2908
mus-col.com VK.com/sobraniemuseum
Экспонаты музея «Собрание» на выставке «Все Бенуа — Всё Бенуа»
Центральный выставочный зал «Манеж» при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга представляет масштабный межмузейный проект «Все Бенуа — Всё Бенуа». Это своеобразная энциклопедия русского искусства, рассказанная через судьбы и наследие одной из самых блистательных творческих династий России. Выставка раскрывает историю не только семьи Бенуа, но и широкой культурной среды, которую они формировали и объединяли вокруг себя.
Проект демонстрирует зрителям множество неожиданных связей и смелых гипотез. В экспозицию вошли более 600 экспонатов — живопись, графика, скульптура, костюмы, документальные материалы, личные вещи и предметы быта, объединённые оригинальной кураторской концепцией.
Выставка создана в партнёрстве с ведущими музеями России. Среди участников — Государственный Эрмитаж, Государственный музей-заповедник «Петергоф», Государственный Русский музей, Театральный музей им. А. А. Бахрушина, Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Российский этнографический музей, Музей антропологии и этнографии им. Петра Великого (Кунсткамера), музей «Собрание», галерея искусств KGallery и другие. Всего в проекте приняли участие более 60 российских музеев и частных коллекционеров.
Анна Ялова, директор ЦВЗ «Манеж», отмечает, что династия Бенуа по праву считается одной из самых влиятельных и многочисленных художественных семей, чьё наследие обогатило не только русскую, но и мировую культуру. Выставка ставит перед собой задачу представить феномен целого рода, проследить его корни, развитие и неиссякаемый творческий потенциал, охватывая более полутора веков их деятельности.
Куратор проекта, заслуженный деятель искусств Павел Каплевич, подчёркивает, что лейтмотивом выставки становятся мечты всех Бенуа. Через созданные ими образы зритель обращается к историческому прошлому и одновременно заглядывает в будущее, выходя за рамки пространства и времени.
Арт-директор музея «Собрание» Светлана Чураева рассказывает, что предметы из коллекции музея иллюстрируют знаменитую «Азбуку» А. Н. Бенуа. Впервые зрителям представлены уникальные листы с авторскими пометками и акварельными выкрасками художника, сохранившиеся в архивах Гознака. Кураторское решение Павла Каплевича соединяет иллюстрации с живописными, скульптурными и декоративно-прикладными предметами. Так, букву «П» иллюстрируют полотно Зинаиды Серебряковой и попугай работы Луиса Киспе из коллекции музея. В зоне буквы «Е», посвящённой теме еды, представлен серебряный корабль-неф, а в разделе «Щ. Щеголь» — редкие трости и драгоценные аксессуары ведущих ювелирных фирм Российской империи.
Очевидно, что эта выставка стала настоящим подарком всем, кто увлечён русским искусством. В таком масштабе и с такой концентрацией безусловных шедевров, многие из которых демонстрируются впервые, история династии Бенуа ещё не рассказывалась. Выражаем искреннюю признательность организаторам проекта и наилучшие пожелания замечательной команде петербургского Манежа.
Выставка продлится до 19 апреля 2026 года.Читать полностью…
Подробнее:
https://manege.spb.ru/events/vystavochnyj-proekt-vse-benua-vsyo-benua/
https://manegebenua.ru/
Женщина, которая пела жизнь: К 110-летию Эдит Пиаф
19 декабря 2025 года музыкальный мир отмечает 110 лет со дня рождения Эдит Джованны Гассион – женщины, навсегда вошедшей в историю как Эдит Пиаф (Édith Piaf). Ее называли «Парижским воробышком» (фр. La Môme Piaf), и этот образ – хрупкой, маленькой женщины с мощным, пронзительным голосом – стал символом не только ее собственной трагической судьбы, но и всего французского шансона XX века.
Феномен Эдит Пиаф в том, что она не просто пела, а проживала каждую песню на сцене, вкладывая в нее всю свою душу и эмоции. Не имея формального музыкального образования и не зная нотной грамоты, она учила песни на слух, обладая при этом безупречным музыкальным чутьем и абсолютным слухом.
Ее вокальная манера отличалась исповедальностью – каждая песня в звучала как откровенный разговор по душам или личная история. Пиаф умело использовала огромный диапазон своего голоса – от еле слышного шепота до эмоционального крика, чтобы передать всю гамму чувств.
Певица не придерживалась строгого ритма. Она пела не по нотам, а так, как чувствовала, могла в любой момент растянуть фразу или пропеть ее быстрее, что придавало песням особую драматичность.
Узнаваемый тембр её голоса (слегка надтреснутый, сильный голос) мгновенно вызывал глубокий эмоциональный отклик у публики. Эдит Пиаф удалось создать уникальный стиль французской музыки, на котором учились многие поколения певцов. Ее репертуар («Жизнь в розовом цвете», «Нет, я ни о чем не жалею» и другие) – это музыкальный дневник ее непростой жизни, полной любви и разочарований.
Именно благодаря Эдит Пиаф появился тот самый, фирменный французский шансон, который мы знаем. Ее песни — это отражение ее бурной жизни, которые до сих пор служат примером для артистов по всему миру.
Эдит Пиаф не просто исполняла песни; она создавала фирменный стиль французской эстрады, который повлиял на целые поколения артистов. Ее репертуар — это хроника жизни, полной взлетов и падений, любви и разочарований, что нашло отражение в таких знаковых композициях, как: “La Vie en rose" («Жизнь в розовом цвете»): Песня, ставшая ее визитной карточкой и мировым гимном любви.
“Non, je ne regrette rien” («Нет, я ни о чем не жалею»): Философское произведение, выражающее квинтэссенцию ее жизненной философии и стойкости.
Влияние Эдит Пиаф выходит за рамки музыки, олицетворяя собой дух Парижа и находя отклик у публики по всему миру. Сегодня, спустя 110 лет после ее рождения, музыка Эдит Пиаф продолжает жить, вдохновляя артистов самых разных жанров и напоминая о том, что для великого искусства не нужны ноты – нужна душа.
https://mus-col.com/events/38986/
В музее «Собрание» прошла презентация арт календаря Фонда «Русский Силуэт»
Календарь Благотворительного фонда «Русский Силуэт», который более 25 лет оказывает поддержку молодым дизайнерам, традиционно объединяет сразу несколько видов искусства: фотографию, кинематограф, литературу, телевидение и моду. Страницы издания – это творческая коллаборация именитых дизайнеров, известных актрис, медийных персон и фотохудожников.
«Календарь — настоящая энциклопедия дизайнеров, многие из которых давние друзья Фонда: Татьяна Парфенова, Виктория Андреянова, Татьяна Котегова, Виктория Газинская, а также те, кого больше нет с нами: Валентин Юдашкин и Вячеслав Зайцев. Наряду с именитыми кутюрье в календаре мы традиционно представляем и молодых дизайнеров: в этот раз ими стали Александра Гапанович, Миша Манаков и Павел Ковалевский», — рассказывает президент Фонда Татьяна Михалкова.
Как отмечает учредитель Фонда Александр Митрошенков, героинями календаря выступают востребованные звезды кино, телевидения и эстрады: «В этом году в него вошли такие известные актрисы, как Екатерина Климова, Анна Пересильд, Лукерья Ильяшенко, Маргарита Галич, Мирослава Карпович, Елена Лядова, Ника Здорик, Пелагея Невзорова, Зарина Менгли, Ксения Утехина. Это люди, которые способны оказать влияние на формирование национального самосознания, популяризировать особенности российской культуры среди молодого поколения».
За фотокамерой календаря «Две стихии: мода и вода» — легенда fashion-фотографии Александр Мультиков.
Хэдлайнером вечера и модного показа выступила Алёна Ахмадуллина, которая в свое время также участвовала в конкурсе «Русский Силуэт», а теперь является одним из ведущих российских дизайнеров.
Подробнее о мероприятии:
https://smotrim.ru/video/3058514?ysclid=mj4cckbaem364826029
https://www.vesti.ru/article/4826904?ysclid=mj4cgdvwy1349312997
Экспонат в деталях: самоиграющий орган «Aeolian»
В коллекции музея Собрание хранится редчайший «резиденционный» орган «Aeolian Pipe Organ», созданный в 1913 году мастерами компании The Orchestrelle Company. Подобные инструменты изготавливались по индивидуальным заказам для богатых особняков и сочетали ручную игру органиста с автоматическим воспроизведением музыки с бумажных перфорированных лент. Благодаря расширенным регистрам орган способен исполнять не только классический репертуар, но и джаз, блюз, регтайм и свинг 1910–1920-х годов.
