59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
"Какое чудо – восхищаться в живописи тем, чем в реальности не восхищаешься."
Эжен Делакруа
"Дворец дожей"
1908 г.
Клод Моне
Частная коллекция, Япония.
👀 Смотреть в высоком качестве
@pic_history
В 1952 году, спустя восемь лет после смерти Беллы, Марк Шагал женился во второй раз. Его избранницей стала Валентина Бродская, которую он называл Вавой. И если об отношениях художника с первой женой принято отзываться в исключительно восторженном ключе, то Ваву искусствоведы откровенно недолюбливают. Считается, что вторая супруга была не столько любимой женщиной, сколько менеджером Шагала, и практически вынудила его разорвать отношения со многими близкими людьми. Белла же навсегда осталась в биографиях художника единственной музой и вдохновительницей.
Но разве не может быть в жизни человека больше одной любви? Даже если вторая и отличается от первой. Нежная, чистая и трагическая любовь к Белле оставалась с Шагалом до конца его дней. Но и Ваву он тоже любил, просто по-другому. Именно она помогала ему чувствовать себя уютно и комфортно, именно о ней он писал: "Тебя только вижу, тебя живущую ради меня". Её и себя рядом с ней Шагал рисовал с не меньшей нежностью. Единственным важным отличием был, пожалуй, антураж: если Беллу художник чаще всего изображал в окружении родных сердцу витебских пейзажей, то фоном для портретов Вавы обычно служат парижские.
В 1980 году, за пять лет до смерти, Марк Шагал пишет полотно "Художник и его невеста", в котором как будто суммирует и подытоживает всю свою долгую жизнь. Всё здесь кажется призрачным, подернутым дымкой, кроме букета ярко-красных цветов на переднем плане. В лице художника легко просматриваются черты самого Шагала. Задний план разделен пополам, его художник посвятил двум самым любимым своим городам: слева Париж, справа - Витебск. Здесь можно увидеть и акробата с музыкантами, и мать с ребенком, и пару влюбленных, все они - ожившие воспоминания. Невеста художника снова будто бы парит над землей. Кто она? Белла, Вава? Вполне вероятно, что обе они в одном лице.
#МаркШагал #Портрет #Примитивизм
@pic_history
Необычные экскурсии о городе и его жителях в квартирах, на крышах зданий и в подземной Москве:
▫️смотрим Москву с высоты крыши Красного октября;
▫️любуемся видом с 22 этажа высотки на Котельнической;
▫️пьем чай в подвалах Хитровки;
▫️устраиваем квартирник на Тверской;
▫️изучаем атмосферные мастерские на Масловке!
А для тех, кто любит самостоятельные путешествия, канал приготовил бесплатные гайды в удобном формате!
"Капо ди Ноли"
1898 г.
Поль Синьяк
Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн.
@pic_history
Упрощаем формы
Протокубистическая картина «Скрипка и палитра» была написана в начале новой эры в творчестве Жоржа Брака. Если предыдущий год он посвятил преимущественно пейзажам, то в 1909-м их почти полностью вытеснили натюрморты. По большей части – с музыкальными инструментами: скрипками, гитарами и мандолинами. Они будут оставаться излюбленным сюжетом Брака на протяжении всей его художественной карьеры.
В этот период из картин Брака постепенно уходит фигуративность. Художник разбивает предметы на фрагменты, которые затем «вмешивает» в фон, как будто прячет их среди остальных элементов полотна, превращая их в части паззла. Но до зрелой кубистической беспредметности еще далеко. Упрощая формы, Брак при этом сохраняет объекты безошибочно узнаваемыми, с поразительной точностью, мастерством и изяществом прописывая отдельные элементы. К примеру, очертания скрипки мы видим сразу, но только при ближайшем рассмотрении становится очевидным, насколько подробно Брак воспроизвел ее устройство.
Приглушенные цвета позволяют художнику так выстраивать игру света и тени, что при перемещении взгляда по поверхности полотна или просто внимательном разглядывании начинает казаться, что некоторые элементы картины движутся или сливаются с другими.
#ЖоржБрак #Натюрморт #Кубизм
@pic_history
"Карнавальная сцена, площадь Согласия"
1834 г.
Эжен-Луи Лами
Музей Карнавале, Париж.
@pic_history
"Вечернее платье"
1954 г.
Рене Магритт
«Вечернее платье» – одна из наиболее поэтичных работ Рене Магритта. Обнаженная девушка с длинными распущенными волосами, бесконечная водная гладь, юный месяц в ночном небе – у бельгийского художника не так уж много картин с настолько романтичным сюжетом. И название ей под стать: «нет лучшего наряда на вечер для красивой женщины, чем полная нагота», – словно заявляет художник.
