художника» в художественную галерею Лос-Анджелеса за $ 50 млн (USD). В этой истории мистер Бин портит картину растворителем и незаметно заменяет её репродукцией.
Гюстав Кайботт
"Паркетчики"
1875г.Холст, масло. 102 × 146,5 см
Музей Орсе, Париж
Полагают, что Кайботт писал эту картину в своей парижской студии на улице Миромениль, дом № 77, когда работавшие там паркетчики завершали циклёвку деревянного пола. По документам, ремонт в студии был начат в конце 1874 года и завершён к маю 1875 года — это примерно соответствует времени написания картины.
Картина была представлена жюри Парижского салона 1875 года, но была им отвергнута за излишне грубый реализм. После этого Кайботт представил полотно на 2-й выставке импрессионистов в апреле 1876 года, где критики (в числе которых был Эмиль Золя) были поражены её точностью и реалистичностью. В то же время Золя осудил картину за чрезмерную фотографичность, и даже назвал её «буржуазной».
У К. Петрова-Водкина
большинство натюрмортов имеют такую особенность: в качестве предметов к традиционным цветам или фруктам он использовал какие-то вещи трудящегося человека. Так, на его известном полотне «Черемуха в стакане» изящная веточка черемухи окружена вполне житейскими мелочами — коробком спичек, письмами, журналом, посудой и другими вещами. Многие такие предметы повторялись в разных натюрмортах автора и использовались неспроста, так как художнику нравилось противопоставлять цвета, поверхности разной фактуры и изображать все объекты в сферической перспективе.
Винсент Ван Гог
"Дорога с кипарисом и звездой"
1890г. Холст, масло. 92 × 73 см
Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды
В одном из писем своему брату Тео Ван Гог упоминает, что кипарисы всегда занимали его мысли красотой контура и пропорциями, напоминающими египетский обелиск. Известно также, что он намеревался написать ночной пейзаж с деревьями со времени пребывания в Арле в 1888 году.
Существует мнение, что на создание картины повлияла христианская аллегория «Путешествие Пилигрима в Небесную Страну», на что указывает визуально выделенная дорога и кипарис. Картина — не единственная у художника, где он разрабатывает тему кипариса и, как на ряде других, он изображает дерево выходящим за верх холста. В июне 1890 года, уже находясь в Овер-сюр-Уаз, Ван Гог пишет своему приятелю Гогену, что тема картины схожа с темой «Христа на Масличной горе», написанного Гогеном в 1889 году
Мэри Кэссетт
"Чашка чая"
1880—1881г.Холст, масло. 92,4 × 65,4 см
Метрополитен-музей, Нью-Йорк
В конце XIX века, Мэри Кэссетт уехала в Париж, чтобы продолжить обучаться живописи. Она училась у Шарля Шаплена, также в то время влияние на её творчество оказала дружба с Эдгаром Дега. По его инициативе художница отправила свои работы на выставку вместе с другими импрессионистами в 1879 году и получила признание за изображение «женских» сюжетов — женщин за чаепитием и вязанием крючком.
Процесс чаепития изображён в традиционной для импрессионистов манере. Этот ритуал был изображён в серии работ, созданных в 1880 году. Для изображения теней были использованы контрастные краски. В 1881 году Кэссетт отправила картину на выставку Импрессионистов, где она получила признание критиков. Увидев картину «Чашка чая» на выставке Импрессионистов, художник Поль Гоген написал: «Мисс Кэссат обладает таким же очарованием, но в ней больше силы»
Рене Магритт
"Сын человеческий"
1964г. Холст, масло. 116 × 89 см
Частная коллекция
Магритт писал эту картину как автопортрет. Своим названием картина, как полагают, обязана образу современного мужчины — этакого бизнесмена, строго одетого, высокоэффективного, но всё равно остающегося сыном библейского Адама и подвергающегося искушению тем же яблоком.
