59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Алый закат
Картина известна также под ее оригинальным названием – «Эсполио» (от испанского слова expoliación – «расхищение»). Речь идет о сцене, которая упоминается во всех четырех Евангелиях: «Воины же, когда распяли Иисуса, взяли одежды Его и разделили на четыре части, каждому воину по части, и хитон; хитон же был не сшитый, а весь тканый сверху. И так сказали друг другу: не станем раздирать его, а бросим о нем жребий, чей будет, – да сбудется реченное в Писании: разделили ризы Мои между собою и об одежде Моей бросали жребий» (Ин. 19:23 – 24; Пс. 21:19). Это очень важный момент, так как он подтверждает истинность Божественной природы Христа, ведь он был предсказан в одном из псалмов Псалтири задолго до Его пришествия.
Вопреки названию картины, сам миг снятия риз с Иисуса остался «за кадром». А вот непосредственно его одеянию отведено центральное место на холсте. Эль Греко мастерски владел искусством написания одежд, в частности, складок – они выходят у него необыкновенными, подчиненными определенному ритму и задающими тон всему полотну. Художник всегда наделяет облачения своих героев особым смыслом, подчеркивая их характер, происхождение или сверхъестественную природу.
Святых и небожителей он традиционно облекает в сияющие, словно сотканные из света, накидки, выписанные с такой искусностью, которая буквально не дает отвести от них взгляд. Так и в случае с картиной «Снятие одежд с Христа»: в пылающем зареве хитона отражается и скорая мученическая гибель Иисуса, и Его Царственная природа, и обличение в кровожадности беснующейся вокруг толпы. Шелковистость и гладкость струящихся складок резко контрастирует с остриями копий на фоне тревожно-грозового неба.
Воин, которому выпал жребий получить хитон, уже взялся за ворот, чтобы его снять. Но Христос словно не замечает происходящего, будучи погруженным в молитвы о тех, кто через несколько мгновений распнет его на кресте. Левой рукой он словно прикрывает в молитвенном жесте воина, который делает последние приготовления, трудясь над орудием казни.
@pic_history
#ЭльГреко #РелигиознаяСцена
"Снятие одежд с Христа"
1579 г.
Эль Греко
Кафедральный собор, Толедо.
Довольно часто окончание работы над картинами художника Эль Греко влекло за собой судебные тяжбы по поводу оплаты его трудов. Дело в том, что тогда в Испании существовала традиция, согласно которой стоимость полотна не оговаривалась заранее: его ценность определяли эксперты по завершении. А по причине того, что в правление Филиппа II живопись считалась уделом ремесленников, не достойной людей высшего происхождения, то и оценивалась она соответствующе.
Но Эль Греко никогда не мирился с таким положением вещей, и не столько из жадности, сколько из любви к живописному искусству, которое, по его мнению, заслуживало лучшего отношения. Поэтому он отказывался расставаться с готовыми заказами до тех пор, пока сумма, назначенная к уплате, не соответствовала его представлениям о стоимости работы. Не минула чаша сия и картину «Снятие одежд с Христа», которой некоторое время спустя было суждено стать одной из главных достопримечательностей города Толедо.
@pic_history
"Апофеоз Гомера"
1827 г.
Жан Огюст Доминик Энгр
Лувр, Париж.
@pic_history
HAVAL JOLION от 1 949 000 руб только до 30.11
HAVAL JOLION с проекционным дисплеем и мультимедиа системой 12,3. Узнайте больше!
Узнать больше
#реклама
haval.ru
О рекламодателе
"Автопортрет"
1622 г.
Антонис ван Дейк
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Автопортретов Ван Дейк написал за свою короткую жизнь очень много. Гораздо больше, к примеру, чем даже его учитель и в каком-то смысле соперник Рубенс. Пожалуй, по числу собственных авторских изображений Ван Дейк сопоставим лишь с другим великим голландским художником - Рембрандтом. Однако специалисты склонны оценивать автопортреты Ван Дейка ниже: они утверждают, что целью Рембрандта, из года в год пишущего собственное лицо (неприметное, но обретающее всё большую значительность) было самопознание, в то время как автопортреты Ван Дейка говорят скорее о нарциссическом самолюбовании.