@pic_history
Увлекаетесь фотографией?
Хотите научиться профессиональной фотосъемке и вырастить полноценный бизнес из фотохобби?
Делимся с вами каналом Ольги Шумиловой, талантливого фотографа с более чем 14-летним опытом работы.
Ольга входит в ТОП-50 лучших фотографов Санкт-Петербурга 🏆
На своем канале «Боже, храни фотографию» каждую неделю Ольга проводит фоточеллендж - это отличная возможность прокачать навыки в фотосъемке и получить ценные 🎁, а так же вдохновение и поддержку профессионального фотографа 🙌
Подписывайтесь на канал "Боже, храни фотографию" и станьте частью сообщества фотографов.
Не ограничивайте свои творческие амбиции! Сделайте свою жизнь яркой и финансово свободной, реализуя себя в фотографии.📸
500 лет человечество билось над загадкой: что курил Иероним Босх? И вот тайна наконец раскрыта! Американский журналист и писатель Сарториус Топфер выпустил книгу, основанную на средневековой рукописи — записках основателя братства Небесного Иерусалима Святого Иоанна Разбойного — монаха Сарториуса. Старинный манускрипт хранился в семье Топферов и передавался из поколения в поколение как священная реликвия. Но лишь С. Топфер решился опубликовать содержимое рукописи и обнародовать записи современника Иеронима Босха, лично с ним знакомого. Он провел исследование подлинности документа и в 2015 опубликовал книгу, основанную на материалах старинного манускрипта. В ней он описал жизнь жителей Хертогенбоса и близлежащих городов в конце 15 века без прикрас, без аллегорий и возвышенных сравнений. Ту среду, в которой варился и творил великий живописец и из которой он черпал вдохновение. На многое теперь у нас открываются глаза, и становятся понятны казавшиеся непостижимыми раньше вещи и образы.
Книга «Призраки Иеронима Босха» сразу же стала сенсацией и привлекла внимание ученых и обычных людей, влюбленных в творчество мастера. Она была переведена на шесть языков.
И впервые, в июле 2023 года, выйдет на русском языке в издательстве "Феникс".
Предзаказ уже можно оформить по ссылке 👈🏻
"Балерина в голове смерти"
1939 г.
Сальвадор Дали
Сальвадор Дали прославился как один из величайших интерпретаторов реальности. «Балерина в голове смерти» («Балерина в черепе») – один из наиболее известных примеров «параноидально-критического метода», который художник разработал в начале 1930-х годов. Аспект паранойи, интересовавший Дали, заключается в способности мозга объединять вещи, которые рационально не связаны.
@pic_history
Пётр находит монету в рыбе (Паром в Антверпен)
1620-е
Якоб Йорданс
Национальная галерея Дании, Копенгаген.
@pic_history
По следам великих
Художественный критик Эндрю Грэм-Диксон писал, что формы спящей девушки выполнены по образцу знаменитой микеланджеловской статуи «Ночь» на гробнице Медичи во Флоренции. Именно это произведение Лейтон считал величайшим среди всего европейского искусства.
Спящая девушка Лейтона также закинула руку к волосам, и ее локоть образует острый угол. Остроте локтя вторит колено, практически прижатое к подбородку. В отличии от «Ночи», девушка развернута как ее зеркальное отражение, и она не обнажена, а одета в прозрачную, струящуюся, как языки пламени тунику.
Работа над позой модели доставила Лейтону некоторые сложности. С особенным трудом ему далась левая рука девушки. Не менее пяти эскизов ушло на то, чтобы все детали гармонично взаимодействовали, и модель на холсте, наконец, приняла бы нужное положение. Любопытно, что на четырех из пяти предварительных набросков девушка предстает обнаженной, и лишь на последнем мастер «драпирует» натурщицу. Скорее всего Лейтон с помощью обнаженной натуры старался добиться максимально точности в передаче замысловатой, но при этом непринужденной позы.
«Жизнь — это сон»
Тема сна будоражила художников многие столетия и особенно раскрылась в Викторианскую эпоху. Сну, а особенно девичьему сну, придавали особый романтизм и привлекательность. Изображения спящих девушек встречались практически у каждого художника того времени, будь то Спящая Красавица или дремлющая Ариадна. Но только Лейтону удалось запечатлеть сон так, что он стал узнаваем каждым, вложить в него все свое понимание современного искусства и работ старых мастеров, совместить математическую точность и лирическую гармонию.
