2908
mus-col.com VK.com/sobraniemuseum
Лекция «Последняя дуэль А.С. Пушкина: миф и реальность»
14 мая в 18:00 в рамках выставки «По следам Печорина» пройдет лекция Павла Сергеевича Глушкова «Последняя дуэль А.С. Пушкина: миф и реальность».
Выставка «По следам Печорина» посвящена кавказским путешествиям А.С. Грибоедова, А.С. Пушкина и М.Ю. Лермонтова. Каждый из этих писателей принадлежал эпохе, в которой честь нередко защищали с оружием в руках. Дуэль выступала не только популярным литературным мотивом, но и распространенной повседневной практикой, понятной каждому современнику и почти немыслимой для нас сегодня. На лекции мы постараемся преодолеть эту историческую дистанцию и подробно рассмотрим один из самых известных и трагических эпизодов отечественной культуры – последний поединок Пушкина. Что в действительности произошло на Черной речке? Сколько шагов разделяло противников? Какие пистолеты были выбраны? Почему ранение оказалось смертельным? Можно ли было спасти поэта с точки зрения медицины?
На лекции П.С Глушкова история пушкинской дуэли будет восстановлена буквально по минутам от подготовки к поединку до последних дней жизни поэта. Слушатели узнают о бытовых и исторических деталях, медицинских нюансах, особенностях лечения, а также увидят, как за романтической легендой проступает жестокая реальность XIX века.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
Посещение лекции с детьми младше 6 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Лекция проводится в лектории музея на минус первом этаже. Продолжительность 60 минут.
Гризайль: искусство тени и объёма
В новом выпуске рубрики «Слово месяца» – рассказ о технике, виртуозно стирающей грань между живописью и скульптурой. Гризайль (от франц. gris – серый) – это искусство монохрома. С его помощью художник создает изображение в оттенках одного цвета, делая ставку не на палитру, а на пластику и объем.
Раньше каноном считались серые и коричневые тона (сепия), но современное искусство сняло эти ограничения – сегодня гризайль может быть любого цвета. В отличие от классической живописи, здесь главную роль играют тональные переходы и игра светотени. Главная магия гризайля – в иллюзии: мастерски выполненная работа безупречно имитирует скульптурный рельеф, превращая плоский холст в объемное изваяние. В декоративном контексте техника гризайль позволяла художнику создать эффект лепнины или резного камня без затрат на скульптуру и при этом добиться строгой, монументальной выразительности. Техника стимулирует тонкое управление переходами свет-тень, аккуратность штриха и продуманную композицию. В живописи используются серые и близкие по тону пигменты, а композиция строится через постепенные переходы света и тени. В рисунке и графике приём реализуется через штрих, растушёвку и работу с бумажным тональным фоном. В эмали гризайль приобретает особую сложность: здесь монохромная живопись ведётся по непрозрачной или тёмной основе с послойным обжигом, где белые и серые тона накладываются и фиксируются при высокой температуре.
Приглашаем вас зайти на сайт музея «Собрание» в раздел «Декоративно прикладное искусство», чтобы детально рассмотреть примеры этой техники.
Альбом с изображениями предметов коллекции, при декорировании которых использовалась техника гризайль, размещен в Фотогалерее музея.
https://mus-col.com/events/41920/
«Мир. Труд. Май» – формула весны
Сегодня девиз «Мир, Труд, Май» – это не просто дань истории, а общее весеннее настроение, это формула весеннего праздника. В ней чистое небо, радость созидания и бодрый ритм обновления. Сегодня эта традиция оживает в энергии солнечного утра и той искренней солидарности, что превращает личные стремления в мощный поток общей жизни. Когда работа спорится, а на душе легко, каждый наш успех становится частью весеннего преображения страны.
Символом этого созидательного духа десятилетиями остается песня «Москва майская»*. Её история – пример удивительного творческого резонанса. Написанная в 1937 году для фильма «Двадцатый май», она быстро переросла рамки киноэкрана. Изначально композиция называлась просто «Москва», но вскоре обрела свое нынешнее имя, став всенародным хитом.
В основе успеха песни лежит уникальный стиль братьев-композиторов Покрасс. Дмитрий, экспрессивный и порывистый, и Даниил, вдумчивый и спокойный, работали над ней в разных комнатах: один сочинил лирический запев, а другой – энергичный маршевый припев. Этот контраст характеров позволил создать идеальный баланс между душевностью и праздничной бодростью. Поэт Василий Лебедев-Кумач подобрал настолько точные слова, что песня мгновенно стала гимном первомайских торжеств. Несмотря на небольшие правки текста в 1950-х годах, её главный посыл остался неизменным: это гимн радости, весне и любви к родной земле.
Пусть этот праздник наполнит вас вдохновением и верой в свои силы. С праздником Весны и Труда!
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6209
Магия механики: «Танцор кекуока»
29 апреля отмечается Международный день танца — праздник, напоминающий о богатстве хореографических традиций и их культурном значении. Среди них особое место занимает кекуок (cakewalk) — танец, в котором соединились ирония, ритм и социальный подтекст.
Возникший в середине XIX века в афроамериканской среде, кекуок изначально был тонкой сатирой: исполнители пародировали манеры и жесты белой элиты, превращая танец в остроумный комментарий к общественным различиям. Со временем эта форма народного самовыражения вышла за пределы локальной культуры и стала ярким сценическим явлением. Его характерная пластика — подчеркнутая грациозность, эксцентричные движения и синкопированные ритмы — повлияла на развитие рэгтайма, джаза и популярной музыки.
К началу XX века кекуок стремительно распространился по Европе и стал модным танцем на сценах и в салонах. Он оказался настолько выразительным, что привлек внимание композиторов: Клод Дебюсси включил его в свою сюиту «Детский уголок», а Игорь Стравинский — в «Историю солдата».