@pic_history
"Офелия, сидящая у пруда"
1894 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
@pic_history
Портретом, выполнившим в семейной жизнь Дюрера роль этакого «превью», считают «Автопортрет с остролистом» (1493). Он написан не на дереве, как большинство портретов того времени, а на пергаменте (допускают, что в таком виде портрет было проще пересылать), только в 1840-м году изображение перенесут на холст. Дюреру здесь 22 года.
Впервые в автопортрете его задачей оказывается не познать самого себя, а показать себя другим, как бы «предъявить» свои внешность и личность миру. И для Дюрера это оказывается интересным вызовом, на который он откликается с особым художническим азартом. Дюрер изображает самого себя с вызывающей, карнавально-театральной элегантностью: его тонкая белая рубашка перетянута розовово-лиловыми шнурами, рукава верхнего платья украшены прорезами, а экстравагантная красная шляпа больше походит на цветок георгина, нежели на головной убор.
Дюрер сжимает пальцами изящную колючку, о природе и символике которой спорят. В русском языке за картиной закрепилось название «Автопортрет с остролистом», но растение, которое по-русски называется остролист (или падуб) цветёт и выглядит несколько иначе. С точки зрения ботаников, Дюрер держит в руках Eryngium amethystinum — аметистовый синеголовник, его еще называют «голубым чертополохом». По одной из версий, так набожный Дюрер указывает на свой «символ веры» — терновый венец Христа.
Другая версия говорит, что в Германии на одном из диалектов название синеголовника — Männer treu («мужская верность»), а значит, Дюрер даёт понять, что не собирается перечить отцу и обещает Агнес быть верным мужем. Надпись на темном фоне My sach die gat / Als es oben schtat переводят как «Мои дела определяются свыше» (есть и рифмованный перевод: «Идёт моё дело, как небо велело»). Её также можно истолковать как выражение покорности судьбе и родительской воле. Но вот костюм проговаривается: «Я сделаю, как велит отец, но это не помешает мне оставаться собой и двигаться по избранному пути».
Альбрехт и Агнес вскоре повенчаются, как того захотели их родители, и проживут вместе долгую жизнь, которую мало кто осмелился бы назвать счастливой: уж слишком разными по натуре оказались две половинки бездетной четы Дюрер.
«Между ним и женой, вероятно, никогда не было взаимопонимания, — пишет Галина Матвиевская в монографии „Альбрехт Дюрер — ученый“. — Практичная и расчётливая Агнес была, по-видимому, сильно разочарована тем, что весь уклад её новой жизни совсем не похож на привычный ей по дому отца. Стремясь жить упорядоченной бюргерской жизнью, подчинённой простым и ясным правилам, она энергично поддерживала Дюрера во всех хозяйственных делах, заботилась о материальном благополучии дома, но устремления и идеалы мужа оставались ей чуждыми. Несомненно, ей было нелегко: даже находясь рядом, Дюрер жил своей собственной, непонятной для неё жизнью… Со временем она ожесточилась, сделалась чёрствой и скуповатой, и в их отношения вкралась явная неприязнь».
@pic_history
#АльбрехтДюрер #Портрет #Возрождение
Рекомендуем отличную подборку каналов, связанных с искусством и образованием.
• Творческий дворик – канал о кино, литературе, живописи и в целом о творчестве в различных классических проявлениях. Уникальные подборки лучших фильмов XX и XXI века.
• Театральные люди – крупнейший канал в Telegram о театре. Скидки и розыгрыши в лучшие театры.
• Argentum – художественные и документальные фотографии для вашего вдохновения.
• Płótno — канал, где публикуют лучшие работы из Третьяковской галереи, Лувра и Эрмитажа.
• Russian Architecture – авторский канал об архитектуре, дизайне и городском пространстве в России и ближнем зарубежье.