В углу полотна, на балюстраде цветет олеандр — ядовитое растение с красивыми яркими цветами. Возможно оно обозначает тонкую невидимую для человека грань между сном и смертью. На фоне бурлящего потока тончайшей ткани, ярких, горящих цветов июньского заката, лицо девушки поражает своим олимпийским спокойствием, скульптурностью и отточенностью.
За образом спящей в пылающем закате и в огненной тунике девушки стоит реальная женщина. Это может быть Дороти Дене или Мэри Ллойд — две любимые натурщицы Лейтона, но исследователи пока не определили кому из них принадлежит лицо героини.
От первого владельца до наших дней
У картины долгая история, не всегда соответствующая ее значимости и красоте. Первым владельцем полотна был журнал «The Graphic», который приобрел ее у Лейтона для создания качественной копии в качестве Рождественского подарка. В 1900-х годах оно было отдано на хранение в музей Эшмола в Оксфорде. После этого картина пропадает из виду. Только в начале 1960-х ее нашли в одном из домов в Лондоне, спрятанную в дымоходе. Затем Ллойд-Уэббер — будущий английский композитор увидел ее в одном из магазинов и принялся умолять свою бабушку купить ее. Но бабушка оказалась весьма прогрессивных взглядов и была непреклонна: «в моей квартире не будет Викторианского барахла» - заявила она.
Дальше картина оказалась в галерее Маас, где ее страстно пожелал приобрести Луис Ферре — промышленник из Пуэрто-Рико, занимавшийся закупкой произведений искусства для Музея искусства Понсэ, который он сам же и основал. Он предложил 2000 фунтов за полотно. Сын промышленника позже рассказывал, что Луис Ферре в ночь перед заключением сделки не мог уснуть из-за волнения, боясь, что покупка может не состояться. Однако, все прошло гладко, и «Пылающий июнь» Лейтона отправился в Пуэрто-Рико, где был выставлен на всеобщее обозрение.
В 1990-е годы интерес к Викторианскому искусству значительно возрос, и картина путешествовала по всему миру, участвуя в выставках. В 2017 году «Пылающий июнь» впервые за 85 лет оказался снова в том месте, где был написан автором: в доме-музее Лейтона в Лондоне.
@pic_history
#Лейтон #Академизм #Портрет
"Лунная ночь на Босфоре"
1894 г.
Иван Константинович Айвазовский
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
@pic_history
"Белые кувшинки"
1899 г.
Клод Моне
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
👀 Смотреть в высоком качестве
@pic_history
Цундоку – японское слово, состоящее из двух иероглифов: «укладка» и «чтение».
Термин обозначает книги, которые подготовлены для будущего чтения, но, скорее всего, никогда не будут прочитаны.
Людям свойственно покупать книги, чтение которых откладывается «в долгий ящик». Порой мы покупаем столько книг, сколько физически не сможем прочитать (даже за всю жизнь). Это и есть «цундоку»!
Если непрочитанные книги давят на вас – самое время разобрать полки и освободить пространство для чего-то нового.
Ненужные, лишние и прочитанные книги можно передать проекту Re:Books – возможно, ваша книга будет востребована в сельских библиотеках и изменит чью-то жизнь к лучшему!
Найдите ближайший контейнер для сдачи книг или закажите вывоз из дома на re-books.ru/where_to_share. За 4 года мы отправили более 45 тысяч книг в сельские библиотеки по всей России. Подписывайтесь на тг канал проекта, где мы рассказываем о том, что жить экологично и осознанно с минимальными усилиями может каждый.
«Цундоку» – это про вас?
Канал культурных моментов с анимационной составляющей. Семён Дыня и его коллеги из ЖАПО " Мир" представляют Вам новый путь в мир искусства.
Читать полностью…
"Художник и его невеста"
1980 г.
Марк Захарович Шагал
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
👀 Смотреть в высоком качестве
@pic_history
Сегодня расскажем о группе Divole, ребята играют в стилях electronic/darkwave/industrial. Томный женский вокал и глубокий агрессивный звук с энергичным ритмом звучат колоритно!
Если вам не чужды эксперименты, и вы хотите расширить кругозор - смело советуем ознакомиться с творчеством группы!
Присоединяйтесь @divolemusic
Картинные галереи прекрасны! Но ещё круче, когда в них есть гиды и экскурсии.
Наши друзья — не сотрудники галереи, но запустили весьма необычный исторический научно-популярный канал с визуальным нейросетевым сопровождением (кстати, это тот случай, когда мы сами подписались на канал Утиное Мнение 😉)
"Скрипка и палитра"
1909 г.