Отголоски этой культурной волны сохранились и в механических музыкальных инструментах той эпохи. В коллекции музея «Собрание» представлен редкий автоматон «Танцор кекуока», созданный в 1910 году французской фирмой Roullet & Decamps. Сложная система рычагов и приводов позволяет фигурке точно воспроизводить характерные «подпрыгивающие» шаги и выразительные наклоны, а встроенный музыкальный механизм исполняет популярную мелодию своего времени.
Этот экспонат — не просто техническое устройство, а своеобразная «память эпохи», в которой движение, музыка и инженерное мастерство объединяются в единое художественное высказывание.
Увидеть автоматон в действии и услышать звучание начала XX века можно во время экскурсий по музею «Собрание».
Вышел апрельский номер журнала «Мир музея» № 4 (464), посвящённый теме «Человек и машина».
В новом выпуске опубликована статья искусствоведа музея «Собрание» Ильи Малахова «Механическая жизнь», в которой рассказывается об автоматонах — удивительных механических «андроидах» прошлого, предшественниках современных роботов, в том числе из нашей коллекции.
https://vk.ru/wall-210904107_6036
https://мирмузея.рф/ci/tpost/hxj5vzhr51-mir-muzeya-4-464-2026
Лекция «История картографии в XIX-XX веках»
В четверг 23.04.2026 в 18:00 запланировано проведение новой лекции из цикла «История картографии»* – «История картографии в XIX-XX веках» (лектор Екатерина Ефремова).
Это уже вторая лекция из цикла «История картографии», на которой мы совершим путешествие от нулевого меридиана в Гринвиче к Санкт-Петербургу и Пулковской обсерватории, поговорим об уникальных звездных каталогах и морской навигации в Российской Империи, обсудим картографические достижения XIX века, Кавказские кампании первой половины XIX века, внесшие немалый вклад в развитие картографии горных регионов Северного и Южного Кавказа XIX века, а также познакомимся с документальными фотографическими архивами музея «Собрание».
Лекция проводится в лектории музея на минус первом этаже.
Продолжительность – 60 минут.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий» или в мобильном приложении «Музей Собрание».
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Михай Зичи. Искусство реконструкции: от придворного церемониала к лермонтовским типажам
Продолжаем знакомство с выставкой «По следам Печорина», недавно открывшейся в музее «Собрание».
В этой публикации мы обращаемся к творчеству Михая Зичи — «венгерского подданного с русской душой», чья карьера при петербургском дворе охватила полвека и три императорские эпохи. Став придворным живописцем при Николае I, он превратился в летописца русской истории, сохранив облик империи в многочисленных акварелях и рисунках.
Зичи обладал редкой скоростью и точностью: в эпоху до появления репортажной фотографии он фактически выполнял её функции. При Александре II художник фиксировал как парадные события — балы, коронационные торжества, — так и частную жизнь двора. При Александре III его статус стал почти легендарным: он не только документировал происходящее, но и формировал визуальный образ эпохи, соединяя точность деталей с выразительностью художественного языка.
Особое место в творчестве Зичи занимают иллюстрации к произведениям Михаила Лермонтова. В работах 1880-х годов к роману «Герой нашего времени» Пятигорск и Кисловодск предстают с поразительной достоверностью. Художник с вниманием к деталям воссоздаёт атмосферу «водяного общества», сцены повседневной жизни и ключевые эпизоды — от дуэли до камерных встреч, передавая не только внешний облик эпохи, но и её психологическое напряжение.
Наследие Зичи представляет собой уникальное соединение исторического документа и высокого искусства. Он вошёл в историю как мастер, сумевший быть одновременно официальным хронистом императорского двора и тонким интерпретатором русской литературной классики.
В новом фотоальбоме представлены иллюстрации Михая Зичи к роману «Герой нашего времени» — одному из первых социально-психологических произведений русской литературы.
В 2025 году был издан каталог «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили», содержащий уникальные материалы о художнике и его работах. Полная онлайн-версия каталога доступна на сайте музея «Собрание».
Простыми словами о сложном: репетир Grand Sonnerie
Репетир – механическая «говорящая» способность часов. По команде или автоматически механизм отбивает прошедшее время звуком. Grande Sonnerie представляет собой высшую ступень усложнений часового боя: в этом режиме часы автоматически «звонят» каждую четверть часа и каждый час, воспроизводя последовательность ударов и часов, и четвертей. Часто механизм сочетался с ручным минутным репетиром, который по требованию воспроизводит точное время – часы, четверти и минуты.
Механизм репетира состоит из трёх основных элементов: источника звука (гонг или штифт), «контролёра» (кулачок или «улитка», определяющая число ударов) и привода – спрятанной пружины. Система считывает положение стрелок через набор передач и специальные гребёнки (rack‑and‑snail): на «улитке» выгравированы ступеньки, соответствующие часам. При срабатывании механизма гребёнка входит в сцепление с улиткой и определяет количество ударов. Гребёнка фиксирует, сколько раз молоточек должен ударить по гонгу. Для каждой четверти предусмотрена отдельная последовательность ударов, а минутный репетир добавляет отсчёт минут после последней четверти.
Ценность репетира проявляется в трёх основных аспектах. Во‑первых, это уровень инженерной мысли: множество миниатюрных деталей должно работать согласованно и надёжно. Во‑вторых, это эстетика звука: форма и качество гонгов, а также конструкция корпуса определяют тембр ударов, поэтому репетир является не только техническим, но и акустическим объектом. В‑третьих, это историческая значимость: в эпоху до широкого электрического освещения звуковое оповещение времени имело практическую ценность, позже механизмы превратились в показатель мастерства часовщика и статуса владельца.
Существуют различные режимы работы репетира. Grande Sonnerie автоматически отыгрывает и часы, и четверти, создавая сложную звуковую картину времени. Petite Sonnerie обычно отбивает только число четвертей, не повторяя полные часы. Минутный репетир по требованию воспроизводит точные часы, четверти и минуты.
