59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие.
Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок.
Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли.
Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми.
Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим.
@pic_history
#ЖакЛуиДавид #Классицизм
Литература – это новости, которые не устаревают.
И это чистая правда. Ведь большинство проблем, представленных в произведениях великих классиков, ещё долгое время будут оставаться актуальными, а поступки и мысли главных героев являться отражением нашей собственной жизни.
Именно поэтому лучше канала «Твоими мыслями» вы ничего не найдете.
Здесь автор делится с читателями поистине гениальным цитатами из книг и вдохновляющими строками стихотворений, в которых вы можете найти частичку своей души.
📖Найдите себя среди героев книг: «Твоими мыслями».
Бесплатный онлайн-практикум "5 шагов к урожайному саду"
Регистрируйтесь и вы поймете, как:
- без перекопки, покупки земли и прополки превратить ту почву, что уже есть на вашем участке в плодородную
- создать лучшие условия для каждого растения на вашем участке, учитывая его особенности
- выбрать сорта ваших любимых вкусов, высокой урожайности и устойчивости к болезням и вредителям
- защитить растения от болезней и вредителей экологически безопасными способами
- узнайете мифы, которые убивают ваши труды на участке
Практикум будет полезен и опытным садоводам, и городским жителям без опыта из любых регионов
Нажимайте кнопку "Зарегистрироваться" и узнайте все секреты успешного садоводства без тяжелого труда!
Зарегистрироваться
#реклама
organic-online.org
О рекламодателе
Как коммуницировать эффективно, доносить свои идеи и вести за собой людей? Сложно представить руководителя бизнеса или управленца без лидерских навыков!
Я Ирина Никитина - ментор, коуч и топ-менеджер.
В моем канале вы узнаете:
✅ Как стать эффективным управленцем.
✅ Как сформировать команду, которая приносит результаты.
✅ Как перестать заниматься текучкой и работать над стратегией.
Подписывайся на мой канал и узнавай еще больше о менеджменте, управлении персоналом, командообразовании и лидерстве, все самое полезное из мира управленцев.
🎁 Только моим подписчикам я ДАРЮ ГАЙД по лидерству ➡️ переходи и забирай.
"Интерьер, мать и сестра художника"
1893 г.
Жан Эдуар Вюйар
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
«Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись.
@pic_history
Вы удивитесь, но 8 из 10 людей не знают разницы между «барокко» и «рококо».
А еще больше думают, что «квадрат Малевича» и «чёрный квадрат» – это одно и то же.
Исправить оплошность поможет канал «Куда Марк Шагал?». Здесь в интересных опросах объясняют разницу и фишки картин и известных художников.
10 минут – и вы будете знать об искусстве больше любого экскурсовода. Подписывайтесь: @artShagal
Канал “Интеллектуальный реализм“ современное скусство для мыслящих!
Интеллектуальный реализм предполагает погружение зрителя в диалог с картиной, открытие новых смыслов, сверхсознательно заложенных автором в произведение искусства.
Основоположники направления - художники, братья Дмитренко.
"Призрак Оивы"
1832 г.
Кацусика Хокусай
Бостонский музей изящных искусств.
Один из листов серии Хокусая «100 историй о призраках» посвящен Оиве – самому известному в Японии привидению онрё. В японской мифологии онрё – «обиженный, мстительный дух» – неупокоенная душа человека, цель которой наказать обидчика, нанесшего ей оскорбление при жизни.
Японцы очень любят традиционные сказки-страшилки с участием онрё – кайданы. Часто ставили их на сцене театра кабуки, где призраков обычно играли женщины в белых погребальных одеждах, с длинными распущенными волосами и мертвенно-бледным гримом. Этот образ плавно перекочевал в кинематограф: сначала японский, а затем и мировой. Самый, пожалуй, известный призрак онрё в кино – девочка с видеокассеты-убийцы из фильма «Звонок».
@pic_history
Думаю, у всех на слуху выражения MODERN art и CONTEMPORARY art, которые оба переводятся как «современное искусство».
В разговоре многие часто используют тот или иной вариант, не обращая внимания на их разницу.
Итак, термин «Modern Art» открывает широкий временной промежуток с 1860-х по 1970-е годы. Это время экспериментов и инноваций, когда художники отказались от романтизма в пользу более смелых и новаторских подходов. Здесь мы встречаемся с такими яркими направлениями, как импрессионизм, кубизм и абстрактный экспрессионизм.
Переходя к «Contemporary Art», мы перемещаемся во времени вперед, начиная с 1970-х годов и до сегодняшних дней. Эта эпоха отличается акцентом на социальные и политические вопросы, а также разнообразием используемых материалов и форм. Современное искусство открывает двери перед взглядами на актуальные проблемы через призму художественного выражения живых мастеров.