• Искусство слышать — твой личный экскурсовод. Каждый день - картина и 2-ух минутное "голосовое" от искусствоведа. Успевает рассказать все самое важное и интересное.
• Искусство и культура – канал об искусстве. Произведения великих художников, шедевры скульптуры, великие архитектурные сооружения.
• История & LIFE – канал с увлекательными историями из прошлого и настоящего, биографиями и фактами, о которых вы, скорее всего, не знаете.
• Глаз разума — канал публикует письма, интересные истории и цитаты из книг великих писателей.
• Aurum – пространственные виды искусства для вашего вдохновения.
• Русская культура – канал о русском искусстве и культуре. Русское зодчество, произведения русских художников, старинные фото, народные промыслы.
• Nowadesign – канал про эстетику, искусство и современный дизайн во всем его многообразии.
• Карл Густав Юнг – мысли одного из самых цитируемых психологов.
_
Организатор подборки: канал Творческий дворик
"Молодая жена: первое приготовление обеда"
1854 г.
Лилли Мартин Спенсер
Частная коллекция.
@pic_history
"Блаженная Беатриче"
1870 г.
Данте Габриэль Россетти
Тейт Британия, Лондон.
Лауданум – это опийная спиртовая настойка, которую в Викторианской Англии считали панацеей от всех болезней. А прежде всего, успокоительным, обезболивающим и снотворным. Жене Данте Габриэля Россетти было 33 года, когда она приняла смертельную дозу лауданума: то ли просто превысила допустимую порцию лекарства, без которого не обходилась последние несколько лет, то ли намеренно покончила с собой.
@pic_history
"Натюрморт. Десерт"
1901 г.
Пабло Пикассо
Музей Пикассо, Барселона.
@pic_history
"Человек-невидимка"
1932 г.
Сальвадор Дали
Центр искусств королевы Софии, Мадрид.
Идея и первый эскиз «Человека-невидимки» появились у Дали во время отдыха. Отец изгнал Сальвадора из дома и отрекся от него, всерьез настраивал против сына всех жителей родного города. Некоторое время Дали и Гала прожили в Париже, где смогли заработать немного денег. Это было время ежедневных походов Галы по городу с папкой рисунков, сделанных Дали. Она стучала в двери меценатов – и предлагала новые работы своего любовника-гения. Словом, выполняла обязанности личного торгового агента. Подзаработав немного денег, Гала и Дали, только недавно ставшие жить вместе, уехали из Парижа в небольшой городок под Марселем – отдыхать, спать, читать, рисовать – и провели там в итоге два месяца.
@pic_history
К теме чтения (неважно, книг или нот) Фрагонар и раньше обращался неоднократно – вспомним картину «Любовное письмо». Но в тех случаях чтение или пение обязательно накладывалось на канву любовной истории. В «Читающей девушке» ничего этого нет. Почему же? Дело в том, что картина написана в середине 70-х годов XVIII века, когда мода на «галантные сцены» постепенно угасает. От искусства теперь требуют больше возвышенности, больше серьёзности – и Фрагонар, по-видимому, хочет соответствовать новым веяниям. В его героине нет ничего игривого, ничего кокетливого, другими словами, ничего «типично фрагонаровского».
В эпоху Буше и Фрагонара самым ярким художественным критиком был Дени Дидро. Его регулярные обзоры Салонов даже сейчас являются чтением вполне захватывающим, а в те времена они попортили живописцам немало крови. Дидро неистово клеймил искусство рококо за легкомыслие и фривольность. Он был пристрастен, сердит и всё же невероятно проницателен. Например, когда на Салоне 1769 года Фрагонар выставил не вполне удачное овальное полотно «Амуры в небе», Дидро заявил, что это «вот прекрасная огромная яичница из детских тел… очень нежная, очень желтая и здорово подгоревшая». И этот образ яичницы настолько точен, что его уже никак не вычеркнуть из сознания. Так вот, Дидро с той же захватывающей образностью называл живописную манеру Фрагонара «пушистой».