История репетира восходит к XVII—XVIII векам; в XVIII—XIX веках карманные модели получили широкое распространение, а мастера, в том числе A.-L. Breguet, значительно усовершенствовали конструкцию этих часов. В XX-XXI веках крупные мануфактуры (Patek Philippe, Vacheron Constantin, A. Lange & Söhne и др.) возродили интерес к этим усложнениям, сочетая традиционные принципы с современными технологиями.
Grande Sonnerie является примером синтеза точной механики, акустики и исторической традиции: часы выполняют практическую функцию учёта времени и одновременно создают звуковой образ эпохи. Репетир сохраняет статус одного из самых сложных и почитаемых усложнений в часовом искусстве.
https://mus-col.com/events/41212/
Лекция «Этнографический жанр в творчестве Евгения Александровича Лансере»
В четверг 09.04.2026 в 18.00 запланировано проведение лекции «Этнографический жанр в творчестве Евгения Александровича Лансере» (лектор Ульяна Санитович).
В ходе лекции будут представлены вехи биографии скульптора Е.А. Лансере, одного из самых известных мастеров русской кабинетной бронзы. Основное внимание будет направлено на представление работ из коллекции музея «Собрание», относящихся к этнографическому жанру, который появился в творческой биографии мастера благодаря многочисленным путешествиям по территории Российской империи и за её пределами. Разговор о скульптурах не только продемонстрирует многогранное творчество Евгения Лансере, но и позволит узнать подробности жизни и быта изображенных героев.
Лекция проводится в лектории музея на минус 1-м этаже.
Продолжительность – 60 минут.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий»
или в мобильном приложении «Музей Собрание».
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Редкая запись: вальс Александра Грибоедова
Александр Сергеевич Грибоедов вошел в историю, прежде всего, как автор бессмертной комедии «Горе от ума», однако современники знали его и как блестящего пианиста и композитора. Современники, включая Михаила Глинку, признавали его незаурядные музыкальные способности и мастерство пианиста. Александр Сергеевич был блестяще образован, что отражалось в его глубоком понимании музыкальной гармонии. Музыка была для Грибоедова не просто хобби, а важной частью творческой натуры, дополняющей его литературный гений.
Музыка Грибоедова обладает узнаваемой интонацией – в ней сочетаются светская легкость и легкая меланхолия. До наших дней дошли только два его музыкальных произведения – два вальса (ля-бемоль мажор и ми минор), ставшие хрестоматийными примерами русской музыкальной классики того времени. Вальсы А.С. Грибоедова – ценный документ эпохи, своего рода точка отсчета для понимания того, как интерпретировали Грибоедова-музыканта в XX веке.
В нашей новой рубрике «Редкая запись» – архивная запись 1950 года: «Вальс» (ля-бемоль мажор) в переложении выдающегося альтиста и педагога Вадима Борисовского. Исполнители: Рудольф Баршай (альт) и Александр Дедюхин (фортепиано).
Тонкое, элегическое звучание альта Рудольфа Борисовича Баршая (1924-2010) придает этому фортепианному произведению глубину и особую «литературность», превращая его в музыкальный монолог, созвучный эпохе. Исполнение пианиста Александра Александровича Дедюхина (1907–1985) – это не просто аккомпанемент, а глубокое, интеллектуальное прочтение классики. А. Дедюхин умел играть удивительно тонко, оставляя достаточно пространства для солиста. Его исполнение – это, прежде всего, культура звука и умение подчеркнуть красоту мелодии, не перетягивая внимание на себя.
Редкая запись, о которой идёт речь, – живое связующее звено между литературой, которой посвящена наша выставка «По следам Печорина», и миром звуков. Как и поэтическое слово Пушкина или Лермонтова, музыка Грибоедова в этом исполнении сохраняет эталонную чистоту и искренность русской классики.
Музыкальные инструменты той эпохи, аналогичные тем, на которых мог играть сам Грибоедов, представлены в постоянной экспозиции музея «Собрание», создавая необходимый контекст для погружения в атмосферу его времени.
https://mus-col.com/events/40898/
Мстислав Ростропович: жизнь как симфония
27 марта – особая дата для всех поклонников классической музыки. Именно в этот день в 1927 году родился Мстислав Леопольдович Ростропович. Сегодня мы вспоминаем не просто великого музыканта, а человека, ставшего символом целой эпохи и большим другом учредителя музея «Собрание». Те, кому повезло знать музыканта лично, вспоминают невероятное жизнелюбие Ростроповича, его искреннюю открытость и аристократизм духа.
Мстислав Леопольдович ушел, но его «голос» – глубокий, мощный и бесконечно живой – остался с нами навсегда. Мы помним Маэстро как человека, который научил мир слышать гармонию даже в самые темные времена. Уход Маэстро оставил в мировой культуре пустоту, которую невозможно заполнить. Наследие великого музыканта продолжает звучать в каждой ноте, сыгранной его учениками, и в каждом добром деле, начатом им.
Памяти Маэстро…
Слышу голос знакомый с небес,Читать полностью…
В зеркалах дух святой без телес.
И антракт затянулся на годы,
Ты – наш символ духовной свободы!
Если можешь, нас грешных, прости!
Лучик солнца трепещет в горсти,
И играет на струнах нетленных
Гражданин всех Миров и Вселенных…
Давид Якобашвили
Открытие выставки «По следам Печорина». Фоторепортаж
На прошедшей неделе в музее «Собрание» открылась новая выставка «По следам Печорина. Книжная иллюстрация и кабинетная скульптура второй половины XIX века».
Фоторепортаж об открытии выставки – в Фотогалерее музея.
Продолжаем знакомиться с экспонатами выставки «по следам Печорина»...