Таким образом, оба этих термина являются отражением двух различных эпох в истории искусства, каждая из которых внесла свой уникальный вклад в художественное творчество и культурное наследие. И хотя они часто используются как синонимы, важно помнить о том историческом и культурном контексте, который они несут в себе.
@visualoversclub — Новости, личные рекомендации и заметки из мира визуального искусства 🌏🖌️
"После обеда"
1881 г.
Берта Моризо
Частная коллекция.
Картина «После обеда» стала одной из самых известных работ Берты Моризо совсем недавно. Ее включают во все феминистские живописные обзоры, потому что в 2013 году это полотно установило аукционный рекорд. После стремительных торгов между шестью активными участниками картина была продана за 10, 98 млн. долларов анонимному покупателю и стала на тот момент самой дорогой работой женщины-художницы.
@pic_history
Искусство — дело тонкое, поэтому мало просто читать о нем в книгах или соцсетях, важно проникнуться им на выставках. Но откуда брать информацию о том, какие экспозиции сейчас проходят?
В этом вам поможет MOSUS, ведь они всегда собирают самую актуальную информацию о том:
▫️В каком музее насладиться обновленной экспозицией;
▫️Где проходит фестиваль современного искусства;
▫️Как бесплатно попасть на мероприятия, посвященные искусству.
Окунитесь в мир творчества с командой MOSUS.
ВикАСТые книги
Всем привет! Меня зовут Вика, и я уже почти полтора года глубоко погружена в искусство и культуру — работаю ведущим редактором прикладной литературы в издательстве АСТ. Стиль моей работы прост — максимально вовлекать всех в процесс, вместе создавая полезные книги для самой широкой читательской аудитории. Именно поэтому я завела свой канал: на нём я приоткрываю издательские секреты, рассказываю о ходе издательского процесса и книгах редакции ОГИЗ, устраиваю различные книжные и некнижные опросы, делюсь профессиональными и личными мыслями. Здесь каждый сможет найти что-то по душе, а главное — высказать своё мнение, которое станет оплотом и значимой частью нон-фикшн книг.
— Хвастаюсь книгами о Бэнкси и об искусстве Китая
— Погружаю в процесс создания книги по искусству Кореи
— Обновляю наши серии по рисованию
— Рассказываю о мало известных художниках и картинах
— Восхищаюсь своими авторами и коллегами
— Учусь и учу
— Делюсь самым сокровенным
Присоединяйтесь к моему каналу: будем вместе создавать книги и делать наш книжный мир лучше!
"Шествие на Голгофу"
1564 г.
Питер Брейгель Старший
Музей истории искусств, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Картина Брейгеля «Шествие на Голгофу» (другое название «Несение креста») посвящена тем евангельским главам, где Христос сам несёт тяжелый деревянный крест, на котором будет распят, на Голгофу.
Но видим ли мы Христа при первом взгляде на картину Брейгеля? Нет! Наши глаза беспокойно скользят по огромной разношерстной толпе, а затем останавливаются на согбенной фигуре Девы Марии вблизи или же на необычайно высокой скале, которую венчает мельница, вдалеке.
@pic_history
"Автопортрет"
1959 г.
Ники де Сен Фалль
@pic_history
"Гора Сент-Виктуар"
1887 г.
Поль Сезанн
Институт искусства Курто, Лондон.
Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике.
@pic_history
"Портрет мадам Рекамье"
1800 г.
Жак-Луи Давид
Лувр, Париж.
Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана.
@pic_history
Ответ на вопрос и Яндекс Музыка ваша за 1₽ до конца года
Яндекс Музыка для вас и 3-х ваших близких до конца года за 1₽. Попробуйте сейчас!
Попробовать
#реклама 16+
mrqz.me
О рекламодателе
"Женщина с косой"
1971 г.
Пабло Пикассо
Музей Пикассо, Париж.
@pic_history
Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей.
Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой.
Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир.
Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни.
Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова.
@pic_history
#ЭдуарВюйар #Постимпрессионизм
"Разница между сюрреалистами и мной заключается в том, что сюрреалист - это я"
Сальвадор Дали
"Акробат и юный Арлекин"
1905 г.
Пабло Пикассо
Художественный музей Филадельфии.
@pic_history
Нет повести печальнее на свете
История Оивы основана на реальных событиях, а увековечена благодаря пьесе театра кабуки, написанной Цуруя Намбоку IV. Премьера «Страшной истории о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» состоялась в 1825 году, после чего пьеса приобрела немыслимую популярность, а с появлением кинематографа пережила десятки экранизаций.