Что это значит? Дидро имел в виду привычку Фрагонара накладывать краски быстрой, экспрессивной кистью, в результате чего на холсте отчетливо видно направление и характер мазка. У более поздних критиков есть и другой термин для этого явления – «темпераментный мазок Фрагонара». Именно такими размашистыми мазками выполнено насыщенно-желтое платье «Читающей девушки», коричнево-лиловая подушка, на которую она опирается, пряди её волос. Тени на подушке положены настолько густыми красками, что на их поверхности рельефно читаются следы щетинок кисти, а для освещённых мест использовались краски более жидкие. Чтобы изобразить гофрированный воротничок платья, Фрагонар просто нанёс толстый слой густых белил, а затем перевернул кисть и её деревянной ручкой наметил складки воротника. В каталогах XVIII века указывалось, что «Читающая девушка» написана с натуры и за один сеанс. По-видимому, так и было на самом деле: многие из живописных приёмов Фрагонара требуют смелости и мгновенной реакции – они возможны, пока не высохли краски.
@pic_history
#ЖанФрагонар #Портрет #Рококо
"Девушка, продающая каллы"
1929 г.
Альфредо Рамос Мартинес
Частная коллекция.
@pic_history
Упорство и труд
Эль Греко получил заказ на алтарный образ для Кафедрального собора Толедо 2 июля 1577 года. Спустя два года, когда полотно было уже почти завершено, начался сыр-бор, связанный с его оценкой. Приглашенные эксперты, которые должны были рассудить художника и заказчика – капитул собора – установили, что «достоинства картины столь велики, что не поддаются оценке», а посему автору положено уплатить запрошенные им 900 дукатов.
Капитул не желал смириться с этим постановлением, и привлек еще одного признанного авторитета – известного местного ювелира Алехо де Монтойя. Его вердикт был также неутешителен: «Картина лучше тех, что он когда-либо видел; если нужно ее оценить, то цена должна быть столь высокой, что мало кто, а, может, и никто не сможет ее купить; однако, принимая во внимание бедность времен, следует уплатить Доменико три с половиной тысячи реалов».
Но жадный заказчик решил прибегнуть к хитрости, заявив, что образ не соответствует евангельскому повествованию. Если Эль Греко имел в виду версию Иоанна Богослова, то он должен был лично присутствовать на картине рядом с Иисусом. А если художник имел в виду момент, описанный в трех остальных Евангелиях, то рядом с Христом не должно было быть трех женщин – Богоматери, Марии Клеоповой и Марии Магдалины – ведь они наблюдали за событиями со стороны.
Живописца обязали переделать картину в соответствии с этими замечаниями. Но поскольку исправленный вариант не шел ни в какое сравнение с первым, то капитул, скрепя сердце, вынужден был пойти на компромисс и принять условия Эль Греко, если тот немного занизит цену. Наиболее примечательный момент во всей истории – за время тяжбы картина стала такой популярной, что художнику 17 раз поступали заказы на ее повторение.
Видимо, капитул собора все же замучила совесть, и в 1582 году Эль Греко по его заказу изготовил резную раму, за которую безропотно заплатили в несколько раз больше, чем за сам холст. А все эти перипетии не прошли даром для художественного мира Испании: живописцы получили право оспаривать в суде стоимость своих работ, ссылаясь на прецедент Эль Греко.
@pic_history
Что, если бы любой желающий мог бы почувствовать себя в роли клиента фирмы Фаберже и изготовить свое эксклюзивное пасхальное яйцо?
Теперь это возможно! В честь своего 10-летия Музей Фаберже запустил нейросеть в своем сообществе ВКонтакте, которая сгенерирует для вас уникальный дизайн.
Инициатива отличная, попробуйте, у вас будет целых 3 попытки создать свой идеальный пасхальный подарок.
Невероятная выставка «Искусство Манга» в Москве!
Первая в России масштабная выставка, посвященная японской манге. Не пропусти!