На протяжении XIX столетия Кавказ являлся одним из наиболее сложных и ярких пространств Российской империи, в котором переплетались интересы государств, народов и культур. Именно здесь, в разное время и при разных обстоятельствах, путешествовали три крупнейших отечественных литератора – А.С. Грибоедов, А.С. Пушкин и М.Ю. Лермонтов. Их поездки были вызваны различными причинами: дипломатическими миссиями, военной службой, лечением на минеральных водах, дуэлями и ссылками. Все трое бывали в Тифлисе — административном и культурном центре края, а также становились непосредственными свидетелями военных кампаний, столкновений с горцами и другими эпизодами повседневной жизни региона. Кавказ сыграл важнейшую роль в формировании их художественного мировоззрения и, благодаря этому, занял особое место в русской литературе той далёкой эпохи.
Примечательно, что литературные миры, созданные великими поэтами, задали устойчивую оптику восприятия Кавказа на десятилетия вперёд: последующие поколения открывали этот край уже в диалоге с их текстами. Уже во второй половине XIX века интерес к этому региону приобрел массовый характер. По выражению В.Г. Белинского, он «сделался заветною страною не только широкой, раздольной воли, но и неисчерпаемой поэзии, страною кипучей жизни и смелых мечтаний» для целого легиона путешественников, ищущих подлинные впечатления и яркие образы.
Великие поэты также заложили основы устойчивого культурного представления о Кавказе – своеобразного «кавказского мифа», оказавшего значительное влияние на изобразительное искусство второй половины XIX века. Так, в 1880-е годы придворный живописец М. Зичи отправился туда «с целью изучить природу и типы страны для иллюстраций сочинений Лермонтова» и был поражён «необыкновенною точностью описаний» ландшафтов и зданий, где разворачивалось действие романа «Герой нашего времени». Как отмечает куратор выставки Яна Стрижевская: «Зичи первым предпринял попытку целостного и всестороннего творческого осмысления произведений Лермонтова, ранее иллюстрировавшихся лишь эпизодически. Итогом его поездки стал масштабный цикл около ста рисунков, в которых документальный подход к исторической реконструкции сочетается с яркой художественной интерпретацией бессмертного романа. Двадцать четыре наиболее изысканные композиции были изданы типографией В.А. Вацлика в формате крупного альбома "Княжна Мери”, получившего широкое признание у современников. Именно это издание стало смысловым центром нашей выставки».
В экспозиции иллюстрации Зичи дополнены кабинетными скульптурами Е.А. Лансере, В.Я. Грачёва и Ф.И. Ходоровича. Каждый из этих мастеров совершал аналогичные путешествия по местам, связанным со знаменитыми поэтами, и значительное внимание уделял созданию «кавказских типов» — изображений этнических и социальных групп местного населения. Их работы являются не столько непосредственной иллюстрацией текста, сколько новой, самостоятельной формой осмысления этого региона в визуальной культуре второй половины XIX века.
Музей «Собрание» представляет новую тематическую выставку «По следам Печорина»
Особое место в коллекции Музея «Собрание» занимают экспонаты, связанные с Грузией и соседними регионами Кавказа: картины, гравюры, рисунки, карты, ювелирные изделия и музыкальные инструменты, созданные ведущими отечественными и зарубежными мастерами XIX и XX веков.
Новая временная выставка «По следам Печорина. Книжная иллюстрация и кабинетная скульптура второй половины XIX века» продолжает цикл проектов, посвященных этим фондам музея (выставка «Любовью щедрая земля», 2022 г.; публикация каталога произведений М. Зичи, 2025), и обращается к теме кавказских путешествий А.С. Грибоедова, А.С. Пушкина и М.Ю. Лермонтова, а также отражению созданных ими произведений в изобразительном искусстве второй половины XIX века.
Экспозиция впервые объединяет иллюстрации М. Зичи к роману «Герой нашего времени» и кабинетные скульптуры Е.А. Лансере, В.Я. Грачёва и Ф.И. Ходоровича, изображающие этнические и социальные типы местного населения. Эти произведения, собранные в одном проекте, позволяют перенестись в эпоху золотого века русской литературы и отправиться в захватывающее путешествие вслед за великими писателями.
Выставка «По следам Печорина» предлагает зрителю не просто встречу с выдающимися произведениями искусства, но и путешествие по культурному пространству Кавказа, увиденному сквозь призму великой литературы. Экспозиция позволяет проследить, как литературный текст становился отправной точкой для визуального мифа, и приглашает к вдумчивому диалогу о том, каким образом искусство формирует наше представление о регионах, эпохах и народах.
По традиции, в рамках выставки музей «Собрание» готовит новую экскурсионную программу.
Запись на экскурсии на сайте музея в разделе «Контакты»
https://mus-col.com/contacts/tours.php
Черепаховый панцирь в коллекции музея «Собрание»
Черепаховый панцирь (в прикладном искусстве часто называемый «тортис», от англ. tortoiseshell) — уникальный органический материал, высоко ценившийся на протяжении веков. Уже в XVI–XIX веках его использовали для изготовления расчёсок, оправ очков, пуговиц, инкрустаций и деталей музыкальных инструментов. Тёплый янтарно-коричневый мраморный рисунок и способность к полировке сделали этот материал символом роскоши и свидетельством высокого мастерства ремесленников. Изделия из панциря часто инкрустировали золотой и серебряной проволокой, перламутром, окантовывали слоновой костью или использовали как декоративную внутреннюю облицовку.
В период расцвета моды на веера самые дорогие из них также изготавливались из черепахового панциря. Крупные роговые и черепаховые гребни, пришедшие в европейскую моду из Италии, украшались камеями, цветными камнями и сложной инкрустацией. Панцирь встречается как тёмных, так и светлых оттенков; особенно ценился светлый, который пропускает свет и приобретает золотистое сияние.