Аналогичные органы находились в Виндзорском замке, Императорском дворце в Пекине и в домах крупнейших промышленников своего времени. В 1930-е годы их устанавливали также в кинотеатрах, концертных залах и на круизных лайнерах.
6 декабря 2019 года орган «Aeolian» получил статус Памятника науки и техники I категории.
Инструмент состоит из корпуса с органными трубами и выносного пульта с двумя мануалами и ножной клавиатурой. Встроенный электропневматический механизм считывает информацию с перфолент шириной 286 мм и управляет звучанием труб. Всего в комплект входит около 500 роллов, записанных с участием живых органистов. Эти ленты являются одним из первых способов фиксации авторского исполнения и предвосхитили развитие авторского права.
Реставрация органа в музее длилась более двух лет: была полностью восстановлена электрическая система, пересобран пульт и отремонтировано более 300 труб. Сегодня звучание инструмента вновь позволяет услышать музыку начала XX века в аутентичном виде. В карточке экспоната доступны 16 оцифрованных треков, записанных с оригинальных перфорированных лент.
В коллекции музея представлены и другие самоиграющие инструменты фирмы «Aeolian», а также более сложная модель резиденционного органа компании «Welte-Kimball».
https://mus-col.com/events/38842/
Не только куклы
Несмотря на футуристичное название, автоматы или автоматоны, механические двигающиеся фигурки людей и животных, были известны ещё в Древней Греции. В произведениях таких авторов как Аристотель, Плутарх и Плиний Старший упоминались механические фигуры, приводимые в движение силой падающих грузов, нагретым воздухом, давлением воды и пара. Ещё две тысячи лет назад люди строили целые театры автоматов с участием фигур людей, животных и птиц.
Наивысший расцвет автоматонов приходится на XVIII век. В этот период создавались как уникальные автоматы, так и серийные изделия, в том числе и музыкальные. А уже в XIX веке появилась мода на восточные и африканские мотивы — так появился музыкальный автоматон «Обезьяны: фокусник и два музыканта». Сегодня его можно увидеть на выставке «Августейшие. Куклы» в Пушкинском музее.
Увидеть, как автоматоны двигались, узнать о них и о других куклах можно в Telegram-канале куратора выставки Дианы Панской.
Музыкальных обезьян можно застать на выставке до 9 марта в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
Лекция «История картографии: от звездного неба к горным вершинам»
В четверг 04.12.2025 в 18.00 запланировано проведение лекции «История картографии: от звездного неба к горным вершинам» (лектор Екатерина Ефремова).
На лекции мы совершим увлекательное путешествие в мир старинных карт. Начнём с карт звездного неба, первые из которых создавались ещё в каменном веке. Исследуем карты античности и эпохи великих географических открытий, а затем познакомимся с картами, представленными в коллекции музея «Собрание». Завершится наше путешествие в XVIII веке – в эпоху становления и расцвета российской картографии. Обсудим какие карты бывают; разберёмся в инструментарии, который требовался для создания карт и познакомимся с технологиями прошлого, использовавшимися для определения топологии пространства и составления карт высот.
В картах отражается момент истории, переплетаются политические интересы, уровень научных знаний и представлений о мироздании. Гравированные известными мастерами и изданные знаменитыми издательствами, они могут поведать многое о своём времени и его восприятии. В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные по содержанию карты – общегеографические, определявшиеся в терминологии своего времени как «военно-топографические», политико-административные, карты путей сообщения, топографические, планы отдельных территорий и этнических областей и другие.
С биографиями известных картографов прошлого – Александра Михайловича Вильбрехта
(1757-1823), Мартина Вальдземюллера (1470-1520), Иоахима Оттенса (1663-1719), Конрада Мальт-Брюна (1775-1826), Йоханна Кристофа Вейгеля (1654-1725) и Иоганна Баптиста Гоманна
(1664-1724) можно познакомиться в разделе «Авторы/Производители».
В разделе «Статьи и обзоры» опубликована статья «История русской картографии: ключевые моменты».
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Лекция проводится в лектории музея на минус 1 этаже. Продолжительность лекции – 60 минут.
Последний месяц осени. Музыкальная подборка «Предзимье»
Смена времен года – удивительная пора. Это не просто время года, – это состояние природы и души.
«Предзимье» – одно из самых красивых и поэтичных понятий в народном календаре и в русском языке. Слово очень точно описывает суть: «пред» – то, что перед зимой, до неё. Это время в природе, когда золотая осень закончилась, деревья и кусты потеряли листву и уже готовы к снегу, а он всё не выпадает, то есть зима ещё не наступила, и продолжается такая осень, когда уже довольно холодно, и лужи по утрам схватываются тонкой ледяной коркой. Осень медленно уходит, а зима ещё не вступила в свои права окончательно, а мы замечаем эту тонкую рань.
Именно в эти пасмурные дни встречаются два времени года. Предзимье начинается с середины октября, обычно с 15 по 25 октября, и заканчивается около 15-20 декабря, после чего начинается сезон зимы.
В этом хрупком и мимолётном времени есть что-то хрустальное и умиротворяющие. Нет ярких красок осени, меньше звуков. Природа постепенно засыпает, – она готовится к долгой зиме.
Узнать эту пору можно по целому ряду характерных примет. Температура опускается до нуля градусов: уже не осенняя прохлада, но еще и не зимний мороз. Днем может быть чуть выше нуля, ночью – легкие заморозки.
Солнце появляется редко, небо затянуто сплошной пеленой серых облаков, световой день становится коротким. Листья с деревьев почти полностью облетели, обнажив мокрые, темные стволы и ветки. Земля уже не покрыта пестрым ковром листвы (ее сдуло или прибило дождями), – она голая, влажная и кажется почти черной. В природе наступает затишье. Птицы улетели, насекомые спрятались или исчезли. Стоит особая, звенящая тишина, которую нарушает только шум ветра.
Снег еще не идет, однако, осенние дожди сменяются на зимнюю морось, иногда с мокрым снегом, который пока не ложится ковром на остывающую землю. Утром можно увидеть иней на траве и крышах домов, на кустах и деревьях.
Самое яркое событие предзимья – первый, часто недолговечный снегопад. Снег тает, едва коснувшись земли, но он уже предвещает скорый приход зимы.
Предзимье — это время глубокого покоя и ожидания. Природа замирает, засыпает, чтобы проснуться обновленной весной. Это время для размышлений, уединения, неторопливых вечеров с книгой у окна. Многие писатели и поэты воспевали меланхоличную и суровую красоту этого времени.
Другими словами, предзимье – это пауза. Глубокая, влажная и тихая пауза между яркой осенью и белоснежной зимой. Это время, когда кажется, что сама природа задерживает дыхание перед долгим холодным и снежным периодом.
Прекрасно демонстрируют эту видимую грань между поздней осенью и началом зимы, представленные в нашей новой музыкальной подборке «Последний месяц осени. Предзимье», мелодии, оцифрованные с музыкальных носителей, хранящихся в разделе «Музыкальные носители».
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=7026
Слово месяца: братина
Слово «братина» — это не просто обозначение старинного сосуда, а важный культурный символ, отражающий русские традиции гостеприимства, общности и единства. На пиршествах и торжественных трапезах такую заздравную чашу наполняли вином, мёдом или пивом и передавали по кругу — «от брата к брату». Это общий сосуд, который объединял всех сидящих за столом, подчёркивал равенство и братство. Само слово буквально означает «сосуд для братства».
Форма братин почти не менялась веками. Они напоминали небольшие шарообразные сосуды — наследие древней славянской керамики. На венцах нередко делали надписи: имя владельца, добрые пожелания, наставления о трапезе или короткие мудрые изречения.
Древнейшие деревянные братины, найденные археологами в Новгороде, относятся к X веку. В XI–XIII веках такие сосуды широко использовались в городах Северо-Восточной Руси. Это говорит о том, что братина была привычным предметом быта уже в эпоху Киевской Руси. X–XIV века называют «золотым временем» деревянных братин — тогда они служили обычным повседневным сосудом для совместного питья.