Узнать больше
#реклама 12+
artofmanga.ru
О рекламодателе
Мы вольны соглашаться или противиться такому профессиональному взгляду на автопортреты Ван Дейка и всё же ценность их несомненна: они дают нам вполне точное представление о художнике – нервном, эмоционально утонченном, явно болезненно честолюбивом и зависимом от роскоши и признания, словом, таком, каким, судя по сохранившимся документам и биографическим сведениям, Ван Дейк и был.
Известен автопортрет на дереве, который написал 14-летний художник. Мы видим только лицо – но какое! С умным, твёрдым и уверенным взглядом и с вызовом в глазах. «Автопортрет» из Эрмитажа – это следующий этап в жизни Ван Дейка. Ему здесь слегка за двадцать. В это время Ван Дейк уже признанный мастер. Шутка ли – его иногда сравнивают с самим Рубенсом! В глубине души Ван Дейк считает такое сравнение обоснованным, но ведь далеко не все их равновеликость признают - и потому в его глазах по-прежнему вызов, даже некоторая спесь – и одновременно беззащитность. Ван Дейк прячет её под щегольской одеждой (говорили, что никто не умел писать блеск атласа и фактуру шёлка так, как это делал Ван Дейк), под несколько развязной позой. Он так стремится изобразить расслабленность, что это выглядит нарочитым. По воспоминаниям современников, Рубенс и Ван Дейк обладали совершенно различной физикой и несходными темпераментами. Рубенс был коренастым крупным человеком, основательным, неторопливым и спокойным. Ван Дейк, напротив, был мал ростом, тщедушен, нервен и импульсивен в работе. Некоторым заказчикам это претило.
За тем, что можно ошибочно принять за самолюбование, мы видим на автопортрете Ван Дейка вполне исчерпывающую эмоциональную характеристику - живой темперамент, сплав легкомыслия и меланхолии, самоуверенности и беззащитности.
Всем нам наверняка не раз встречалось утверждение, что длинные, конически сужающиеся от основания к кончикам пальцы – это признак артистичности натуры. Антонис Ван Дейк в этом смысле – пример ярчайший. На всех автопортретах, где он изображает себя не погрудно, а по пояс или в рост, бросаются в глаза его удивительные пальцы – изящные, тонкие, с тщательно ухоженными, отполированными ногтями. Интереснее другое: Ван Дейк изображал так не только себя. Красивые удлинённые пальцы встречаются на многих его картинах, они станут «визитной карточкой» художника и узнаваемой приметой его героев, которым Ван Дейк приписывал качества, которыми те могли и не обладать: поэтичность, аристократизм, утонченность и возвышенность помыслов.
@pic_history
#АнтонисВанДейк #Портрет #Барокко
Как выглядит архитектура будущего?
Поликарбонат часто ассоциируют с теплицами и остановками.
В действительности же поликарбонат обладает огромным потенциалом для применения в современной архитектуре. Он позволяет достичь невероятных эффектов со светом и формой.
Известные архитекторы знают об этом и выбирают поликарбонат для своих проектов.
Музей Гараж (Москва, Парк Горького)
Фасад из поликарбоната выложен в два слоя, чтобы увеличить прочность конструкции и спрятать между слоями инженерные коммуникации. Благодаря светопрозрачности поликарбоната, «Гараж» органично вписался в природное окружение — при этом не затерялся, а выделился чистотой и аскетичностью.
Павильон Louis Vuitton (Катар, аэропорт)
Поскольку локация многолюдна, требовалась безопасная конструкция. Архитекторы выбрали поликарбонат: он прочнее и легче стекла, а при ударе не бьётся. Уникальная форма сооружения стала возможной благодаря гибкости материала.
Переходите на сайт и узнайте про другие вдохновляющие проекты из поликарбоната!
Курс «Python-разработчик» от Яндекса. Начните с нуля.
Программа 2023 года.
Диплом о переподготовке и помощь с поиском работы.
Рассрочка.