В XVI веке в Италии активно развивалось искусство инкрустации пластин черепахового панциря медью и другими металлами. В XVII столетии эта техника распространилась по Центральной Европе. Французский мастер Андре-Шарль Буль, придворный мебельщик Людовика XIV, довёл её до высочайшего уровня. В XIX веке интерес к изделиям из панциря пережил новое возрождение, а в начале XX века вновь вошёл в моду, что привело и к появлению многочисленных имитаций из рога и других материалов.
Эстетическая ценность панциря заключается в глубине оттенков, природной вариативности узора и мягком блеске, который трудно воспроизвести искусственно. Полупрозрачные пластинки создают эффект «живого» материала, усиливая ощущение уникальности предмета. В декоративном искусстве панцирь часто ассоциировался с утончённостью, экзотикой и высоким статусом владельца.
Материал хорошо режется, шлифуется и полируется, что делает его удобным для тонкой декоративной обработки и инкрустации. При этом он достаточно хрупок и чувствителен к нагреву и воздействию растворителей.
Сегодня использование черепахового панциря ограничено этическими и правовыми нормами, поэтому в художественных практиках всё чаще применяются имитации и экологичные материалы, позволяющие сохранять традиции декоративного искусства.
В коллекции музея «Собрание» представлены предметы, изготовленные с использованием черепахового панциря или украшенные этим материалом. Некоторые из них можно увидеть в новом фотоальбоме музея.
https://mus-col.com/gallery/list.php?section=7342
Поздравление с весенним праздником от основателя музея «Собрание»
«Весна – время больших надежд и светлых ожиданий. Пусть это время года подарит вам радость новых встреч и ярких эмоций!
С весенним праздником вас поздравляет основатель музея «Собрание» Давид Якобашвили»:
Мой тост за женский эксклюзив!
За дней весенних позитив,
За флирт, за ум, за ослепительность,
За страсть, за умопомрачительность!
За безусловную божественность,
За красоту и за ответственность!
За стиль и за неподражаемость,
За эффективность и рождаемость!
За стройность и за деловитость,
За гибкость и за многоликость!
За нежность и за соблазнительность,
За ласковость и удивительность!
За Вас, как за оплот семьи,
За Март, за торжество любви!
Скульпторы Победы: монументальное наследие в коллекции музея «Собрание»
Шесть лет назад, К 75-летию Великой Победы, музей «Собрание» представил онлайн-выставку советской скульптуры 1940-х–1960-х годов. В экспозицию вошли работы титанов отечественного монументализма: Е.В. Вучетича, А.В. Грубе, С.С. Андрейченко, В.И. Агибалова и В.И. Мухина. Сегодня эти имена редко мелькают в актуальной арт-повестке. В эпоху скоротечного цифрового контента и «инстаграм-креатива» произведения советского монументального стиля часто остаются в тени, незаслуженно лишенные внимания публики. Однако за строгими формами скрываются живые судьбы: почти все авторы выставки – фронтовики, «опаленные войной» летописцы, видевшие трагедию и триумф своими глазами.
Мы стремимся вернуть эти имена в современный культурный контекст и рассказать подлинные истории создания знаковых мемориалов страны. То, что запечатлено мастерами в бронзе и гипсе – это не просто памятники, а осязаемая память народа, переданная через личные эмоции и правду очевидцев.
Детали и интересные факты биографий мастеров, истории создания монументов, аудио подборки песен военных лет – на сайте музея «Собрание».
https://mus-col.com/exhibition/9-may/Читать полностью…
К 180-летию Эмиля Галле: мировое наследие мастера в музее «Собрание»
Вазами Эмиля Галле можно любоваться бесконечно. Его творчество – идеальный пример того, как первозданная природа формирует воображение мастера. В мире, который с каждым днем становится все более технологичным, художнику трудно найти источник вдохновения более величественный, чем живой мир. От нежного лепестка до мощного взмаха крыла – природа дарит образы, которые Галле превращал в шедевры декоративного искусства.
Сегодня музей «Собрание» является одним из главных хранителей этого наследия. Благодаря многолетней собирательской деятельности основателя музея Давида Якобашвили, нам удалось сформировать одну из крупнейших и наиболее репрезентативных коллекций произведений Эмиля Галле в мире. Цифры говорят сами за себя: в фондах музея «Собрание» хранится более 3000 работ мастера, охватывающих все этапы его творчества, стили и сложнейшие техники. Для сравнения: в знаменитом Музее школы Нанси (Франция) представлено около 450 работ, а в парижском Музее декоративного искусства – лишь несколько десятков.
Этот колоссальный объем позволяет исследователям и ценителям искусства увидеть полный творческий путь реформатора художественного стеклоделия в одном месте.
Мы стремимся сделать это богатство доступным для каждого и предлагаем погрузиться в мир Галле, используя медиа-ресурсы музея.
«Баллада о стекле»: К 175-летнему юбилею мастера музей представил камерную выставку, посвященную одному из его знаковых шедевров – ликерному сервизу в готическом стиле. В разделе «Прогулки по музею» доступен видеогид по этой экспозиции.
Видеоролик об Эмиле Галле: обзорный материал о жизни и творческих методах реформатора художественного стеклоделия представлен в нашем Видеоархиве.
Керамические работы мастера не менее уникальны, чем его знаменитое стекло. Представляем цикл видео «Керамика Эмиля Галле», знакомящий с безупречными предметами из фондов музея. Цикл разделен на три тематические части: «Пейзажи», «Анималистика», «Геральдика»
В разделе «Печатные материалы» вы можете скачать альбом для раскрашивания. Это отличная возможность изучить «флоральный стиль» (или «стиль Галле»), который стал визитной карточкой эпохи модерна.
Познакомиться с уникальными предметами, созданными мастером, можно в разделе коллекции «Западноевропейское стекло и керамика», а узнать больше о его жизни и творческом пути – в разделе «Авторы/Производители», где опубликована подробная биография Эмиля Галле.
https://mus-col.com/events/41720/
Режим работы музея в праздничные и выходные дни мая
Друзья, наступают майские праздники.