С XIV–XV веков начинается «элитаризация» братины: появляются серебряные и золотые изделия, выполненные в лучших художественных традициях. Для знати и царского двора они становятся престижным подарком, в XVI веке — наградой, подобно ковшам.
Традиция использования братины всегда несла глубокий символизм. Её выдавали на общие пиры, братчины, свадьбы. Пить из неё могли все — от хозяина до простого гостя. Она служила знаком уважения, её подавали как часть обряда гостеприимства. Со временем братина стала прообразом заздравного бокала: её обносили вокруг стола, а каждый участник произносил пожелание.
В XVII веке золотые и серебряные братины вошли в парадную сервировку царского стола. Их украшали чеканкой, чернью, эмалью, сложными орнаментами. Однако в эпоху Петра I традиция начала угасать: на смену пришла европейская индивидуальная посуда, новые напитки и иные обычаи. Братина стала редкой вещью — то церковной дарохранительницей, то памятным подарком.
К концу XVII века братины окончательно вышли из широкого употребления и превратились в декоративные предметы. Но в XIX веке, когда в моде было обращение к древнерусским формам, братина вновь стала источником вдохновения: ювелиры и мастера декоративно-прикладного искусства начали создавать изделия, стилизованные под старинную русскую утварь, с эмалями, чеканкой и традиционным орнаментом.
Сегодня братины существуют главным образом как декоративные или сувенирные объекты, напоминая о старинных русских традициях и образе жизни.
В коллекции музея «Собрание» представлено множество предметов, выполненных в форме братины. В тематическом альбоме раздела «Декоративно-прикладное искусство» в фотогалерее музея можно увидеть разнообразие этих форм и художественных решений.
Братина — это символ братства, щедрости и единения, отражение ремесленного мастерства и культурного кода Руси и Московского царства.
Звезда эпохи джаза: Жозефина Бейкер
Сегодня, в нашей традиционной рубрике «Звёзды эпохи джаза», рассказ о первой чернокожей суперзвезде, легендарной танцовщице, певице и актрисе XX века, Жозефине Бейкер. Чем бы она ни занималась – танцем, кино, музыкой, общественной деятельностью – эта удивительная женщина разрушала стереотипы и прокладывала путь для тех, кто следовал за ней.
Подборка музыкальных композиций в исполнении Жозефины Бейкер размещена в Фонотеке музея.
Американка Жозефина Бейкер с шоу La Revue Nègre появилась в Театре Елисейских Полей в 1925 году и первой показала Франции чарльстон, фактически открыв в Старом Свете эпоху джаза. Её выступления помогли познакомить европейскую публику с новой формой танцевальной музыки, которая возникла во время Гарлемского ренессанса (период расцвета афроамериканской культуры в 1920-е – 1930-е годы). Сам ее яркий, вызывающий стиль родился как будто из сопротивления. Всем своим обликом она словно заявляла: я буду еще более невероятной, дикой и преувеличенной, чем вы можете себе представить! Отсюда ее сценические костюмы вроде знаменитой юбки из искусственных бананов, иронично обыгрывавшей расовые клише. Или публичный имидж на грани скандала – прогулки по Парижу с домашним гепардом и выезды в карете, запряженной страусом.
Юная Жозефина блистала в Берлине, Брюсселе и Копенгагене. Дерзкий и эпатажный стиль вызывал одновременно восторг и возмущение. Из-за её невероятных костюмов и танцев, Жозефине Бейкер было запрещено выступать в Вене, Праге, Будапеште и Мюнхене, что делало танцовщицу ещё более популярной. Под восторженные аплодисменты она появлялась на сцене то внутри пасхального яйца из сатиновых роз, то лежа на зеркале.
В 1927 году появился первый фильм с участием Жозефины Бейкер – «Женщины Фоли Бержер», за ним последовали «Сирена тропиков», «Зу-зу», «Принцесса Там-там» и «Ложная тревога». Её очень много снимали, да и гонорары у Жозефины были самыми высокими в Европе. Она была не только танцовщицей, но и певицей. В 1931 году она выпустила свой хит «J’ai deux amours», который стал одним из символов творчества артистки.
С годами ее стиль менялся. После Второй мировой войны к имиджу дивы в роскошных нарядах добавится еще один: Жозефина Бейкер в военной форме лейтенанта с наградами на груди, в том числе с орденом Почетного легиона. За участие в разведывательной деятельности и движении Сопротивления во время войны Жозефина также была награждена медалями Сопротивления и Освобождения, орденом Военного Креста.
Артистка прославилась множеством романов. Среди ее поклонников были принцы, шейхи, легендарные артисты XX века, писатели и художники. Жозефина была музой Кристиана Диора. Она появлялась в нарядах Пьера Бальмена и Мадлен Вионне не только на сцене, но и в повседневной жизни. Жозефина усыновила 12 детей разных национальностей. Это был ее личный вклад в борьбу против расизма и сегрегации. Мартин Лютер Кинг отметил работу Бейкер, а в 1963 году пригласил её выступить с речью на марше в Вашингтоне.
Жозефина стала первой американкой, чьи похороны прошли во Франции с воинскими почестями. Принцесса Грейс забрала её останки, чтобы похоронить на княжеском кладбище Монако. В 2021 году президент Франции Эмманюэль Макрон принял решение о перезахоронении Жозефины Бейкер в Пантеоне в Париже, где 30 ноября 2021 года состоялась торжественная церемония открытия кенотафа (сама ее могила, по-прежнему, находится в Монако).
Лекция «Астрономия в часовом деле» из цикла «Астрономия, время, часовое искусство»
В четверг 13.11.2025, наш традиционный лекционный день в 18:00 состоится лекция «Астрономия в часовом деле» из цикла «Астрономия, время, часовое искусство» (лектор Екатерина Ефремова).
Астрономические наблюдения невозможны без точного времени. Одновременно с этим и точное время невозможно без астрономии!
Отсылки к науке о звёздах можно встретить в работах знаменитых часовщиков всех времён. На лекции разберёмся, что такое лунные календари и зодиакальные созвездия, и как их реализовывали в своих произведениях мастера часовщики. Как сегодня астрономы понимают термин «созвездие» и как именно происходит движение звёзд, планет и Солнца для наблюдателей с Земли.
Обращаем Ваше внимание, что посещение лекции с детьми младше 6 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
Продолжительность лекции 60 минут.
День народного единства. Русский народный хор имени М.Е. Пятницкого
4 ноября в России отмечается День народного единства. Он был учрежден в 2004 году, а впервые отмечался в 2005-м.
В 1613 году в память об освобождении Москвы от поляков царь Михаил Федорович установил 22 октября (4 ноября по новому стилю) церковно-государственный праздник в честь Казанской иконы Божией Матери. Именно с этим образом ополчение под руководством Кузьмы Минина и князя Дмитрия Пожарского сражалось под стенами Новодевичьего монастыря, а затем освобождало Кремль. Сегодня праздник символизирует единство народа, его сплоченность в трудные времена, подчеркивает важность единства разных народов и культур, проживающих в России, а также важность исторической памяти и гражданской солидарности.
В концертах, посвященных празднику, регулярно принимает участие Государственный академический орденов Трудового Красного Знамени и Дружбы народов русский народный хор имени М.Е.Пятницкого – так звучит полное название самого известного хора России, исполняющего народные песни. Хор был основан выдающимся исследователем, собирателем и пропагандистом русского народного творчества Митрофаном Ефимовичем Пятницким в в 1911 году.
Митрофан Ефимович хотел сохранить подлинность и самобытность русской народной песни – именно в этом была уникальность хора. В наши дни Хор имени М.Е. Пятницкого – профессиональный коллектив, который исполняет сложные музыкальные произведения. Хор активно гастролирует, участвует в различных музыкальных фестивалях и конкурсах, представляя русскую народную песенную культуру. Репертуар включает как традиционные народные песни, так и современные обработки. Хор также активно занимается образовательной деятельностью и популяризацией народной музыки. Сегодня в составе коллектива трудятся лучшие из лучших: певцы, танцоры, музыканты. Вокально-танцевальные композиции – своеобразная визитная карточка коллектива. На сцене хор – единый организм, объединённый одной задачей и одним стремлением – раскрыть всю красоту народного искусства России.