Сам Магритт говорил о картине следующее:
"По крайней мере, она отчасти хорошо скрывает лицо, поэтому у вас есть очевидное лицо, яблоко, скрывающее видимое, но скрытое лицо человека. Это то, что происходит постоянно. Все, что мы видим, скрывает что-то другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. Существует интерес к тому, что скрыто и что видимое нам не показывает. Этот интерес может принимать форму довольно интенсивного чувства, своего рода конфликта, можно сказать, между видимым, которое скрыто, и видимым, которое представлено"
Гюстав Кайботт
"Паркетчики"
1875г.Холст, масло. 102 × 146,5 см
Музей Орсе, Париж
Полагают, что Кайботт писал эту картину в своей парижской студии на улице Миромениль, дом № 77, когда работавшие там паркетчики завершали циклёвку деревянного пола. По документам, ремонт в студии был начат в конце 1874 года и завершён к маю 1875 года — это примерно соответствует времени написания картины.
Картина была представлена жюри Парижского салона 1875 года, но была им отвергнута за излишне грубый реализм. После этого Кайботт представил полотно на 2-й выставке импрессионистов в апреле 1876 года, где критики (в числе которых был Эмиль Золя) были поражены её точностью и реалистичностью. В то же время Золя осудил картину за чрезмерную фотографичность, и даже назвал её «буржуазной».
Казимир Малевич
"Скачет красная конница"
1928—1932 Холст, масло. 91 × 140 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина долгое время была единственной из абстрактных работ художника, признаваемая официальной историей советского искусства, чему способствовало её название и изображение событий Октябрьской революции. Малевич поставил на обратной стороне дату 18 года, хотя на самом деле она была написана позже.
Винсент Ван Гог
"Снежный пейзаж"
1888г. Холст, масло. 38,2 × 46,2 см
Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк
«Снежный пейзаж» был написан 35-летним художником, когда Ван Гог жил в Арли на юге Франции. Это было вершиной его карьеры, здесь он создал некоторые из своих лучших работ, такие как поля, фермы и люди в окрестностях Арля, Нима и Авиньона.
Это была совсем другой местностью, чем та, которую он знал в Нидерландах и Париже. У людей были тёмные волосы и кожа, они говорили на языке, который звучал скорее больше по-испански, чем по-французски. Цвета были яркими. Местность менялась от равнин до гор. Здесь Ван Гог нашёл «блеск и свет, который смывает детали и упрощает формы, сводя мир вокруг него к образцу, которым он восхищается в японских деревянных гравюрах», и где «эффект солнца улучшает контуры композиции и уменьшает нюансы цвета в несколько ярких контрастов»
Фредерик Базиль
"Гадалка"
1869г. Холст, масло. 61 × 46 см
частное собрание Менье де Салинель, Ним
Картина была написана в студии. Модель, позировавшая для картины Базилю, в 1867 году позировала для картины «Диана-охотница» (фр. Diane chasseresse) его друга и коллеги Пьера-Огюста Ренуара, а в 1868 году для картины самого художника «Молодая женщина с опущенными глазами» (фр. Jeune fille aux yeux baissés). При жизни автора картина не выставлялась. Полотно экспонировалось на выставках в Париже в 1935 году и Монпелье в 1927 и 1941 годах.
По мнению некоторых исследователей при создании полотна Базиль вдохновлялся портретной живописью коллеги Поля Сезана. Сам автор в 1870 году изобразил эту картину на другом своём полотне «Мастерская художника на улице Кондамин».
Поль Гоген
«Две сестры»
1892г. Холст, масло. 90,5 × 67,5 см
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина написана в 1892 году, во время первой поездки Гогена на Таити. В таитянском альбоме с рисунками, хранящемся в Лувре, имеются два карандашных наброска с портретами девочек, демонстрирующие явное портретное сходство с персонажами картины. Там же написаны имена этих девочек: старшую зовут Тетуа, младшую Техапаи. Существует ещё отдельный рисунок с изображением старшей девочки, Тетуа (бумага, чернила, карандаш, 16,5 × 10,7 см); этот рисунок находится в частной коллекции (8 мая 2013 года он выставлялся на торги в аукционном доме «Сотбис»). Несмотря на то, что эти рисунки были опубликованы еще в 1954 году, долгое время считалось что они самостоятельны, поскольку картина оставалась неизвестной исследователям.