Информируем вас, что 1 и 9 мая музей не работает.
Астрономия, время, часовое искусство: «Астрономия в часовом деле»
В четверг 30.04.2026 в 18:00 в музее «Собрание» запланировано проведение первой лекции «Астрономия в часовом деле» из цикла «Астрономия, время, часовое искусство»*.
Астрономические наблюдения невозможны без точного времени. Одновременно с этим и точное время невозможно без астрономии. Отсылки к науке о звёздах можно встретить в работах знаменитых часовщиков всех времён. На лекции разберёмся, что такое лунные календари и зодиакальные созвездия и как их реализовывали в своих произведениях мастера часовщики, как сегодня астрономы понимают термин «созвездие», и как именно происходит движение звёзд, планет и Солнца для наблюдателей с Земли.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
Посещение лекции с детьми младше 6 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Лекция проводится в лектории музея на минус первом этаже. Продолжительность 60 минут.
Гений вне времени: 135 лет со дня рождения Сергея Прокофьева
Сергей Прокофьев всегда был на шаг впереди своей эпохи. Его творчество – это не скучная классика из учебников, а живой поток энергии, в котором дерзкий ритм встречается с невероятной мелодией. Даже в наше время его музыка сохраняет свою пронзительную остроту и свежесть, оставаясь актуальной для слушателей XXI века.
Обладая уникальным даром видеть звук в движении, Прокофьев создавал произведения, ставшие культурным кодом многих поколений.
Среди огромного наследия композитора особое место занимают его монументальные полотна, где музыка буквально дышит историей. Самым ярким воплощением национального духа и мощи стала кантата «Александр Невский». Выросшая из музыки к фильму Сергея Эйзенштейна, она превратилась в самостоятельный шедевр, где Прокофьев выступил как настоящий музыкальный драматург.
В этом произведении композитор отказался от простой стилизации под старину, наполнив его живой энергией. Зрители и сегодня замирают при звуках призывного хора «Вставайте, люди русские!», а сцена Ледового побоища признана эталоном батальной музыки, где каждый такт передает лязг доспехов и суровое дыхание русской зимы. Работа над кантатой показала миру подлинного Сергея Прокофьева – художника, способного соединить авангардную смелость с глубинной народной эпичностью.
Сегодня, отмечая 135-летие великого мастера, мы понимаем: творчество Прокофьева – это вечно молодая стихия, которая и в наши дни резонирует с ритмом жизни, продолжая вдохновлять и побеждать время.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=4924
Узоры судьбы: восточный ковер в пространстве выставки «По следам Печорина»
Восточный ковер – это не просто предмет декора, а тканое откровение, где сакральные смыслы переплетаются с символами власти и признания. В культуре Кавказа и Востока он служил своеобразным «паспортом» владельца: сложность орнамента и качество шерсти прямо указывали на благосостояние и общественное положение семьи. Символическая роль ковра многогранна:
– модель мироздания: центр ковра (медальон) символизирует солнце или начало жизни, а бордюры – границы земного и духовного миров;
– защитный оберег: древние орнаменты (гюли, ромбы, стилизованные животные) выполняли роль оберегов, защищающих дом от сглаза и приносящих удачу;
– пространство гостеприимства: расстеленный ковер мгновенно превращал любое место – от шатра кочевника до залы ресторации – в зону доверия и почета.
В контексте выставки «По следам Печорина» ковер подчеркивает ориентальный колорит эпохи, становясь немым свидетелем эпохи и сурового горского быта. Он служит визуальным мостиком между миром кавказской аристократии и офицерским бытом главного героя. В интерьерах той эпохи ковер становился ключевым декоративным акцентом, воплощавшим суровый дух приграничья и мятежный романтизм «Героя нашего времени».
Редкий килим, созданный в 1890–1920-х годах и предоставленный галереей Евгения Шутко «Atelier CHOUTKO», сегодня можно увидеть в экспозиции новой временной выставки «По следам Печорина».
Музей «Собрание» выражает глубокую признательность Евгению Шутко и галереe Atelier CHOUTKO за предоставление уникального экспоната, ставшего одним из смысловых центров выставки «По следам Печорина».
http://choutko.com/
https://share.google/Qo2z4PQ7jwL2tR76l
Анонс: лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы»
Лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы» состоится в четверг 16.04.2026 в 18:00.
Лекция посвящена истории занимательных механизмов. Мы поговорим о «золотом веке» механики, выдающихся изобретателях и их творениях. В ходе лекции будут демонстрироваться видеоролики, а также заводиться предметы из коллекции кукол-автоматонов, представленные в экспозиции музея.
Для тех, кого заинтересует тема уникальных механизмов, и тех, кто захочет подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, представленной в разделе «Занимательные автоматоны» музея «Собрание», в разделе «Лекторий» открыта предварительная запись на лекцию.
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя оформляется отдельная заявка.
Лекция проходит в лектории музея на минус первом этаже.
Продолжительность лекции 60 минут.
Камнерезное искусство на Урале: от первого минерала до международного признания
Камнерезное ремесло на Урале представляет собой отдельное направление в русской декоративно‑прикладной традиции, где богатство местных минералов — агат, яшма, малахит, сердолик и др. – служило материалом не только для ремесленной продукции, но и для настоящего художественного творчества. Возникшее в условиях активной горной разработки, уральское камнерезное искусство с XIX века сочетало техническое мастерство и местную эстетику, породив ряд характерных приёмов и типов изделий. Урал давал разнородный набор камней – от полупрозрачных агатов до плотных пород с интересной текстурой; умелая резьба, шлифовка и полировка превращали природные прожилки, полосы и цветовые переходы в декоративные мотивы.