Зарегистрироваться
#реклама 16+
practicum.yandex.ru
О рекламодателе
Уютное место для всех девушек, где мы вместе становимся лучше и просто можем побыть собой☕️
На канале вы найдете: истории знаменитостей, крутые фильмы, познавательные книги и многое другое
Присоединяйтесь к женскому пространству и будем вместе развиваться и открываться этому миру🤍
Подписывайся на канал:
/channel/womenclubCap
Автопортрет с остролистом (Автопортрет с чертополохом)
1493 г.
Альбрехт Дюрер
Лувр, Париж.
Это первый из автортретов Дюрера, написанных маслом. Всего их известно три: первый — луврский, второй хранится в Прадо (Мадрид), а третий и самый знаменитый — в Старой пинакотеке Мюнхена.
Пока Дюрер путешествовал в окрестностях Верхнего Рейна и совершенствовался, знакомясь с известными художниками Германии и зарисовывая виды городов и гор, его отец в Нюрнберге сосватал ему невесту. О сватовстве как свершившемся факте он письмом ставит в известность ничего не подозревавшего сына, находившегося в тот момент в Страсбурге. О девице Агнес Фрай отец не написал Дюреру почти ничего, зато многое рассказал о её родителях: будущий тесть Ганс Фрай, мастер интерьерных фонтанов, вот-вот будет назначен в Большой совет Нюрнберга, а тёща — вообще из патрицианской (хотя и обедневшей) династии Руммель.
Старший Дюрер, сам вышедший из венгерских хлеборобов, очень хотел составить для Альбрехта хорошую партию и потому требовал от сына закончить все его незавершённые дела и возвращаться в Нюрнберг, а тем временем — художник он теперь или кто? — написать и прислать для Агнес собственный портрет, чтобы невеста могла представить, как выглядит суженый, которого до этого ей видеть не доводилось.
@pic_history
"?"
1852 г.
Павел Андреевич Федотов
Государственная Третьяковская галерея.
«Блаженную Беатриче» Россетти написал вскоре после смерти Элизабет Сиддал по эскизам и рисункам, которых за время их совместной жизни он сделал сотни. Элизабет работала в шляпном магазине, когда ее увидел художник Уолтер Деверелл, зашедший в лавку случайно вместе с матерью. После этой встречи он рассказывал Холману Ханту и Россетти: «Она как королева: великолепно высокая, с прекрасной фигурой, величественной шеей, нежным лицом, плавный переход линий от висков к скулам в точности напоминает скульптуру богини Фидия... Подождите, я еще не закончил! У нее серые глаза, а волосы похожи на сверкающую медь и переливаются, когда она их распускает». Художники-прерафаэлиты нашли идеальную модель, словно сошедшую с ранних ренессансных фресок – Милле писал с нее Офелию, Хант – Сильвию. Потом Лиззи познакомили с Россетти – и она стала его личной натурщицей, любовницей, а вскоре и ученицей. 10 лет они прожили вместе – темпераментные, страстные, вспыльчивые, талантливые, оба поэты и художники. Данте писал ее одержимо, ежедневно, ее лицо смотрело с каждого наброска и полотна в его матерской. Элизабет была больна туберкулезом, частые приступы укладывали ее надолго в постель, через какое-то время искривленный позвоночник начал вызывать приступы невралгии – тут-то в ее руках и оказалась настойка опия. В 1860 году, когда состояние девушки было критическим, отчаявшийся Россетти решил на ней жениться. Он чувствовал себя виноватым, потому что не решался сделать этого раньше, да и верностью в этих 10-летних отношениях не мог похвастать. И вдруг смысл всей его жизни, его любимая, его модель, его Беатриче – при смерти.
Элизабет Россетти почувствовала себя лучше после свадьбы, но прожила в браке всего два года. Это были уже совсем не безоблачные отношения музы и вдохновенного поэта, омраченные, к тому же, выкидышем, бессонницами, наркотической зависимостью. В 1862 году Лиззи приняла смертельную дозу лауданума – то ли желая облегчить невыносимую боль, то ли решившись избавиться от боли навсегда. И овдовевший художник задумал «Блаженную Беатриче», над которой будет работать 6 лет.