В каталоге-резоне творчества Гогена под № 425 был приведён другой рисунок Гогена с изображением Тетуа, датируемый 1891 годом — «Маленькая таитянка с поднятыми руками»; рисунок этот принадлежал Уильяму Палею и ныне находится в Нью-Йорке в Музее современного искусства. Позже композиция этого рисунка была повторена в наброске «Таитянская девочка в розовом парео», хранящемся в Чикагском институте искусств.
Пьер Огюст Ренуар
"Обнажённая в солнечном свете"
ок. 1876г. Холст, масло. 81 × 65 см
Музей Орсе, Париж
Это совершенно импрессионистская картина, в которой используются преимущественно основные и дополнительные цвета и совершенно отсутствует чёрный цвет. Цветовые пятна, полученные при помощи мелких цветных мазков, дают характерный эффект слияния, когда мы несколько отдаляемся от картины. Впервые показана на Второй выставке импрессионистов в 1876 году, где получила очень резкие отзывы критиков. В частности, Альбер Вольф писал в «Le Figaro»: «Внушите господину Ренуару, что женское тело — это не нагромождение разлагающейся плоти с зелеными и фиолетовыми пятнами, которые свидетельствуют о том, что труп уже гниет полным ходом!». Использование зелёного, жёлтого, охры, розового и красного тонов для изображения кожи шокировало публику. Далеко не все оказались готовыми к восприятию того факта, что тени должны быть цветными, наполненными светом.
Василий Кандинский
"Красное пятно II"
1921г. Холст, масло. 131,00 × 181,00 см
Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен
С началом Первой мировой войны Кандинский покинул Германию и вернулся на родину в Россию через Швейцарию. Его художественная деятельность в основном застопорилась в годы войны и революции, вместо этого он стал работать в многочисленных культурно-политических комитетах и офисах; «Красное пятно II» знаменует собой начало нового этапа в его творчестве с фундаментальным изменением форм выражения. Без соприкосновения с русским конструктивизмом, с Казимиром Малевичем, Владимиром Татлиным, Любовью Поповой и другими, немыслимы точные тела и поверхности, геометрическая разбивка элементов картины и плавное нанесение краски. Бурная выразительная сила образов перед Первой мировой войной уступила место холодной, казалось бы, рациональной композиционной схеме чистых индивидуальных форм.
Тем не менее Кандинский всегда дистанцировался от конструктивизма. Отличия от произведений революционных художников можно увидеть и в такой ранней картине, как «Красное пятно II», созданной в России. Кандинский использует геометрические фигуры, такие как треугольники, круги, дуги и линии, но с мягкими границами и нерегулярными композициями. В частности, в его аддитивном сосуществовании отсутствует логико-конструктивная структура, характерная для конструктивизма.
Мотив круга стал центральным элементом Кандинского во время его работы в Баухаусе. На этом этапе он представлял для Кандинского идеальную, самую захватывающую форму для его художественных интересов: «Сегодня я люблю круг так же, как раньше любил, например, лошадь». Переход к геометрическим формам продолжает его стремление ко всё более чистым формам, не вызывающим никаких воспоминаний о отвлекающих ассоциациях: «Геометрические» или «свободные» границы, не привязанные к предмету, вызывают волнение, подобно цветам, которые менее точны и определены, чем у объекта, они более свободны, более эластичны, более абстрактны». Тот факт, что Кандинский всегда придерживался изображения «фигур» с помощью этой формы абстракции, будь то репрезентативной или абстрактной, отличает его от других художников-абстракционистов эпохи, например, в живописи чистого цветового поля.
Сальвадор Дали
"Открытие Америки усилием сна Христофора Колумба"
1958—1959г. Холст, масло. 410 × 284 см
Музей Сальвадора Дали, Сент-Питерсберг
Картина была заказана художнику американским бизнесменом и филантропом Хантингтоном Хартфордом для своей галереи в Нью-Йорке.