Жорж Брак
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк.
@pic_history
Если в подавляющем большинстве своих работ он стремится удивить зрителя, создать парадоксальный образ или вовсе поставить в тупик отсутствием видимой связи между изображением и названием произведения, то в случае с «Вечерним платьем» все довольно прозрачно. Магритт создает мечтательную атмосферу, побуждающую погрузиться в мгновения прошлого: то ли вспомнить полуночные купания в наряде из лунного света на заре юности, то ли вызвать из памяти видения первой любви.
Этот образ также может быть авторской интерпретацией богини Дианы – покровительницы плодородия, охоты, флоры и фауны в римской мифологии. Поскольку она также является олицетворением Луны, то ее принято изображать с полумесяцем на голове – чаще всего, в виде украшения в волосах.
В 1954 – 56 годах художник создал несколько картин с похожей композицией: с некой фигурой в центре и молодым месяцем, расположенной строго над ней. Картина «Шедевр, или тайны горизонта» (1955) нарушает симметричную закономерность этой серии: на ней человек в котелке изображен трижды – со спины, в профиль и в четверть оборота, причем над каждой из версий красуется по серпу луны.
В письме своему другу, бельгийскому поэту-сюрреалисту Полю Колине, Магритт вспоминает обстоятельства, при которых ему пришла в голову эта полуночная композиция. Он пишет об этом в контексте размышлений о природе гениальности, утверждая, что она заключается не в том, чтобы создавать блестящие идеи, а в том, чтобы уметь их распознать. «К примеру, была у меня идея, великолепие которой не осознавал ни я, ни ты, когда год или два назад, я обратил внимание, что луна в определенных положениях находится точно над дымовой трубой или деревом, – писал Магритт. – Тогда мы посчитали это «забавным», «поразительным», но малоинтересным. Благодаря новым картинам «Небесные девушки», «Вечернее платье», «Учитель» и «Шедевр» мы теперь можем показать гениальность, если осознаем, что «забавная» идея на самом деле великолепна».
Не факт, что привлекательность картины «Ночное платье» заключается именно в точном расположении луны над головой девушки, но взгляд она, несомненно, притягивает надолго.
#РенеМагритт #Сюрреализм
@pic_history
👌ВСЁ По ГОСТУ!
(Аппетитно и просто).
🥘 Самые правильные и самые вкусные рецепты из советских кулинарных книг, которые переписывали все наши мамы и бабушки.
Те самые котлеты с картофельным пюре, гуляш с макаронами, солянка и окрошка, творожная запеканка и многие другие рецепты из детства вы найдете на канале СОВЕТСКАЯ КУХНЯ!
👉 /channel/sovetskaya_kuxnya
"Сэр Кенельм Дигби"
1630-е
Антонис ван Дейк
Королевские музеи Гринвича, Лондон.
@pic_history
Свою идею он описал как «спонтанный метод иррационального знания, основанный на критической и систематической объективности ассоциаций и интерпретации бредовых феноменов». При создании произведения искусства эта техника «использует активные процессы разума для визуализации образов и включения их в конечное творение». Один из результатов такой работы – двойное или множественное изображение, неоднозначность которого может трактоваться по-разному. Этот метод Дали разработал в надежде произвести впечатление на своего кумира Зигмунда Фрейда.
В «Балерине в голове смерти» Дали использовал монохроматическую цветовую схему. Череп и девушка написаны серым и бледно-жёлтым цветами на чёрном фоне с чёрными же элементами. Единственный акцент – красный цветок на голове героини. В картине нет резких граней или геометрических форм, все линии и формы органичны.
Череп занимает основное пространство – от самого верха и как бы выходя за раму внизу. Балерина находится перед ним, но кажется, будто обе фигуры слились в единый объект. Пачка танцовщицы принимает форму зубов, руки сведены над головой, и пустое пространство между ними похоже на глазницы. Две большие трещины на груди девушки похожи на нос черепа. Взгляд зрителя фокусируется на ярко-красном цветке и оттуда движется вниз по линиям тела.
Картина, принадлежащая коллекции фармацевтической компании Merz, датирована 1932 годом (со знаком вопроса). Однако доподлинно известно, что художник написал её в 1939-м. К теме черепа он вернулся два года спустя – в сцене «Лицо войны».
@pic_history
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Привет, я кот! У меня на канале много забавных картинок про мою жизнь. Заходи в гости! Мяу!!! /channel/stickercat21
Читать полностью…
Хочешь стабильную работу на фрилансе, а хороший доход только в сфере IT? Но программирование и учеба длиною в год тебя пугает?😏
На самом деле, в IT более 50 направлений. И каждая может выбрать своё. Потому что, IT - это не только кодинг и скука 🤗 Оно может быть очень "вкусным" и творческим.