Чаще всего онрё становились женщины, погибшие по вине своих мужей. И героиня гравюры Хокусая – не исключение. Оива была замужем за ронином – самураем без хозяина. Иэмон был вынужден изготавливать зонты, чтобы содержать жену и новорожденного сына. Это было настолько унизительно для него, что он начинает ненавидеть молодую супругу, в которой видит источник своих бед, и совершает целую серию убийств.
Еще до свадьбы жертвой Иэмона становится отец невесты, осведомленный о злодеяниях ронина, которые тот совершал ранее. Затем сосед – дед девушки, влюбленной в Иэмона, уговаривает угостить жену «тонизирующим средством», которое в действительности было ядом, вызывающим мучительную смерть.
Вскоре ронину приходится избавиться от слуги – свидетеля преступления. Во время свадебной церемонии он по ошибке отрубает голову своей новой невесте, так как вместо нее ему видится изуродованное мучениями лицо умершей жены. Позже, пытаясь мечом отмахнуться от призрака убитого им слуги, нечаянно убивает и старика-соседа.
Привидение Оивы продолжает истязать подлого мужа на протяжении всей пьесы. Куда бы он ни шел, везде является ему ее зловещий лик. В одной из сцен в Оиву внезапно превращается загоревшийся бумажный фонарь, а из дыма от этого огня проявляется тело призрака. Именно этот образ Оивы в виде горящего фонаря и запечатлен на ксилографии Хокусая.
Проклятие призрака Оивы
Подобно тому, сколько суеверий и загадочных событий связано с попытками экранизации романа Булгакова «Мастер и Маргарита», в Японии слагают истории о проклятии, преследующем всех, кто имеет отношение к постановке пьесы об Оиве.
В 1976 году череда несчастных случаев постоянно вмешивалась в размеренное течение жизни театра Иванами-холл в Токио. Болезни настигали актеров и их родных, приходил в негодность реквизит, переносились репетиции. В конце концов вся труппа прибыла на место погребения Оивы, чтобы отслужить там панихиду. А на премьере пьесы одно место в первом ряду оставили незанятым, и с тех пор это стало непреходящей традицией.
Как и обычай проводить поминальные службы на могиле Оивы перед каждой новой постановкой. Актрисы, которым предстоит играть мстительного призрака, обязательно посещают храм, посвященный Оиве, ведь считается, что им более всего стоит опасаться ее козней.
И хотя ее почитают особенно злобным онрё, на гравюре Хокусая Оива изображена скорее печальной, чем разъяренной. Пронзительны опущенные вниз уголки глаз, в бессильной злобе разинута беззубая пасть привидения-фонаря. Созданный мастером образ разительно отличается от призраков Оивы на гравюрах других авторов, где она предстает устрашающей сущностью, от одного вида которой стынет в жилах кровь.
@pic_history
#КацусикаХокусай
"Осень в Баварии"
1908 г.
Василий Кандинский
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
Но это произведение заслужило множество восторженных отзывов намного раньше, сразу же, когда впервые было представлено публике. Седьмая выставка художников-импрессионистов прошла в 1882 году и стала, по мнению самих участников, самой «правильной» за все 8 лет бунта, разногласий, рождения и развития уникальной выставочной авантюры. Это была выставка, участниками которой стали именно те художники, которые придерживались общих взглядов на искусство, которые защищали одни идеи и с которых начался «импрессионизм»: Моне, Ренуар, Писсарро и, конечно, Берта Моризо. К тому времени каждый из них обрел особый почерк и представил самые блестящие свои творческие открытия и обретения.
Берта была в Ницце и организацией выставки с другими художниками занимался ее муж, Эжен Мане, посылая в письмах подробный отчет о происходящем. Художница представила 9 своих работ для этого мероприятия, и в том числе «После обеда», и заслужила звание самого импрессионистичного художника из всех импрессионистов.
Манера письма Берты Моризо действительно самая страстная и дерзкая, в какую бы импрессионистическую компанию она ни попадала – и в прижизненных выставках, и в самых современных. Длинные, резкие мазки, которыми часто лишь обозначаются фигуры людей, деревья, цветы. Особый, жемчужный белый цвет, который у Берты Моризо имеет десятки нюансов, оттенков и степеней прозрачности. Нарочитая эскизность и часто просто пустые, не заполненные красками участки холста – она писала быстро, пытаясь схватить главное.
«После обеда» - картина, написанная в пригороде Парижа Буживале, в доме, который Эжен и Берта несколько лет подряд арендовали на лето. Это было самое гармоничное и счастливое время в жизни Берты Моризо – время, когда жить, писать, дышать, любить можно было сильно не различая одно от другого.
@pic_history
#БертаМоризо #Импрессионизм
БУДЕТ ПЕРЕКОСТЮМ канал, который ведет ассистент художника по костюмам Карина Андросюк, в своем тг- пространстве она регулярно показывает внутрянку из жизни съемочной группы, а также рассказывает о костюме и его роли в кино, дополняя это все интересными фактами из истории мирового кинематографа.