Полотно, являвшееся на момент создания самой большой работой Дали, превращает классический сюжет прибытия Колумба в Новый Свет в эпическое сновидение (первоначально работа выставлялась под названием «Сон Колумба»). Первооткрыватель, совсем молодой человек в простой тунике, делает первый шаг из воды на землю Нового Света. На берегу и в облаках его окружают многочисленные фигуры. Правой рукой герой устанавливает на только что открытой земле стяг с изображением Девы Марии (в ряде источников — Святой Елены, которая имеет портретное сходство с Галой. Левой рукой Христофор за трос выводит свой корабль на мелководье. Себя Дали изобразил монахом (с распятием) в правом нижнем углу картины. Название, по мнению рецензентов Музея Дали, имеет аллюзию на собственное открытие художником Америки — места, где он обрёл славу.
На переднем плане расположен панцирь гигантского морского ежа, который, по словам Дали, символизирует орбиту искусственных спутников Земли, запущенных в 1957 году СССР, а в 1958 году — США. В этом образе Дали сопоставил значимость открытия Америки с началом освоения космоса.
Дали подчёркнуто выражает свою точку зрения в давнем диспуте о национальности Колумба. Изобразив в левом нижнем углу Святого Нарцисса — покровителя Жироны, встречающего путешественника, — он однозначно идентифицировал его как каталонца.
В качестве историко-политической иллюстрации любопытна оценка этой картины критикой в СССР:
-Сальвадор Дали жалок и беспомощен, его единственное убежище — религиозная вера, она и только она спасет его <…> В духе католического верноподданичества выполнена картина „Открытие Америки Христофором Колумбом“. На берег неведомой земли вступает Христофор Колумб, держащий в руках знамя, на котором как бы невесомо присутствует живой Иисус Христос. По воздуху летят латинские кресты, в воде стоят копьеносцы с копьями-крестами в руках. Колумб держит в руках верёвку, идущую от корабля, на парусах которого изображены кроваво-красные латинские кресты. На берегу епископ с посохом благословляет свершающееся. Вся картина проникнута раболепием перед католической церковью, открывшей Америке „истинную“ веру.
В 1995 году американский художник Уильям Утермохлен узнал, что у него болезнь Альцгеймера. И он начал большой проект – серию автопортретов. Уильям хотел запечатлеть, как изменяется сознание человека при прогрессирующей деменции.
Он прекрасно знал, чем для него закончится эта болезнь. И стал рисовать отчаянно и усердно. В период с 1996 по 2000 года Утермолен создал серию автопортретов, в которых отражена, кажется, вся суть Альцгеймера. Похоже, что он пытался исцелиться посредством своего творчества, убеждая себя: «Я помню свое лицо, ты не сможешь забрать его у меня!»
Бэнкси
"Хорошо висящий любовник"
2006
Стена с граффити принадлежала клинике сексуального здоровья. Работа стала первым легальным произведением уличного искусства в Великобритании после решения городского совета Бристоля, в результате чего она попала под защиту государства, несмотря на изображённую наготу. На ней изображён голый мужчина, свисающий из окна, в то время как другой мужчина высматривает его на улице, находясь рядом с женщиной в нижнем белье.
В 2009 году фреска была испорчена из пейнтбольного пистолета, что привело к её частичной реставрации городским советом. Однако, некоторые брызги краски остались на граффити. «Хорошо висящий любовник» был испорчен во второй раз в 2018 году с помощью чёрной краски из баллончика.
Поль Сезанн
"Пьеро и Арлекин"
1888—1890г. Холст, масло. 102 × 81 см
Пушкинский музей, Москва
Пьеро (в итальянском варианте — Педролино) и Арлекин являются традиционными персонажами итальянской комедии дель арте. В качестве моделей Сезанну позировали его сын Поль со своим другом Луи Гийомом. Белая фигура Пьеро кажется изготовленной из гипса. Красно-чёрное трико Арлекина символизирует пламя на углях. Разное расположение цветных занавесей справа и слева подчёркивает поступательное движение Арлекина и более статичное положение Пьеро.