Камнерезы работали как с цельными пластинами и глыбами (из которых вырубали таблички, чаши, фамильные медальоны), так и с мелкими элементами. Часто применялись приёмы интарсии — художественной мозаики из кусочков разного камня – и полихромной резьбы, где контрасты цветов материала использовались для создания композиции. Мастера умели следовать модным канонам и, в то же время, сохранять народные декоративные наработки: орнаментальные мотивы, ассоциативные образы, символы плодородия и силы, выведенные из природной среды Урала.
В коллекции музея «Собрание» представлены работы Алексея Денисова-Уральского, Василия Липина, Екатеринбургской гранильной фабрики, относящиеся ко второй половине XIX века – времени расцвета уральской резьбы по камню. Произведения Денисова‑Уральского демонстрируют высокое мастерство в обработке полудрагоценных камней и способность сочетать тонкую резьбу с выразительной пластикой формы.
Работы Василия Липина привлекают вниманием к изящной форме и аккуратной отделке: в них заметна склонность к камерной интимности и тщательной проработке деталей.
Изделия Екатеринбургской гранильной фабрики иллюстрируют высокий промышленно‑ремесленный уровень производства: крупные чаши, панно и столешницы, обработанные с использованием различных приёмов шлифовки, интарсии и полировки, демонстрируют типичные для региона приёмы и масштаб производства.
В новом аудио рассказе Вы узнаете о том, кто стоял у истоков основания Перми и Екатеринбурга, как уральские самоцветы получили мировое признание и где в архитектуре Москвы можно увидеть редкие породы, добытые у подножия Урала.
На примере предметов, представленных в разделе «Изделия из камня» коллекции музея «Собрание», можно представить целую эпоху расцвета камнерезного дела: от первых государственных заказов Екатеринбургской гранильной фабрики до авторских шедевров Алексея Денисова-Уральского и Василия Липина, в чьих руках уральский самоцвет превращался в подлинную летопись российской истории.
Камея с изображением Императрицы Екатерины Великой. Россия, г. Екатеринбург. Середина XIX в.
Камея с изображением А.С. Пушкина. Россия, г. Екатеринбург. Середина XIX в.
Заготовка для печати «Атлант». Россия, Урал. Конец XIX - начало ХХ вв.
Шкатулка малахитовая. Гранильная мастерская В. Липина. Россия, г. Екатеринбург. 1880-1890 гг.
Пресс-папье. Россия, г. Екатеринбург. Около 1890
Слон. А.К. Денисов-Уральский. Россия, Петроград. Около 1915 г.
Братья Дом: пополнение раздела западноевропейского стекла
Сайт музея продолжает пополняться новыми экспонатами. Раздел «Западноевропейское стекло и керамика» обновлен и, в том числе, пополнен работами мануфактуры братьев Дом (Daum Frères), одного из крупнейших французских стекольных предприятий конца XIX – начала XX века. Daum Frères (мануфактура братьев Дом) – одна из ключевых французских стекольных мануфактур конца XIX – начала XX века, базировавшаяся в Нанси и тесно связанная с движением École de Nancy. Фирма сочетала техническое мастерство и художественную изобретательность, внеся существенный вклад в развитие художественного стекла и стиля ар‑нуво.
Культурно‑историческая значимость Daum заключается не только в коммерческом успехе, но и в формировании визуальной эстетики начала XX века – изделия мануфактуры служат источником сведений о вкусах, технологиях и художественных связях эпохи.
Технологическое новаторство было фундаментом деятельности Daum: мастера оттачивали приёмы многослойного стекла и камео‑травления, добиваясь рельефных цветных поверхностей путём съёмки верхних слоёв и кислотной обработки. Эти приёмы обеспечивали глубокую фактуру, мягкие цветовые переходы и эффект, близкий к миниатюрному барельефу, что сделало продукцию мануфактуры легко узнаваемой.
Фирма сохранила своё имя и профиль деятельности в XX–XXI веках, пройдя через реструктуризацию, коммерческую трансформацию и музейную институционализацию.
С Daum в разные периоды сотрудничали такие мастера и художники, как Луи Мажорель, Жорж Брак и Сальвадор Дали; в более позднее время – современные дизайнеры (Hilton McConnico, Tamara Kvesitadze и др.).
В XXI веке Daum, по-прежнему, сохраняет статус культовой марки в сегменте декоративного художественного стекла, сочетая наследие ар‑нуво с современными дизайнерскими практиками. Наследие мануфактуры активно экспонируется в региональных и международных музеях, включая Musée de l’École de Nancy и Musée des Arts Décoratifs.
https://mus-col.com/events/41040/
Лекция «Эпоха фотографии: история светописи»
В четверг 02.04.2026 в 18.00 запланировано проведение лекции «Эпоха фотографии: история светописи»
(лектор Ефремова Екатерина).
Фотография сопровождает нашу повседневную жизнь уже почти два столетия. И если сейчас фотосъёмка занимает доли секунды, то в начале ХIX века это был долгий и трудоемкий процесс. На лекции мы отправимся в путешествие во времени: начнём рассказ с начала эпохи фотографии. Обсудим направления развития фотографии и печати, существовавшие в разное время, удивимся идеям и решениям, сопровождавшим эволюцию фотографического искусства на протяжении двухсот лет.
Лекция проводится в лектории музея на минус 1-м этаже.
Продолжительность – 60 минут.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий»
или в мобильном приложении «Музей Собрание».
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Выставка «По следам Печорина»: Кавказ, искусство и тайны XIX века
Читать полностью…
Всемирный день поэзии. Путешествие сквозь рифмы и образы
Учрежденный ЮНЕСКО в 1999 году, праздник – Всемирный день поэзии, напоминает нам о силе живого слова и о его способности объединять народы и эпохи.
Поэзия – это не только музыка слов, но и мощная созидательная сила, способная превращать литературные образы в визуальные мифы.