Хор им. М.Е. Пятницкого является непременным участником всех праздничных мероприятий и концертов Государственного значения, он также удостоен чести представлять страну на самом высоком уровне за рубежом в рамках встреч глав Государств и Дней культуры России.
В День народного Единства предлагаем послушать народные песни в исполнении Русского народного хора имени М.Е. Пятницкого, оцифрованные с граммофонных пластинок, представленных в разделе «Музыкальные носители» коллекции музея «Собрание».
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6888
Сложные термины простым языком: интарсия VS маркетри
Интарсия (от итал. Intarsio – врезание, углубление) – разновидность инкрустации, техника декорирования какой-либо поверхности, при которой один материал углубляется, врезается в толщу другого. В популярной литературе и даже в специальных изданиях часто отождествляются техника поверхностной облицовки (мозаичный набор), оклейки, или деревянного набора (маркетри) с углублённой интарсией. Различие этих приёмов действительно незаметно со стороны, его можно уловить только при взгляде на изделие с торца (но торцовая часть обычно прикрыта каким-либо обрамлением).
Считается, что интарсия зародилась еще в Древнем Египте, где древесину впервые стали применять для инкрустации наряду с более «благородными» материалами. На саркофаге фараона Тутанхамона археологами были обнаружены вставки из черного дерева.
Высокого художественного уровня достигла интарсия в Риме и Древней Греции, где по свидетельству римского историка и писателя I века н.э. Плиния Старшего, мебель из простого дерева украшали тонкими дощечками ценных пород дерева.
В Китае и в других странах Юго-Восточной Азии существует старинная традиция украшения деревянных изделий перламутром по черному или красному лаку.
Пика своего расцвета интарсия достигла в Италии в эпоху Возрождения. В этой технике чаще всего декорировали церковную мебель и утварь. В начале XVI века только во Флоренции более восьмидесяти мастерских работало в этой технике. Мозаикой чаще украшали мебель и утварь.
Потребность в интарсии возникает в тех случаях, когда необходимо соединить разные по толщине и физическим свойствам материалы, например, дерево и камень. Ради прочности необходимо один материал вставить в углубление другого; поверхностная оклейка не подойдёт. С помощью «углублённой инкрустации» (вероятно, возможен и такой термин) древние египтяне декорировали мебель, ларцы, саркофаги из кедра или чёрного дерева египетским фаянсом1), лазуритом, слоновой костью, панцирем черепахи, перламутром. После заглубления декоративного материала в основу поверхность полировали.
В эпоху итальянского Возрождения интарсию по дереву применяли как в мебели, так и для декорирования стен. Правда, итальянцы всегда предпочитали обобщающий термин – инкрустация (возможно, следуя латинской этимологии), что вносит некоторую двусмысленность в случаях технической реконструкции.
В XVII веке голландские и фламандские мастера в технике интарсии декорировали мрамором, перламутром и цветными камнями кабинеты (шкафы) из чёрного дерева.
В XVIII-XIX веках в искусстве мебели трудоёмкая техника интарсии постепенно вытеснялась простым деревянным набором – маркетри. Слово «маркетри» означает инкрустацию шпоном.
Различие интарсии и маркетри сложно установить со стопроцентной точностью из-за схожести этих техник. По сути, маркетри, также как и интарсия, – также мозаика из дерева, но кусочки мозаики из тонкого шпона, собираются между собой по кромкам, как паззл, скрепляются и наклеиваются на плоскую основу. Это менее трудоемкая и затратная техника. Путаницу в определениях создает ещё и тот факт, что некоторые маркетри выполняются по принципу интарсии – путем врезки кусочков шпона в основное полотно.
Таким образом, главное отличие состоит в том, что интарсия – это метод декорирования, когда орнамент или узор врезают в особое гнездо на поверхности изделия; а маркетри – когда орнамент или живописная картина из шпона наклеиваются на поверхность без предварительного вырезания гнезда.
Особенности описываемых выше техник и их характерные черты, можно проследить на предметах, представленных в коллекции музея «Собрание».
Кроме того, в коллекции музея представлены работы японских мастеров, декорированные в технике сибаяма, которая близка инкрустации и интарсии одновременно. Подробнее об этих предметах в разделе «Музейные истории»: «Японские кабинеты-шодана» в коллекции музея. Части 1-я и 2-я (видео).
https://mus-col.com/events/37904/
Вспоминая всемирно известную оперную певицу Галину Вишневскую
Галина Павловна Вишневская (1926–2012) — легендарная оперная певица, актриса, режиссёр и общественный деятель, чьё имя стало символом силы духа, таланта и служения искусству. Её уход в декабре 2012 года стал невосполнимой утратой не только для России, но и для всей мировой музыкальной культуры. Вишневская была не просто великой певицей — она воплощала целую эпоху оперного искусства, соединяя в себе мощный голос, блестящую технику, редкую эмоциональную глубину и непреклонную волю.
Родилась будущая примадонна 25 октября 1926 года в Ленинграде. Её детство пришлось на трудные годы блокады, которые она пережила, не утратив ни веры, ни любви к музыке. С ранних лет проявила талант к пению, занималась в Ленинградской музыкальной школе для взрослых имени Н. А. Римского-Корсакова, брала частные уроки вокала, а позже экстерном окончила Московскую консерваторию имени П. И. Чайковского.
Профессиональный путь Вишневской начался в Ленинградском областном театре оперетты, где она прошла путь от хористки до солистки. В 1952 году её пригласили на прослушивание в Большой театр — и с этого момента началась её блистательная карьера. Уже в первом сезоне она исполнила партии Леоноры в «Фиделио» Людвига ван Бетховена и Татьяны в «Евгении Онегине» Петра Чайковского. Режиссёр Борис Покровский назвал её «козырной картой Большого театра».
За 22 года работы на сцене Большого театра Вишневская исполнила десятки партий, став одной из самых выдающихся певиц своего времени. Её Татьяна, Аида, Любаша, Кармен, Чио-Чио-сан и Жанна д’Арк становились не просто ролями, а откровением для публики. Галина Павловна обладала редким по красоте и силе голосом — лирико-драматическим сопрано с широким диапазоном и выразительным тембром. Каждое её выступление было наполнено внутренним напряжением, страстью и правдой.
В 1955 году судьба свела её с Мстиславом Ростроповичем — выдающимся виолончелистом и дирижёром. Их союз стал легендой мировой музыкальной сцены. Их объединяла не только любовь, но и общее чувство долга перед искусством и страстное стремление к свободе творчества. Вместе они пережили испытания, изгнание и славу, не изменив своим убеждениям.
В конце 1960-х годов супруги открыто поддержали Александра Солженицына, что вызвало гнев властей. В результате они оказались под негласным запретом, а в 1974 году фактически были вынуждены покинуть СССР. Живя во Франции, США и Великобритании, Вишневская продолжала выступать на ведущих мировых сценах — в «Ла Скала», «Ковент-Гарден», «Метрополитен-опера», Парижской опере. Её выступления неизменно вызывали восторг критиков и любовь публики.
В 1982 году, после исполнения партии Татьяны в Парижской опере, Вишневская завершила сценическую карьеру, но продолжала давать концерты и заниматься педагогикой. В 1984 году вышла её книга «Галина. История жизни» — искренний, глубокий рассказ о судьбе женщины и артистки в эпоху потрясений. Книга стала международным бестселлером, переведённым на десятки языков.
После возвращения в Россию в конце 1980-х годов Вишневская вместе с Ростроповичем основала Фонд Ростроповича–Вишневской, который помог миллионам людей по всему миру. А в 2002 году она создала Центр оперного пения Галины Вишневской в Москве — уникальную площадку, где воспитываются молодые певцы, продолжающие традиции русской вокальной школы.
В последние годы жизни Галина Павловна продолжала преподавать и вдохновлять учеников. В 2007 году она снялась в фильме Александра Сокурова «Александра», где её драматический талант раскрылся в новой глубине. Даже после ухода со сцены она оставалась примером безупречной профессиональной честности и духовной силы.
Галина Вишневская скончалась 11 декабря 2012 года в Жуковке, оставив после себя богатейшее наследие — записи, книги, учеников и созданный ею Центр. Похоронена на Новодевичьем кладбище.
Имя Галины Павловны Вишневской навсегда останется в сердцах миллионов людей. Она была и остаётся воплощением артистического совершенства, символом русской культуры и женской силы, чьё творчество вдохновляет и сегодня.