Пабло Пикассо
"Обнажённая, зелёные листья и бюст"
8 марта 1932г. Холст, масло. 162 × 130 см
Частная коллекция
Серия портретов спящей Марии-Терезы как богини секса и желания была выполнена художником втайне от жены, Ольги Хохловой, во время пребывания с подругой в Буажелу под Парижем. Самое знаменитое полотно из этой серии, «Сон», уже было практически продано за 139 млн долларов, когда (в 2006 году) владелец полотна зацепил его локтем и порвал. Сделка по продаже не состоялась.
«Обнажённая, зелёные листья и бюст» изображает спящую Марию-Терезу рядом с бюстом, который Пикассо изваял с неё же. В 1936 году полотно приобрёл нью-йоркский дилер Поль Розенберг, после чего в 1951 году оно было продано в частное владение американскому девелоперу Сидни Ф. Броуди.
После смерти Броуди картина в марте 2010 года была выставлена на торги аукционным домом Кристис и впоследствии продана неизвестному коллекционеру за 106 482 500 долларов (включая премиальные аукционистов). На тот момент она стала самым дорогим произведением искусства из числа проданных когда-либо с аукциона.
Эдвард Мунк
"Ночь в Сен-Клу"
1890г. Холст, масло. 64,5 × 54 см
Национальный музей искусства, архитектуры и дизайна, Осло
В 1889 году получил государственную стипендию и снова отправился во Францию, поселившись сначала в Париже, а затем в Сен-Клу, где снял этаж над кафе с прекрасным видом на Сену. Здесь в декабре его настигло известие о смерти отца, нанесшее ему тяжёлый удар.
Написанная в этот период «Ночь в Сен-Клу» изображает сцену в темной комнате Мунка и вид из её окна поздно ночью. У окна мы видим человека, задумавшегося, поддерживающего голову рукой, в то время как он смотрит на реку. Предполагается, что это друг художника, датский поэт Эмануэль Гольдштейн. В главном герое картины также видят то самого Эдварда, то его недавно умершего отца
Густав Климт
"Аллея к замку Каммер"
1912г. Холст, масло. 110 × 110 см
Галерея Бельведер
Наряду с «Яблоней I» или «Розовым садом» «Аллея к замку Каммер» — признанный шедевр экспрессионизма в специфическом исполнении Густава Климта. В «Аллее» впервые обнаруживается его новый подход: художник сразу наносит толстым слоем на полотно кляксы чёрного, лимонно-жёлтого и фиолетового цвета. Ветви деревьев обведены чёрным контуром, стволы выполнены в серо-голубых тонах с кричащими жёлтыми оттенками и редкими красно-фиолетовыми бликами. Тёмные кроны деревьев на уходящей вдаль к замку парковой аллее образуют узкий туннель и затягивают зрителя в глубину картины. Под стать необычно «радикальной» композиции с выраженной перспективой Густав Климт подбирает удивительную цветовую гамму со светящимися жёлтыми тонами, которые пронзительно контрастируют с энергично выписанными серо-голубыми и фиолетовыми оттенками деревьями.
Константин Коровин
"Бумажные фонари"
1896г. Холст, масло. 79,5 × 33,2 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
На картине изображена молодая женщина в чёрной юбке и ярко-красной кофте, которая зажигает разноцветные бумажные фонарики. Считается, что художник изобразил свою будущую жену Анну Яковлевну Фидлер. Яркая раскраска бумажных фонарей, в сочетании с ярким цветом кофты, на фоне тёмной зелени образует контрастные красочные сочетания — новые черты, которые не были свойственны более ранним картинам художника. Вместо тщательно продуманной гармонии оттенков в этой картине Коровин намеренно использует противопоставление контрастных ярких цветов — возможно, это изменение стиля было также связано с театральными работами художника
Картину Винсента Ван Гога «Стопки парижских романов и розы в стакане» продали на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке за 62,7 млн долларов. Об этом сообщает NL Times.
Итоговая цена на 35% превысила предварительную оценку. Покупателем стала искусствовед Пэтти Вонг. Перед аукционом специалисты музея Ван Гога в Амстердаме подтвердили подлинность произведения.