Символично, что в преддверии Всемирного дня поэзии в музее «Собрание» открылась новая временная выставка «По следам Печорина: книжная иллюстрация и кабинетная скульптура второй половины XIX века».
Наш новый выставочный проект предлагает взглянуть на Кавказ XIX века сквозь призму творчества М.Ю. Лермонтова, А.С. Пушкина и А.С. Грибоедова, проследив, как их бессмертные тексты вдохновляли мастеров изобразительного искусства и скульпторов.
В центре внимания – уникальный диалог искусств: знаменитые иллюстрации Михая Зичи к роману «Герой нашего времени» впервые соседствуют с кабинетной скульптурой Е.А. Лансере, В.Я. Грачёва и Ф.И. Ходоровича; а поэтические строки великих русских поэтов выступают не только источником сюжета, но и активным соавтором визуальной культуры XIX века.
Представленные на выставке работы позволяют зрителю совершить захватывающее путешествие по следам великих писателей, исследуя, как литература формирует наше представление о странах, народах и эпохах.
Приглашаем вас отметить всемирный день поэзии, открыв любимый томик стихов или посетив новую временную выставку «По следам Печорина. Книжная иллюстрация и кабинетная скульптура второй половины XIX века», где поэтическое слово звучит по-особому.
С 24 марта музей запускает новую экскурсионную программу, которая поможет глубже погрузиться в атмосферу литературного Кавказа XIX века.
Запись на экскурсии на сайте музея в разделе «Контакты».
Звёзды джаза. Билли Мэй: мастер «ревущих саксофонов»
В истории американской музыки XX века есть имена, определившие звучание целой эпохи. Эдвард Уильям «Билли» Мэй (1916–2004) — трубач, композитор и выдающийся аранжировщик, превративший звучание биг-бэнда из простого сопровождения в самостоятельное музыкальное искусство, наполненное энергией, юмором и техническим блеском.
Путь Мэя начался в Питтсбурге: из-за детской астмы врачи посоветовали ему заняться игрой на духовых инструментах. Начав с тубы в школьном оркестре, он быстро освоил тромбон и трубу, одновременно изучая основы инструментовки. Переломным моментом стал 1938 год, когда Мэй предложил свои услуги Чарли Барнету. Его аранжировка хита «Cherokee» стала визитной карточкой оркестра и предвосхитила будущую эстетику бибопа.
Позже Мэй работал в оркестре Гленна Миллера, а настоящий расцвет его карьеры пришёлся на 1950-е годы, когда он сотрудничал со студией Capitol Records. Именно Билли Мэй стал одним из ключевых аранжировщиков Фрэнка Синатры. Их совместная работа над альбомом Come Fly with Me (1958), возглавившим чарты Billboard, представила публике новый образ певца — уверенный, свингующий и невероятно стильный.
Характерной чертой стиля Мэя стали выразительные глиссандо саксофонов — приём, получивший название slurping saxes («хлюпающие саксофоны»). Его оркестровки отличались яркой динамикой: духовые партии словно «рычали» и «смеялись», создавая мощную и легко узнаваемую звуковую фактуру.
За свою карьеру Мэй сотрудничал со многими выдающимися музыкантами — Нэтом Кингом Коулом, Эллой Фицджеральд, Пегги Ли и Анитой О’Дэй, создавая для их голосов изысканные джазовые аранжировки. В 1960-е годы он также работал в кино и на телевидении, написав музыку к популярным сериалам «Зелёный Шершень», «Бэтмен» и «Голый город».
Билли Мэй был удостоен двух премий «Грэмми», в том числе за альбом Billy May’s Big Fat Brass (1958). Он ушёл из жизни в 2004 году, оставив богатое наследие — тысячи партитур, которые и сегодня изучают музыканты и аранжировщики. Творчество Мэя убедительно показало, что оркестровка может стать не просто фоном, а самостоятельным художественным языком, формирующим звучание эпохи.
https://mus-col.com/events/40326/
Анонс: лекции «Хранители времени. История часового дела»
В четверг 12.03.2026 в 18:00 запланировано проведение лекции «Хранители времени. История часового дела» (лектор Юлия Белецкая).
В рамках лекции будет представлена ретроспектива ключевых изобретений в истории часового дела, различные виды приборов для измерения времени, интересные факты из биографий знаменитых мастеров-часовщиков.
Лекция проводится в лектории музея на минус 1 этаже.
Длительность 60 минут.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий» или в мобильном приложении «Музей Собрание».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
Обращаем Ваше внимание, что посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано. На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.Читать полностью…
Аудиорассказ «Женский взгляд Елизаветы Бём на самобытность России»
Накануне международного женского дня представляем новый аудиорассказ, посвященный Елизавете Меркурьевне Бём.
В истории русского искусства конца XIX века её имя занимает особое место. В эпоху масштабных полотен и бескомпромиссного реализма она выбрала свой, почти камерный путь, став «королевой» силуэта и книжной иллюстрации. Её работы – это не просто рисунки, а целая вселенная, где оживают старинные сказки, звучат народные прибаутки, а в образах круглолицых детей в боярских кафтанах отражается сама душа дореволюционной России.
Бём обладала редким даром – умением видеть поэзию в малом. Она превратила обычную почтовую открытку в настоящий предмет коллекционирования, доступный каждому, и доказала, что графическая миниатюра может быть не менее выразительной, чем масляная живопись. Её узнаваемый «русский стиль», завоевавший признание от Парижа до Чикаго, сочетал в себе тончайшее техническое мастерство и искреннюю, почти детскую любовь к национальным корням.
Сегодня, глядя на её трогательные сюжеты и виртуозно исполненные силуэты, мы открываем для себя мир ускользающей красоты.
Жизнь Елизаветы Бём – это история женщины, которая вопреки академическим канонам своего времени создала собственный художественный язык, ставший символом целой эпохи.
Больше деталей о жизни и творчестве самобытной художницы – в нашем новом аудиорассказе.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3771