Беатриче – это образ, безраздельно принадлежавший Лиззи в творчестве Россетти. И теперь Россетти пишет ее в момент расставания с миром – в блаженном и смиренном принятии конца. Голубь опускает ей в раскрытые ладони мак – символ смерти. За ее плечами ангел любви, одетый в красное, держит догорающий огонь – символ угасающей жизни. Вторая фигура – это сам Россетти в образе Данте, уже не способный удержать возлюбленную на земле. В одном из писем художник рассказывал, что стремился не изобразить смерть, а заменить ее неким состоянием транса, в котором Беатриче переносится с земли на небеса.
Джон Рёскин сказал о необычном свойстве света в работах Россетти в 60-е годы: «Его свет – это не сам солнечный свет, а солнечный свет, рассеянный сквозь цветные стекла». Первое впечатление от «Блаженной Беатриче» именно такое: свет излучает вся фигура девушки, ее руки и подол платья, ее сияющие волосы светятся изнутри, а не подсвечены внешним источником, солнцем из далекого города.
После смерти Элизабетт Россетти не смог жить в их общем доме – и переехал. «Блаженную Беатриче» он повторит еще несколько раз (в основном, получая заказ именно на это изображение). С каждой новой репликой свет в руках и волосах Беатриче будет все более неуверенным и тусклым, как и воспоминания об Элизабетт, вытесняемые из жизни Россетти новыми женщинами, опиумом и виски.
@pic_history
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты
«Уснула»
1867 г.
Автор - ?
Когда Императорскую Академию искусств потряс «бунт четырнадцати», автор этой работы поддержал требования своих товарищей — лучших выпускников упомянутого учебного заведения. Чтобы затем — внезапно — изменить своё мнение. И единственным из всех заинтересованных лиц согласился участвовать в конкурсе за большую золотую медаль, не имея свободы в выборе темы.
Впрочем, отказ от поддержки собратьев-реалистов, восставших против академического консерватизма, «не окупился». Академия не стала позориться, проводя конкурс с единственным участником, и герой нашего вопроса так и не получил вожделенной награды. Более того: несмотря на успешную карьеру живописца (включавшую написание портретов августейших особ), академиком он в итоге тоже не стал. В отличии от целого ряда своих бывших товарищей по студенческому «бунту». Ирония Судьбы!
Именно здесь Дали (а лучшие образы и идеи всегда посещали его во время сиесты) изобретает параноидальный художественный ход – двойственные образы. Это изображение, в котором может восприниматься сначала один объект, сквозь него – совсем другой. Очертания предмета, не меняясь фактически, в глазах смотрящего превращаются в нечто совсем другое. Лошадь – в лежащую обнаженную женщину, а потом – во льва. Ваза с фруктами – в лицо поэта Лорки. «Человек-невидимка», первая картина в целой серии «двойственных образов», просто напичкана такими головоломными визуальными загадками. Торс женщины – и он же плечо мужчины, лошадь – и она же лежащая женщина, закинувшая руку за голову. Вода – волосы – рога. В таких картинах-ребусах Дали не ограничивает фантазию зрителя – и призывает видеть даже то, чего он сам не подразумевал. Чем больше безумных фигур внутри других безумных фигур отыщете – тем вернее исполнен будет замысел художника.
Простенькие рисунки с визуальными загадками были любимым развлечением Дали, когда он был ребенком:
«Каждую субботу приходил молодежный журнал, который выписал для меня отец. На последней странице там всегда печаталась загадка в виде картинки, на которой, к примеру, был изображен охотник в лесу. В переплетениях ветвей и травы подлеска художник ловко прятал кролика. Его-то и нужно было найти. Или же нужно было найти куклу, которую потерял малыш в пустой на первый взгляд комнате. Эту головоломку впервые показал мне отец; как же он каждый раз удивлялся, когда вместо одного кролика я находил двух, трех и даже четырех, а вместо одной спрятанной художником куклы — несколько. Еще более удивительным было то, что мои кролики или куклы были видны гораздо лучше и прорисованы гораздо четче тех, что прятали специально».