🎬атмосфера съемочной площадки здесь
"Цветы на стволе дерева"
1686 г.
Рашель Рюйш
Музей Гессен Кассель.
@pic_history
«Несение креста» Брейгеля настолько впечатляюще и загадочно, что в 2011 году интерпретации одной только этой картины кинематографисты посвятили полнометражный художественный фильм «Мельница и крест» ((Mlyn i krzyz, реж. Лех Маевски). Роль художника исполнил в нём Рутгер Хауэр, Марии - Шарлотта Рэмплинг. Разумеется, истолковывая то, что изображено, авторам фильма удалось многое рассказать и о Фландрии, и о самом Брейгеле, и о времени, в которое он жил.
Итак, в первый момент мы не фиксируем взглядом Христа, но видим рассеянные по широкой долине толпы людей. Пешие в черных, коричневых и серых одеждах выглядят как современные Брейгелю нидерландские мещане и крестьяне. Конники в красных туниках – это ненавистные всему населению Нидерландов испанские завоеватели. Они пришли на землю Фландрии, чтобы огнем и мечом вытравить проникший в страну протестантизм и именем испанского короля заново насадить католичество. Высокий деревянный столб справа с колесом на вершине – орудие пыток. Жертву, подозреваемую в проповеди протестантской доктрины, сначала жестоко избивали, а затем привязывали к колесу, поднимали на столб и так оставляли умирать. Обрывки одежды и ворон-падальщик, изображенные Брейгелем, показывают, что кровавая жертва была принесена совсем недавно.
В уста Брейгеля в фильме вложен такой монолог, объясняющий смысл «Несения креста»:
– Моя картина поведает вам множество историй. Она будет гигантской и вместит в себя абсолютно всё. Я буду работать, как паук, которого видел утром. Я смотрел, как он плетёт свою паутину. Сначала паук находит точку привязки. Здесь! (указывает на точку пересечения диагоналей картины – ред.) В центре моей «паутины» жернова перемалывают нашего Господа – безжалостно, словно зерно. Я покажу, как его ведут на Голгофу. Он в самом центре картины, и всё-таки мне нужно скрыть его из поля зрения.
– Но для чего вам его прятать?
– Потому что в нём заключена самая суть, но вы, вероятно, этого не заметили. И никто не замечает. Рядом Симона уводят от Эсфири – и все взгляды устремлены на него. Так происходит всегда: рождение Иисуса, или падение Икара, или самоубийство Саула – все эти меняющие мир события остаются незамеченными!
Такова художественная философия Брейгеля: далеко не всегда мы замечаем важное. Слишком многое отвлекает наше внимание от единственно существенного. Но ведь всё существующее (даже несущественное) зачем-то нужно Богу. И художник тоже должен его отобразить.
– На большинстве картин Бога изображают в облаках. Он смотрит вниз с досадой, – завершает свой монолог Брейгель. – На моей картине его место займёт мельник (именно поэтому мельница – не менее важный центр притяжения, чем крест – ред.). Он – Великий Мельник небес, перемалывающий муку жизни и судьбы.
@pic_history
#БрейгельСтарший #Возрождение #РелигиознаяСцена
⚡️ Российский магазин реплик премиального качества в Telegram!
SHOPARES — место, где собрана самая популярная техника Apple и Dyson по выгодным ценам.
• AirPods
• Watch
• Dyson
Никакие эксперты не смогут отличить гаджеты от оригинала, проверено временем 👍🏻
На всю продукцию действует официальная гарантия — это важно!
Если ты давно искал топовый гаджет с быстрой доставкой по России, то сохраняй себе: /channel/+uJgGXm-zh1QwNWIy
Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров.
И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными.
Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину.
@pic_history
#ПольСезанн #Постимпрессионизм
Сезон искусства в самом разгаре, и если вы давно хотели попробовать себя в роли художника, эта новость для вас.
Московская школа современного искусства (MSCA) продолжает набор на годовой онлайн-курс «Практика для начинающих художников».
Обучение будет полезно не только живописцам, но и флористам, дизайнерам, архитекторам, фотографам и начинающим креаторам в любой из сфер визуальной культуры, находящимся в поиске собственного творческого языка.
По итогам обучения студенты:
🔹 освоят теоретическую «базу», необходимую для любого креатора;
🔹 сформируют собственный художественный стиль;
🔹 научатся работать с грантами и институциями в сфере искусства;
🔹 освоят язык новейших медиумов искусства.
Куратор программы: Иван Новиков, художник, куратор, независимый исследователь
Подать заявку можно по ссылке
Реклама. ООО "УНИВЕРСАЛЬНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ". ИНН 9709042984. erid: LjN8K13zi