Дни исторического и культурного наследия Москвы
Дни исторического и культурного наследия Москвы отмечаются в столице с 2000 года. Фестиваль проводится с 2001 года.
С 18 апреля по 31 мая в Москве в двадцать четвертый раз пройдут дни исторического и культурного наследия, приуроченные к Международному дню охраны памятников и достопримечательных мест и Международному дню музеев. Шесть недель в городе будет проходить цикл мероприятий, приуроченных к дням исторического и культурного наследия. Список мероприятий, которые проходят в это время, очень разнообразен. Москвичам и гостям столицы будет предоставлена возможность бесплатно посетить памятники архитектуры, исторические усадьбы, знаменитые дома и дворцы, увидеть театральные представления, концерты и уличные перформансы, принять участие в лекциях и конференциях, посвященных тематике культурного разнообразия и сохранению культурного наследия, в поэтических вечерах и открытых уроках, квестах и мастер-классах.
Детальная информация и расписание мероприятий на сайте .
Музей «Собрание» представляет новый выставочный проект «В диалоге с Чако». Экспозиция посвящена творчеству одного из наиболее самобытных скульпторов XX столетия – Степана Дмитриевича Эрьзи (Нефёдова). Этот мастер провел 23 года в Аргентине, где, путешествуя по тысячелетним лесам провинции Чако, открыл для себя субтропические породы дерева, с которыми раньше не работал ни один скульптор: кебрачо, альгарробо и урундай. Новаторские материалы, больше напоминающие драгоценные камни, сделали его имя бессмертным. Современник и коллега Эрьзи, С.Т. Конёнков называл лес «огромным храмом с колоннами и сводами, с живущими там демонами и святыми, с духами и призраками всех сортов, глядящими вниз на человека и стремящимися к общению с ним».
Наша новая тематическая выставка исследует, как на подобное «стремление к общению» отвечал Степан Эрьзя. Диалог с лесами провинции Чако, длившийся почти четверть века, оказался одним из важнейших диалогов в его жизни.
Выставка объединяет 12 чарующих произведений Эрьзи — оригиналы и слепки скульптур аргентинского периода.
Записаться на экскурсию по выставке «В диалоге с Чако» можно на сайте музея в разделе «Контактная информация».
Выставка продлится до 6 июня 2024 года.
На прошлой неделе, в рамках мероприятий, приуроченных к открытию в музее «Собрание» тематической выставки «В диалоге с Чако» состоялась видеоконференция «Степан Эрьзя. В поисках идеального материала».
Ссылка на трансляцию
Партнер музея «Собрание», Международный фонд искусств им. С.Д. Эрьзи, знакомит жителей города Москвы и гостей города со своей коллекцией, которая является результатом большой работы по поиску и сохранению творческого наследия скульптора в разных городах и странах, где подолгу жил и творил великий мастер. В экспозицию вошли 14 эксклюзивных копий произведений С. Эрьзи, оригиналы которых ныне находятся в мало доступных местах Европы и Америки – музейных и частных коллекциях Италии, Аргентины и Уругвая.
Билеты можно приобрести на сайте Международного фонда искусств им. С.Д. Эрьзи
Выставка работает до 1 января 2025 года.
Сегодня отмечается международный день культуры
15 апреля в России и многих других странах отмечается Международный день культуры. Дата связана с подписанием 15 апреля 1935 года в Вашингтоне договора "Об охране художественных и научных учреждений и исторических памятников", получившего известность в международно-правовой практике как Пакт Рериха. В том же году в Нью-Йорке прошел праздник, посвященный Знамени Мира — официальному символу Пакта Рериха. Художник изобразил его в виде трех красных кругов, заключенных в красную окружность, на белом фоне.
Декоративный элемент: волна Витрувия или витрувианский свиток
«Волна Витрувия» – поэтический образ, означающий идеальную гармонию формы, функции и прочности, ритм вечных принципов красоты.
Витрувианская волна (также известна как витрувианский свиток, «бегущая собака») – орнамент, декоративный мотив, состоящий из повторяющихся волнообразных форм. Чаще всего такой декоративный элемент можно встретить в архитектуре – в оформлении фасадов зданий, построенных в стиле неоклассицизма или ар-деко, где важны отсылки к античным канонам. В интерьерах библиотек и театров, в университетах концертных залах – то есть в пространствах, связанных с знанием, искусством и гармонией. Волна Витрувия встречается в дизайне и оформлении предметов роскоши – на корпусах часов, в ювелирных изделиях, в эксклюзивной мебели как знак следования высшим принципам ремесла.
Название орнамента связано с именем Витрувия (лат. Marcus Vitruvius Pollio; ок. 80-70 гг. до н. э. – после 13 г. до н. э.) – древнеримского учёного-энциклопедиста, архитектора и механика, известного написанным в I веке до н.э. трактатом «De Architectura» («Об архитектуре»). Стремясь найти универсальные законы красоты и гармонии через математику и геометрию, Витрувий обобщил знания своего времени о строительном искусстве и, в частности, вывел «три закона» архитектуры – знаменитая «Триада Витрувия»: прочность, польза, красота (лат. firmitas, utilitas, venustas).
Волна Витрувия широко используется в архитектуре и в различных областях декоративно-прикладного искусства. Некоторые исследователи называют ее округлой вариацией меандра – орнамента, построенного на ритмическом чередовании и сочетании геометрических элементов. Участки между волнистыми завитками могут быть декорированы другими стилизованными формами, а узор может быть расположен в обратную сторону, с ломаными в беспорядке волнами.
Волна олицетворяет силу природы, динамизм, жизненную энергию и вечный круговорот времени. Этот орнамент часто использовался для украшения разных предметов и строений, от колонн и фресок до декоративных элементов на посуде и одежде. Так как волна – это линия, используют этот орнамент в основном для «окантовки», то есть в качестве декоративного бордюра.
https://mus-col.com/events/38740/
Продолжаем делиться атмосферой презентации арт-календаря Благотворительного фонда «Русский Силуэт», которая прошла в музее «Собрание». В этот вечер мода стала частью музейного пространства, органично соединив современный дизайнерский язык с историческими интерьерами.
Показ коллекций, ставший центральным событием вечера, наглядно продемонстрировал философию проекта — диалог поколений, поддержку молодых талантов и уважение к традициям отечественной моды. Образы, представленные на подиуме, отражают идею арт-календаря как синтеза искусства, визуальной культуры и времени.
Подробнее о деятельности фонда и проекте — на официальном сайте «Русского Силуэта»:
https://russian-siluet.ru
Оттенок «Облачный танцор» стал цветом 2026 года по версии Pantone
Американский институт цвета Pantone объявил цветом 2026 года оттенок белого «Облачный танцор» (PANTONE 11-4201 Cloud Dancer). Этот выбор стал неожиданным: в последние годы преобладали яркие и насыщенные тона, тогда как нейтральные оттенки крайне редко становились «цветом года». Впервые за 26 лет существования программы Pantone выбрал ахроматический цвет.
Институт цвета Pantone описывает «Cloud Dancer» как «возвышенный белый, символизирующий успокаивающую тенденцию в обществе». Это особый оттенок — чуть холоднее молочного, мягче стерильно-белого, с лёгкой дымчатой глубиной, делающей его живым и выразительным. По словам директора Института цвета Леатрис Эйсман, «Облачный танцор помогает услышать голос внутреннего “я” и сосредоточиться, освобождаясь от внешнего шума».
Эксперты связывают этот выбор с философией времени: эпохой информационной перегруженности, тревожности и постоянных отвлекающих факторов. Белый в данном случае символизирует паузу, ясность и «чистый лист» — основу для обновления и творчества. Pantone подчёркивает, что цвет года не является директивой, а скорее отражает общее настроение и стремление к простоте, покою и осмысленности.
Pantone — международный визуальный стандарт, определяющий цветовые тенденции в дизайне, моде, архитектуре, рекламе и промышленности. Объявленный цвет года быстро находит отражение в коллекциях брендов, интерьерных решениях и визуальной культуре, поскольку он отражает глубинные изменения в восприятии мира и эстетике времени.
В искусстве белый цвет традиционно ассоциируется с чистотой, светом, духовностью и началом, подчёркивая форму и усиливая выразительность других цветов.