No-code разработка стала одной из самых популярных точек входа в IT на фрилансе для девушек. Тут нет программирования и долгого обучения. Зато есть доля творчества для самовыражения, свободное время на себя или семью. А освоить no-code конструкторы можно просто и быстро, даже не зная математики вообще.
Про no-code, полезные нейросети и как получить первый доход на фрилансе рассказывает в своем блоге Алиса Курц, программистка, IT-блогерка и основательница школы IT-профессий для девушек. Здесь все про карьеру в IT и работу на фрилансе - простым языком, с душой и любовью к своему делу💛
Переходи, подписывайся.
Сообщество “Алиса про фриланс” бесплатно для тебя.
"Пылающий июнь"
1895 г.
Сэр Фредерик Лейтон
Музей искусств Понсе.
На создание самого знаменитого полотна Лейтона вдохновила его модель, которая однажды просто уснула в мастерской. Художника поразила гибкость тела, и та замысловатая поза, которую приняла девушка, при этом не испытывая дискомфорта.
@pic_history
О деревне Живерни не знал в конце XIX века почти никто. Только сами жители да их соседи из ближайших сел. В ней проживали чуть больше 300 человек, была одна школа и несколько кабаков. Сегодня это место-легенда, город-достопримечательность, принимающий тысячи туристов и поклонников одного-единственного художника-садовода, превратившего эту деревеньку в художественную Мекку.
Этот дом с розовой штукатуркой и серыми ставнями Клод Моне искал долго: отправлялся на несколько дней в путешествие вдоль Сены, заглядывал в ресторанчики и интересовался у местных, не сдает ли кто большой дом поблизости. А дом нужен был очень большой. Первая жена Моне к тому времени умерла, оставив Клоду двоих сыновей и право строить свою жизнь дальше. Алиса еще женой не была, но шестеро ее детей от первого брака уже называли художника «папа Моне».
Через несколько лет художник выкупил дом и остался здесь уже до конца жизни, вырубил огромное окно в мастерской, расчистил ригу. Соседи посмеивались: «Цветы сажаешь? Что ты с них взять-то сможешь? Чудаки эти городские». Но Моне еще никогда не был так восторженно одержим и так сладко счастлив: он вырубил кипарисовые аллеи и засадил двор розами, он покупает книги и журналы для садоводов, переписывается с питомниками, друзья привозят ему со всего мира редкие растения и саженцы. Когда этот сумасшедший решил выкупить соседний участок, сплошное болото, жители Живерни уже ничему не удивлялись.
В ближайшие 30 лет Клоду Моне будет чем заняться. Он осушит болото и на его месте создаст пруд, со временем здесь разрастется сказочный сад, о котором до сих пор пишут подробные статьи ландшафтные дизайнеры. Плакучие ивы, глициния, рододендроны, бамбук, розы, и, конечно, знаменитые водяные лилии, заказанные из Японии. Уезжая в длительные путешествия за мотивами и вдохновением, Моне не мог спать и работать, если вдруг ударяли неожиданные морозы, он каждый день напоминает в письмах родным укрыть розы, по-настоящему мучится, когда сад страдает от пыли, холода, неповоротливых посетителей.
Японский мостик в своем водном саду Клод Моне написал больше 20 раз: сначала он залит светом, он сказочно-завораживающий, позже слепнущий художник почти не различает цветов, краски на палитре разложены по порядку, чтоб можно было нащупать нужную – и японский мостик то погружается в голубоватую дымку, то загорается осенне-багряным пламенем или тонет в напряженных тенях. Но в любое время этот водный мир все так же наполнен жизнью и заманчив, по мостику Моне всегда сладко, страшно и жутко интересно бы пойти – вход на него видим, а выход за пределами картины. Философ Николай Александров прогулялся с линейкой и циркулем по мостику Моне и обнаружил, что это прямой путь к новому, современному, искусству: «Это и есть основной мотив модерна: мир в отсутствие человека живет своей таинственной и собственной жизнью, а при людях только прикидывается нейтральным».
От мира искусственного, человеческого, здесь только мостик. Но и он, если рассмотреть поближе, просто чистый загрунтованный холст, пробел в живом.
@pic_history
#КлодМоне #Импрессионизм
В это непростое время нам всем нужно заряжаться красотой, посмотрите какие картины пишет художница Наталья Сюзева, больше картин в её профиле @artsyuzeva
Читать полностью…