Взрослый Дали-художник щедро начиняет картины кроликами и куклами, явными, надежно спрятанными, очевидными и не очень. Для чего? Прежде всего, с наслаждением играет: упражняет мозг (он сам давно утверждает, что это самый гениальный мозг) в поиске связей, а руку – в безупречном многозначном рисунке. А, кроме того, испытывает реальность на прочность, с азартом выдергивает из ее основания самые надежные и крепкие кирпичики – те, что отвечают за связность картинки и обоснованность появляющихся на ней элементов. Наконец, с упоением растягивает количество времени, которое зрителю придется провести перед его картиной в поиске разгадок. Смотреть шире, смотреть во все глаза, находить кроликов и кукол, которых даже он сам поначалу не заметил. Превращаться в соучастника.
@pic_history
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
"Мадам де Помпадур с рукой на клавиатуре клавесина"
1750 г.
Франсуа Буше
Лувр, Париж.
@pic_history
"Читающая девушка"
1770-е
Жан Оноре Фрагонар
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
«Читающая девушка», хранящаяся сейчас в Национальной галерее искусств (Вашингтон) долгое время считалась самой популярной картиной Жана Оноре Фрагонара.
Фрагонар, как известно, в юности учился в мастерских у двух великих французов – Шардена и Буше, однозначно выбрав для себя то направление, в котором работал последний. Но «Читающая девушка» счастливо совмещает в себе уроки обоих крупных мастеров. Вполне в духе Шардена эта сценка изображает уютную сосредоточенность человека на самом обычном занятии и возводит её к поэзии обыденности, в то время как Буше заявляет о себе сквозь творчество ученика нарядностью и изысканной декоративностью.
@pic_history
Однажды высокопоставленная дама немного ослышалась, когда ей рекомендовали исключительно талантливого портретиста Тропинина. Ей почудилась итальянская фамилия Тропини. Когда Василий Андреевич пришел в ее дом на первый сеанс, дама вознегодовала – обычный русский художник. И вытолкала его прочь.
«Кружевницу» художник пишет, когда приезжий европейский сентиментализм растворяется в новых настроениях и уже почти готов стать милым, трогательным, но теряющим актуальность и ценность увлечением. После войны 1812 года меняется и положение русских художников, и всего русского вообще. И «Кружевница» - эдакий гармоничный финальный аккорд в честь уходящего сентиментализма.
Швеи, пряхи, кружевницы Тропинина – это сплошь миловидные, большеглазые, юные красавицы, легко, искусно и с удовольствием выполняющие свою тонкую работу, излучающие спокойствие и лишенные бытовых, утяжеляющих некрасивостей. Художник видел, конечно, слепых кружевниц и горбатых, со скрюченными пальцами женщин, уставших и искалеченных своей работой. Он писал их лица и согнутые фигуры – но только набросками в тетради. Тогда, в начале XIX века, ему и в голову не могло прийти сделать из этой правды картину – такому искусству нужно было еще немного времени.
«Кружевницу» недавно получивший вольную Тропинин представил в Академию художеств с двумя другими картинами для получения звания академика и, конечно, ориентировался на господствовавшие там вкусы. Но это не значит, что художник шел на какие-то творческие компромиссы. У «Кружевницы» есть предшественницы – портреты украинских девушек, написанные еще во времена жизни художника в селе Кукавка на Подоле. И по сравнению с ними изменился лишь уровень художественной точности и тонкости в работе художника, в остальном он верен тем живым впечатлениям, которые получил в годы страстного повседневного рисования с натуры.
Картина произвела прекрасное впечатление на судей и на ценителей искусства. Тропинина объявили «назначенным академиком», а через год присудили звание академика, от которого тот вежливо отказался.
@pic_history
#ВасилийТропинин #Реализм