В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные предметы, выполненные в главном цвете 2026 года — оттенке белого «Облачный танцор».
К 110-летнему юбилею Фрэнка Синатры – символа эпохи
ХХ век подарил миру немало выдающихся музыкантов, но имя Фрэнка Синатры занимает среди них особое место. Его называли Голосом эпохи, эталоном вкуса и стиля, артистом, чьё творчество завораживало несколько поколений слушателей. Синатра стал легендой ещё при жизни, а его «бархатный» тембр и сегодня остаётся узнаваемым во всём мире.
Фрэнсис Альберт Синатра (1915–1998) — американский певец итальянского происхождения, актёр, режиссёр и продюсер. Лауреат «Оскара», одиннадцатикратный обладатель премии «Грэмми», четырёхкратный лауреат «Золотого глобуса», обладатель Золотой медали Конгресса США. За 60 лет карьеры он исполнил более двух тысяч песен, гастролировал в десятках стран, а тираж его пластинок превысил 150 миллионов экземпляров.
Певческая карьера Синатры началась в 1930-х годах, а к середине века он стал символом эстрады, джаза, свинга и стиля «крунинг». Его репертуар включал произведения Джорджа Гершвина, Кола Портера, Ирвинга Берлина, Генри Манчини, Берта Кемпферта и многих других композиторов. Ему были присущи безупречная техника фразировки, чёткая дикция и редкое чувство музыкальной формы.
Не меньших успехов Синатра добился и в кино. Он снялся более чем в 60 фильмах, а вершиной его кинокарьеры стала премия «Оскар» за роль в фильме «Отныне и во веки веков» (1953). Среди самых известных работ — «Человек с золотой рукой», «Высшее общество», «Одиннадцать друзей Оушена», «Маньчжурский кандидат».
На протяжении десятилетий Фрэнк Синатра оставался на вершине славы, умело адаптируясь к меняющимся музыкальным тенденциям. Его жизнь и карьера переплетались с важнейшими событиями американской истории — от эпохи биг-бэндов до расцвета Лас-Вегаса. Он стал олицетворением американской мечты, послевоенного оптимизма и музыкального совершенства.
Фрэнк Синатра — не просто артист, а подлинный символ эпохи.
https://mus-col.com/events/38730/
Слово месяца: ар-деко
Ар-деко (от arts décoratifs — «декоративные искусства») — один из самых выразительных и узнаваемых стилей XX века. Он возник после потрясений Первой мировой войны и стал эстетикой новой жизни — энергичной, уверенной, устремлённой в будущее. Между 1920-ми и 1930-ми годами ар-деко буквально захватил мир, став символом роскоши, технологического прогресса и стремления к гармонии между искусством и индустрией. Своё имя стиль получил после Международной выставки декоративного искусства 1925 года в Париже, где его принципы были впервые представлены столь масштабно и убедительно.
Ар-деко вобрал в себя лучшие черты неоклассицизма и модерна, но пошёл дальше, соединяя разные художественные традиции в цельную и торжественно-геометрическую систему. На него повлияли кубизм и конструктивизм, стремившиеся к чётким формам; футуризм с его идеями скорости и движения; а также экзотические мотивы Египта, Японии, Индии, цивилизаций майя и ацтеков. Стиль построен на контрастах — гладкие лаки соседствуют с матовыми поверхностями, холодный блеск хрома «спорит» с тёплым деревом, строгая геометрия сочетается с богатой орнаментальностью.
Материалы в ар-деко всегда играли особую роль: красное и эбеновое дерево, перламутр, эмаль, кожа акулы и ската, хрусталь, стекло и хром. Эти элементы использовали не только для украшения, но и для создания сложной композиции — инкрустаций, маркетри, контрастных вставок. В интерьерах сияли бронзовые элементы, золотые детали, зеркальные поверхности и насыщенные цвета — от глубокого чёрного и рубинового до изумрудного, кобальтового и бирюзового. Ар-деко любил декорации, но декорации продуманные, подчёркивающие функциональность и гармонию пространства.
В этот период рождалась новая эстетика городской жизни: в стиле ар-деко возводились кинотеатры, вокзалы, океанские лайнеры, роскошные отели, общественные здания и частные интерьеры. Мебель и предметы быта создавались как штучные произведения искусства — с идеей комфорта, технологичности и визуального блеска. Многие дизайнерские решения того времени, например встроенная подсветка или объединение мебели с бытовыми механизмами, стали основой современного дизайна.
К концу 1930-х годов ар-деко стал восприниматься как слишком роскошный для эпохи новой экономии и ограничений, уступив место более строгим направлениям. Однако интерес к нему вспыхнул вновь в 1960-х, а затем в 1980-х годах, и сегодня ар-деко неизменно ассоциируется с элегантностью, гламуром и неповторимой атмосферой «золотого века».
В коллекции музея представлены произведения ар-деко самых разных жанров: декоративно-прикладные и ювелирные предметы, графика и скульптура, оригинальные механизмы и редкие музыкальные автоматы. Многие из них вошли в тематический альбом, подготовленный к 100-летию этого легендарного стиля.
Видео-гид «Скульптура эпохи ар-деко» размещён в разделе «Прогулки по музею», а аудиорассказ «Европейская бронзовая скульптура эпохи ар-деко» доступен в разделе «Аудио рассказы».
https://mus-col.com/events/38664/
Декоративные элементы орнамента: меандр
Меандр – это геометрический орнамент, состоящий из непрерывной изогнутой или ломаной линии под прямыми углами. Имеет вид бордюра или сетки из мотивов, образованных изломанной под прямым углом линии. Его называют также бесконечным лабиринтом. Меандр был известен уже в культурах неолита, распространен на территориях современного Китая и Мексики, но особую популярность он получил в Древней Греции. Греки широко использовали различные варианты этого декоративного элемента – «закольцовывали» края и ободки амфор, блюд и щитов, украшали здания, одежду и предметы быта. Этот орнамент имел и магический смысл – он олицетворял извилистое течение человеческой жизни, которая при всех неожиданных поворотах все же движется в определенном направлении и это направление – стремление к добродетели.
Меандр также символизирует вечность, бесконечное обновление жизни, постоянную смена поколений. Он был основным, а иногда и единственным, элементом декора на вазах, покрывая сосуды сплошным ковром строгих, ритмичных узоров.
Название орнамента происходит от реки Меандр (ныне Большой Мендерес) в Малой Азии (современная Турция), которая славилась своими извилистыми, петляющими берегами. Это могло быть связано с идеей о том, что жизнь, как и река, полна неожиданностей и поворотов, и каждый изгиб – это новая возможность для роста и преобразования. Причудливые изгибы реки стали природной метафорой для этого узора. Простой, на первый взгляд, меандр построен на строгих принципах, которые и делают его таким выразительным и универсальным:
Непрерывная линия. Фундаментальный принцип узора – он состоит из единой линии, которая не имеет ни видимого начала, ни конца, постоянно поворачивая и продолжая саму себя.
Геометричность. Это эталонный пример геометрического орнамента, в котором нет никаких отсылок к природным, растительным формам. Классический меандр всегда состоит из прямых линий и углов в 90 градусов, что придает ему строгий и упорядоченный вид.
Ассоциация с Грецией. Хотя этот орнамент встречается в разных культурах, именно в искусстве Древней Греции он достиг своего расцвета и стал ее настоящей «визитной карточкой».
Тем не менее, самый древний орнамент подобного типа был найден на палеолитической стоянке Мезин на правом берегу Десны. Он был вырезан на браслете из бивня мамонта около 23 000 лет до н.э. Это доказывает, что идея непрерывного геометрического узора является одним из древнейших визуальных архетипов в человеческой культуре.
С течением веков меандр вышел за пределы греческих храмов и ваз, обрел новое дыхание в искусстве Римской империи и позже на Востоке. Римляне унаследовали меандр от греков и активно использовали его в мозаиках, архитектурном декоре и тканях. Позже, в эпоху классицизма и ампира, интерес к античности возродил моду на меандр, и он снова стал популярным элементом декора. В буддизме меандр стал символом реинкарнации, при этом линии орнамента стали пересекаться, образуя внутри меандра еще один древний символ – свастику, которая служит обозначением вечности и неизменности Солнца. Ведь как её не поверни, знак меняться не будет. Это также символ четырех сторон света, четырёх времен года, изобилия, щедрости, света и жизни.