Картина была написана в Париже в конце 1887 года, когда художник жил с братом Тео и находился под влиянием французского искусства. На полотне изображены стопки книг в мягких обложках и роза в прозрачном стакане. Книги, в основном ярко-жёлтого цвета, небрежно сложены на столе, а одна из них открыта. Произведение выполнено маслом.
Пабло Пикассо
"Три музыканта"
1921г. Холст, масло. 200,7 × 222,9 см
Нью-Йоркский музей современного искусства, США
На картине изображены персонажи комедии дель арте. Слева сидит Пьеро в маске. Он играет на кларнете. В центре находится Арлекин, играющий на гитаре. Справа — поющий монах в чёрном капюшоне. Монах держит в руках ноты. Считается, что в этой работе художник отобразил своих друзей и самого себя. Арлекин — это автопортрет Пикассо. С начала XX века художник часто представлял себя в этом образе. Пьеро, играющий на кларнете, указывает на Гийома Аполлинера, умершего в 1918 году. Кларнет для Аполлинера символизирует трубку, которую тот постоянно курил. Монаха Пикассо ассоциирует с аскетом Максом Жакобом, уединившемся в монастыре незадолго до написания «Трёх музыкантов». В 1915 году Жакоб перешёл из иудаизма в католицизм, и Пикассо стал для него крёстным отцом. Однако в последние годы они отдалились друг от друга.
«Три музыканта» — последнее большое произведение в стиле синтетического кубизма.
Винсент Ван Гог
"Девушка в белом"
1890г. Холст, масло. 66,7 × 45,8 см
Национальная галерея искусства, Вашингтон
В картине для драматического эффекта Ван Гог использует «плоскость изображения». «То, как художники используют „плоскость изображения“, — показательная мера, — объясняет Харрисон, — обычно предполагаемых эффектов их работы и их расположения к зрителю». Когда женщина заполняет большую часть графического пространства, она кажется ближе к аудитории. Ван Гог ещё больше затенил её лицо, взгляд женщины «отдалённый и затуманенный». Кроме того, расположение женщины в непосредственной близости делает её эмоциональную отдалённость ещё более «острой»
Эжен Делакруа
"Сирота на кладбище"
1824г. холст, масло. 66 × 54 см
Лувр, Париж, Франция
Считается, что «Сирота на кладбище» была подготовительной работой художника к более поздней картине художника «Резня на Хиосе». Однако картину, тем не менее, рассматривают как самостоятельный шедевр Делакруа. От картины исходит атмосфера печали и страха, слёзы текут из глаз убитой горем девушки, когда она с опаской смотрит вверх. Мрак неба и опустошённая земля созвучны её тоске. Язык тела и одежда девушки показывают трагедию и уязвимость: платье, ниспадающее с плеча, рука, слабо положенная на бедро, тени над затылком, темнота слева от неё, холодный и бледный колорит одежды. Всё это подчеркивает чувство потери, недозтижимости надежды, одиночества и беспомощности.
Для Делакруа цвета были наиболее важными составляющими его картин. Из-за этого у него не хватало терпения создавать изобразительную точность классических статуй. Будучи почитателем Рубенса и венецианцев, он выбирал красочные оттенки и экзотические темы для своих картин, в результате чего работы описывались как блестящие и изобилующие движением
Клод Моне
"Завтрак в саду"
1873-1874г. Холст, масло. 160 × 201 см
Музей Орсе, Париж
Картина излучает очарование и создает атмосферу непосредственности. На полотне изображена сцена после обеда, когда еда уже съедена, но стол еще не убран. Сын художника, Жан Моне (1867-1914), сидит возле стола и играет с деревянными игрушками в тени садовой дорожки. На одном из деревьев висит шляпа, а на скамейке забыты сумка и зонтик. На заднем плане видны две дамы, проходящие мимо.
Однако настоящей темой картины, несмотря на название, является цветочное великолепие сада, которое Моне представляет через великолепное сочетание цветов, ярких контрастов между красными и зелеными оттенками и насыщенных тонов. Пятнами и небольшими штрихами изображены большие кусты фуксий, герани и роз, которые художник игриво варьирует в зависимости от солнечных пятен, освещающих сад ранним утром.