Меандр настолько идеален в своей простоте, что доказывает невероятную гениальность его создателей, и трудно найти столь часто воспроизводимый рисунок, чем эталонный символ античности.
Меандр — это больше, чем просто украшение (декоративный элемент). Это универсальный символ, прошедший через тысячелетия. От извилистой реки в Малой Азии до фризов Парфенона и современных интерьеров, он продолжает нести в себе идею вечного движения, порядка и неразрывной связи времён.
https://mus-col.com/events/38476/
Обновление раздела коллекции «Граммофонные пластинки»
В музее «Собрание» представлены практически все виды музыкальных носителей прошлого: от старинных парафиновых цилиндров и бумажных роллов, на которые путем перфорации наносились музыкальные произведения, до граммофонных пластинок начала ХХ века с первыми живыми музыкальными записями для патефонов и граммофонов. Коллекция наглядно иллюстрирует богатейшую историю музыкальных носителей и их эволюцию. Раритетные мелодии и аутентичное звучание различных экспонатов представлены в разделе «Фонотека».
Представляем вам обновленный раздел коллекции «Граммофонные пластики», который пополнился граммофонными пластинками всемирно известной звукозаписывающей компании «His Master’s Voice».
«His Master’s Voice» (сокращенно «HMV») – американская торговая марка, на которой изображена собака, слушающая граммофон. Эта торговая марка уже больше ста лет существует в музыкальном бизнесе и считается одной из самых известных в мире. Основой для создания логотипа послужила одноимённая картина британского художника Фрэнсиса Барро (Francis Barraud), на которой тот изобразил собаку своего покойного брата, по кличке Ниппер.
Удивительная история самого известного в музыкальной индустрии пса по кличке Ниппер опубликована рубрике «Аудио рассказы».
В коллекции музея представлены грампластинки с известным логотипом «His Master’s Voice», граммофоны и патефоны, репродукция картины Френсиса Барро с изображением собаки, слушающей граммофон и памятные карманные часы «Victor» (1930-е гг.) с её изображеним.
Рассмотреть фотографии пластинок и прослушать аудиозаписи можно в разделе «Граммофонные пластинки».
https://mus-col.com/events/38348
Лекция «История клавишных инструментов»
В четверг 20.11.2025, наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «История клавишных инструментов» (лектор Анна Савченкова).
Лекция посвящена эволюции струнно-клавишных инструментов. Рассказ пойдёт о том, как соединение частей органа и монохорда – древнего инструмента с одной или несколькими струнами, используемого для музыкальных исследований или медитаций, привело к созданию первых клавикордов; а также об отличительных особенностях необычных инструментов XVII-XVIII веков: спинетов, мюзеларов, верджинелов и клавицитериев.
Узнаете – кто и когда создал первые фортепиано; познакомитесь с ведущими фирмами, производившими самоиграющие клавишные инструменты. В заключительной части речь пойдёт о роялофонах и пианолах начала XX века, представленных в коллекции музея «Собрание».
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя нужно оформлять отдельную заявку.
Лекция проводится в лектории музея на минус 1 этаже.
Продолжительность – 60 минут.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
Вспоминая талантливого журналиста и телеведущего Бориса Ноткина
11 ноября день памяти замечательного советского и российского журналиста и телеведущего Бориса Ноткина.
Работу на телевидении Борис Исаевич начал в 1990 году – он стал ведущим программы МТК «Лицом к городу».
В 1994 году Борис Ноткин создал авторскую программу «Приглашает Борис Ноткин», за которую в 1995-1996 гг. был номинирован на премию «ТЭФФИ». В 1997 году талантливый ведущий был приглашен на новый канал «ТВ Центр», где вошел в состав руководства, и начал вести собственную программу. Первоначально она называлась «Галерея Бориса Ноткина», а с 1999 она стала именоваться «Грани». Через год ведущий восстановил наименование своей передачи на телевизионном канале МТК, и популярнейшая программа «Приглашает Борис Ноткин» снова вышла в эфир. На передачу к Ноткину охотно приходили самые разные люди – министры и политические деятели, актеры и певцы.
Интеллигентность и выдержка ведущего создавали особую атмосферу в студии. Всем известно, что успех программы или интервью во многом зависит от ведущего. В своих вопросах собеседнику журналист как бы предвосхищает то, что хотели бы спросить сами читатели, радиослушатели, телезрители. Программа построена в форме диалога между ведущим и гостем. Гостями известного ведущего были популярные актеры, политики, музыканты спортсмены, государственные деятели – от Татьяны Навки и Надежды Бабкиной до министра иностранных дел Сергея Лаврова и писателя Василия Аксенова. В ходе беседы обсуждалась личность интервьюируемого, его семья, карьера, положение в обществе и социальные вопросы.
Интервью-портрет – особая разновидность телевизионного интервью с целью всестороннего раскрытия личности собеседника. Преимущественное значение приобретают социально-психологические эмоциональные характеристики, выявление системы ценностей интервьюируемого собеседника.
И сегодня мы можем посмотреть полюбившиеся программы Бориса Исаевича.
Все выпуски программы «Приглашает Борис Ноткин»
Тематический альбом к 200-летию французского архитектора Шарля Гарнье
Жан Луи Шарль Гарнье (фр. Jean-Louis-Charles Garnier, 06.11.1825–03.08.1898) — выдающийся французский архитектор, теоретик и практик стиля боз-ар*, автор проекта знаменитого здания Парижской оперы, носящего его имя. Его творчество стало воплощением гармонии искусства и инженерной мысли XIX века.
Родился Гарнье в Париже, в семье владельца фирмы по аренде экипажей. С юных лет проявив способности к рисованию, он поступил в художественную школу, затем работал помощником архитекторов. После окончания Школы изящных искусств стал лауреатом престижной Римской премии, позволившей ему продолжить обучение во Французской академии в Риме. Путешествия по Италии, Греции и Стамбулу помогли ему сформировать собственное творческое мировоззрение и выработать уникальный архитектурный почерк, сочетающий западную классику с восточной декоративностью.
После возвращения во Францию Гарнье участвовал в реставрационных работах, а в 1861 году одержал блестящую победу в конкурсе на проект нового здания Парижской оперы. Его проект был признан лучшим из 171 представленного, и в 1875 году здание торжественно открылось. Парижская опера — главное творение архитектора, воплотившее роскошь, торжественность и техническое совершенство стиля боз-ар, ставшее символом эпохи Второй империи.
По приглашению князя Монако Карла III Гарнье разработал проект Казино Монте-Карло (1863), впоследствии дополненного оперным залом — Залом Гарнье (1879), открывшимся представлением с участием Сары Бернар. Этот архитектурный ансамбль стал одной из главных достопримечательностей Монако и важным вкладом Гарнье в развитие европейской театральной архитектуры.
Помимо проектной деятельности, Шарль Гарнье преподавал в Школе изящных искусств, писал труды по архитектуре, среди которых — «Трактат о театре», где изложил свои взгляды на устройство современных театральных зданий. Его работы оказали значительное влияние на архитектуру конца XIX века, утвердив стиль боз-ар как одно из ведущих направлений европейского градостроительства.
В разделе коллекции музея «Печатная продукция» представлен комплект открыток с изображениями Казино и Зала Гарнье (212 единиц), созданных по проекту мастера. Часть открыток вошла в тематический альбом, подготовленный к 200-летию великого архитектора и представленный в фотогалерее музея «Собрание».
https://mus-col.com/events/38186
*Боз-ар (от фр. *beaux-arts* — «изящные искусства») — эклектичный архитектурный стиль, объединяющий элементы классики, ренессанса и барокко. Для него характерны симметрия, монументальность, богатая декоративная отделка и торжественность композиции.Читать полностью…
К дню рождения С. Эрьзи. Вспоминаем выставку работ скульптора
Накануне дня рождения Степана Дмитриевича Эрьзи (11.1876-11.1959) – самобытного скульптора XX столетия, вспомним о недавно прошедшей в музее «Собрание» тематической выставке «В диалоге с Чако»*.
Мало кто из российских скульпторов удостоился в XX веке такого широкого признания, как Степан Нефедов. Всюду, куда забрасывала его судьба, этот мастер сумел оставить о себе прекрасную память, сохранившуюся в его творениях, которые невозможно забыть, если суждено хоть раз их увидеть!