Сальвадор Дали
"Атомная Леда"
1949г. Холст, масло. 61,1 × 45,3 см
Театр-музей Дали, Фигерас
«Атомная Леда» (исп. Leda atómica) — картина Сальвадора Дали, написанная в 1949 году в то время, когда Дали проживал в Калифорнии. Дали начал работу над своим холстом в 1945 году, вскоре после атомной бомбардировки Хиросимы. Картина вместила в себя известный с XVI века иконографический сюжет, изображающий Леду, легендарную правительницу Спарты с принявшим форму лебедя Зевсом.
Слово «атомная» появилось в названии картины потому, что вдохновлённый информацией о структуре атома, частицы в котором разделены пустотой и никогда не соприкасаются, Дали изобразил на картине все предметы висящими в пустоте и не прикасающимися друг к другу.
Сцена носит эротический характер, Леда изображена обнаженной. Сальвадор Дали представил Леду в образе своей жены, Галы, изображенной на пьедестале, лебедь находится слева позади Галы. На заднем плане изображены скалы Cap Norfeu (дикий скалистый берег Коста-Брава в Каталонии (регион Испании), между землями Росас и Кадакес, что позволяет нам определить местоположение сюжета.
Карл Шпицвег
"Книжный червь"
1850г. Холст, масло. 49,5 × 26,8 см
Музей Георга Шефера, Швайнфурт
Это полотно представляет собой типичный образец бидермейера, в котором отражены интроспективные и консервативные настроения, распространённые в Европе между Наполеоновскими войнами и Революциями 1848—1849 годов. Шпицвег не просто передаёт эти настроения, но и посмеивается над ними, воплотив их в виде старого библиофила, которому нет дела до мира за пределами его библиотеки.
Карл Шпицвег нарисовал три варианта этого произведения. Первый, нарисованный около 1850 года, был продан в Вене Игнацу Куранде в 1852 году и сейчас принадлежит коллекции музея Георга Шефера в Швайнфурте. Образец тех же размеров был написан Шпицвегом годом позже и отправлен на продажу своему нью-йоркскому арт-дилеру Шаусу. Этот экземпляр попал в коллекцию произведений искусства Рене Шляйница, был завещан Публичной библиотеке Милуоки и размещен в их Центральной библиотеке (Милуоки, Висконсин). В декабре 2014 года картина была передана в постоянную аренду Музею Громана в Инженерной школе Милуоки.
Сальвадор Дали
"Механизм и рука"
1927г.
Музей Сальвадора Дали
Центральное место в этой сюрреалистической картине занимает геометрическая фигура с распухшей красной рукой, торчащей из подобия её головы. Фигура состоит из конусов и треугольников. Её окружают призрачные образы обнажённых женских фигур и торсов, наложенные на голубой, водянистый фантастический пейзаж. Картина была написана после возвращения Дали с 9-месячной военной службы, во время которой он начал экспериментировать с новыми сюжетами для своих работ. Под Механизмом в названии полотна понимается геометрическая фигура, очень схожая с человеческой. Она имеет аналоги человеческих рук, ног, глаз и головы. Треугольное существо опирается на подобие трости, служащей лейтмотивом во множестве работ Дали и символизирующей хрупкость сна.
Рука на голове фигуры служит отсылкой к онанизму, который был общей темой для его работ того периода, определяемого исследователями как фрейдистский периодом. Он приходился на время авангардистского движения, во-многом опиравшегося на труды Фрейда. Женские образы, окружающие геометрическую фигуру, отражают мысли Механизма, а именно бредовые эротические мыслительные процессы художника, занимавшие его тогда и являвшиеся преобладающей темой в его творчестве.
Слева от геометрической фигуры находится изображение осла, стоящего на задних лапах. Его поедает стая мух, атакующая его живот, что обозначает факт разложения существа. Справа изображена женщина в классической позе, контрастирующая с геометрической простотой центрального изображения.