Под резцом скульптора оживали женские образы, навеянные его фантазией и любовью. Чувство восхищения, которое окружающий мир вызывал у скульптора, он сумел выразить в своем творчестве.
Творчество талантливого скульптора Степана Дмитриевича Эрьзи, раскрывая одну из ярчайших страниц искусства, принадлежит к подлинно народным ценностям нашей культуры. Эрзянин по национальности, он стал широко известным скульптором под именем Эрьзя. Этот псевдоним скульптор взял в честь своего малочисленного народа как дань большой любви к нему, заложившему в нем основу художественного мастерства. В своем творчестве Эрьзя опирался на лучшие образцы русского и мирового искусства, оставаясь при этом сыном своего народа, неуловимыми нитями связанным с родной землей, ее природой, с ее вековыми традициями в области народного творчества.
Выставка «В диалоге с Чако» объединила 12 чарующих произведений мастера – оригиналы и слепки скульптур аргентинского периода из коллекции музея «Собрание», Международного фонда искусств имени Степана Эрьзи и антикварного салона «На Патриарших».
Диалог с Чако, длившийся почти четверть века, оказался одним из важнейших диалогов в жизни скульптора.
Фоторепортаж об открытии выставки – в Фотогалерее музея.
Видео-гид по выставке «В диалоге с Чако» – в разделе «Прогулки по музею».
*Чако (исп. Chaco) – провинция Аргентины, расположенная на севере страны, около границы с Парагваем. Её административный центр – город Ресистенсия.Читать полностью…
К 200-летию со дня рождения Иоганна Штрауса-младшего
25 октября 2025 г. исполняется 200 лет со дня рождения прославленного австрийского композитора, дирижёра и скрипача, «Короля вальсов» Иоганна Штрауса. За свою жизнь композитор создал 496 произведений, в том числе 168 вальсов, 117 полек, 73 кадрили, 43 марша, 31 мазурку, 15 оперетт, комическую оперу и балет. Многие из этих музыкальных сочинений стали признанной классикой, и в наши дни они регулярно исполняются в консерваториях и концертных залах по всему миру.
Вальсы Штрауса напоминают удивительные истории, рассказанные на одном дыхании. Их атмосфера волшебства и симфоническая глубина, оптимизм и жизнелюбие завораживают и покоряют миллионы слушателей, превращая каждое исполнение в незабываемый праздник.
Сегодня в нашей традиционной рубрике «Мелодия с историей» – речь пойдёт о мелодии, закодированной на бумажной перфорированной ленте, – о музыкальном носителе, который используется во многих механический музыкальных инструментах и предметах.
Вальс Иоганна Штрауса-младшего «На прекрасном голубом Дунае» (нем. An der schönen blauen Donau; op. 314) – один из наиболее известных вальсов австрийского композитора, написанный в 1866 году в Вене. Первоначально вальс был создан для Венского мужского хорового общества по просьбе его руководителя Иоганна Франца Хербека, что стало первым опытом композитора в таком жанре. Подтекстовку на готовую музыку написал поэт Йозеф Вайль, сотрудник этого хора. Премьера произведения состоялась 15 февраля 1867 года в Вене.
Прослушать эту бумажную перфорированную ленту можно, в том числе, на уличном органе, представленном в разделе «Механические музыкальные инструменты и предметы» коллекции музея «Собрание». Этот орган был создан мастерами компании LIMONAIRE FRÈRES в Париже в 1886-1897годах.
Деревянный корпус органа установлен на высоком цоколе с угловыми ножками, фасад – бирюзового цвета с золотистым орнаментом. На открытой центральной части фасада расположен набор деревянных лабиальных труб, по углам – резные колонны. На фризе – изображения бабочек золотистого цвета, между ними надпись: «LIMONAIRE FRÈRES». На лицевой стороне цоколя, в его нижней части, надпись: «166, Avue DAUMESNIL-PARIS» (адрес мастерской, в которой создавался этот орган).
На задней стороне корпуса установлен деревянный канал с бортиками и раскрывающимся лентопротяжным механизмом, с планкой со считывающими рычажками в прорезях, шкивом, с прижимными и ведущими валиками. Слева – чугунный маховик с деревянной ручкой и ременной передачей к шкиву лентопротяжного механизма. При вращении маховика приводятся в движение мехи и лентопротяжный механизм, через который проходит перфолента, при попадании считывающего рычажка в отверстие на перфоленте он поднимается вверх и через промежуточную пневматическую систему открывает клапан соответствующей трубы, в неё поступает воздух и заставляет её звучать.
В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные музыкальные носители с записями произведениями И. Штрауса - это граммофонные пластинки, бумажные перфорированные ленты и металлические диски. Мы оцифровали несколько произведений великого австрийского композитора и представляем их в юбилейной музыкальной подборке.
На иллюстрации: Уличный орган. Limonaire Frères. Франция, Париж. 1886-1897 г.г.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6263
Расписание
Дорогие друзья, весна в самом разгаре и скоро нас ждут долгие выходные!
Расписание работы музея в праздники:
01.05.2024 и 09.05.2024 - выходные дни (экскурсии проводится не будут)
02.05.2024 - 08.05.2024 музей будет работать по обычному графику.
Посетить музей в эти дни можно будет по предварительной записи на сайте музея - mus-col.com
Музей «Собрание» — проект именно культурно просветительский. Осуществляя хранение, изучение и презентацию экспонатов, музей актуализирует культурное наследие, обеспечивая его соотнесение и взаимодействие с современными социокультурными процессами, и способствуя тем самым воспроизводству и дальнейшему развитию культуры. Сегодня в Международный день культуры можно вспомнить выставки, прошедшие в нашем замечательном музее и посетить виртуальные экскурсии по ним.
Видео доступны для просмотра на сайте музея и наimuseumcollection5314"> ютуб канале музея
Цикл видео экскурсий «Прогулки по музею»
Выставка «Порядок вещей»
Выставка кукол-автоматонов «Парад-Алле» (1-я и 2-я части)
Выставка «Фирма Федора Лорие и ювелир Егор Черятов. Возвращение» (1-я и 2-я части)
Выставка «Баллада о стекле» Посвящается Эмилю Галле...
Выставка «Любовью щедрая земля» (1-я и 2-я части)
Тематическая выставка к 155-летию со дня рождения скульптора Паоло Трубецкого
Поздравляем с международным днём культуры представителей творческих профессий, деятельность которых направлена на защиту и преумножение достижений культуры, искусства и науки.
Вдохновения, творческих свершений и побед, счастья и процветания!
Экспонат в деталях: музыкальные настенные часы XVI века
Сегодня в рубрике «Экспонат в деталях» видео рассказ о музыкальных настенных часах с четвертным боем, указателем фаз луны и автоматоном. Часы были изготовлены в Нидерландах в середине XVI века. В силу технического устройства и конструктивных особенностей это довольно громоздкий предмет. Привычного закрытого корпуса часы не имеют: механизм закреплен внутри стального каркаса, а по бокам закрыт деревянными дверцами. При этом в нижней части перекрытие отсутствует из-за свисающих грузов, а в верхней части перекрытия нет из-за музыкального механизма, который включает в себя шесть колокольчиков и молоточков, и каждый четвертый час звучит одна выбранная мелодия из трёх, записанных на программном валике. На лицевой стороне располагается крупный циферблат, на черном кольцевом поле – золотые римские цифры, обозначающие часы, а минутные деления в виде двух тонких полосок находятся на внутреннем красно-коричневом кольце меньшего размера.
Часы имеют две стрелки – часовую и минутную; а также на циферблатном поле сине-зеленого цвета можно заметить черно-золотой круг – это указатель фаз Луны. Это значит, что помимо хронометрической информации эти часы предоставляют зрителю сведения о движении и положении небесных тел.
В верхней части часов за золотой балюстрадой расположились три деревянные фигурки, это механические куклы. В центре композиции – Хронос, бог времени из древнегреческой мифологии. Фигура Хроноса движется синхронно с балансиром. По сторонам от Хроноса две мужских фигуры с молотками под названием «striking jacks» или жакемары. Так именуются механические фигурки, которые управляются часовым механизмом и осуществляют четвертной бой, то есть производят удары по колокольчику каждую четверть часа. Часовой бой осуществляется молотком, ударяющим по большому колоколу.