83070
Добро пожаловать, дружище! Мы уже тебя заждались 😁 Реклама @neznayca
Беженцы , 1917 г.
Якаб Казак 🇱🇻
Масло, холст
Национальный художественный музей, Латвия
Знаковое произведение латвийского художника, созданное в период Первой мировой войны. Размер полотна — впечатляющие 210,5 х 107 см, что подчёркивает монументальность и драматизм сцены.
Якаб Казак, будучи одним из лидеров латвийского художественного авангарда, создал эту работу на фоне социальных и политических потрясений, вызванных Первой мировой войной. Картина отражает трагедию беженцев, вынужденных покидать свои дома под гнётом войны. В 1917 году, когда создавалось произведение, Латвия находилась под оккупацией германской армии, и тысячи людей потеряли свои дома, став беженцами.
На картине изображены несколько фигур: мужчина в строгом костюме, задумчиво прижимающий руку к лицу, и группа женщин, выражающих разные состояния — усталость, горечь, материнскую заботу. Мужчина, возможно, символизирует интеллигенцию или отца семейства, раздавленного несправедливостью времени. Женщина в красном платье с ребёнком на руках напоминает образ мадонны, олицетворяющей жизнь и её продолжение даже в условиях бедствия.
На заднем плане изображены угрюмые деревья, ветви которых создают тревожный, гнетущий настрой. Их мрачные очертания усиливают атмосферу безысходности, подчёркивая тяжёлую судьбу героев.
Работа выполнена в экспрессионистской манере, характерной для творчества Казака. Геометризированные формы, строгие линии и приглушённая цветовая палитра подчёркивают эмоциональную напряжённость. Казак мастерски использует цвет, чтобы выразить контраст между жизненной энергией и подавленностью: ярко-красное платье женщины и мрачный фон усиливают драматизм сцены.
«Беженцы» — это не просто картина, а глубокое высказывание художника о трагедии народа в условиях войны. Казак стремился не только показать страдания, но и зафиксировать гуманистическую надежду на лучшее будущее.
Сегодня это произведение остаётся актуальным, напоминая о судьбе людей, вынужденных искать спасение вдали от дома, и призывая к осмыслению таких явлений через призму истории и искусства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Циклоп, ок. 1914 г.
от Одилон_Редон 🇫🇷
Масло на картоне, наклеенном на доску. 65,8 x 52,7 см
Музей Креллер-Мюллер, Нидерланды
"Циклоп" — это одна из самых загадочных и интригующих работ французского художника Одилона Редона.
Одилон Редон (1840-1916) был выдающимся французским художником, известным своими символистскими работами. Его творчество охватывает широкий спектр тем и стилей, от мифологических сюжетов до пейзажей и портретов. Редон часто использовал пастель и уголь, но также работал с маслом, создавая произведения, полные глубокого символизма и мистики.
"Циклоп" — это произведение, которое отражает интерес Редона к мифологии и фантастическим существам. Центральным элементом картины является изображение циклопа — мифического существа с одним глазом. Редон мастерски использует цвет и свет, чтобы создать атмосферу таинственности и загадочности.
Циклоп изображен в окружении природы, что подчеркивает его связь с миром мифов и легенд. Художник использует мягкие, приглушенные тона, которые создают ощущение спокойствия и задумчивости. В то же время, фигура циклопа вызывает чувство тревоги и неизвестности, что делает картину еще более интригующей.
Как и многие другие работы Редона, "Циклоп" наполнен символизмом. Циклоп может символизировать внутренний мир человека, его страхи и сомнения. Один глаз циклопа может олицетворять ограниченное восприятие реальности, в то время как окружающая природа символизирует бесконечность и неизвестность.
Картина также может быть интерпретирована как размышление о человеческой природе и нашем месте в мире. Циклоп, несмотря на свою мифическую сущность, вызывает чувство сопереживания и понимания, что делает его образ еще более глубоким и многослойным.
"Циклоп" Одилона Редона — это произведение, которое заставляет зрителя задуматься о мире мифов и легенд, а также о собственном внутреннем мире. Картина наполнена символизмом и мистикой, что делает её одной из самых запоминающихся работ художника. В музее Крёллер-Мюллер эта картина занимает особое место, привлекая внимание любителей искусства со всего мира.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Подготовка к дневному представлению
1907
Эдмунд_Тарбелл 🇺🇸
Масло, холст. 45,5 х 35,5 см.
Музей искусств Индианаполиса, США
Картина является ярким примером работы американской школы Бостона, которая сочетала академическую утонченность с влиянием французского импрессионизма. Художник изобразил молодую женщину, погруженную в повседневный процесс подготовки к выходу на представление — сцена передает спокойствие и интимность момента. Работа выполнена в технике масляной живописи и отличается мягкими мазками, создающими текстурную и световую динамику.
На полотне можно увидеть, как женщина в светлой блузке поправляет шляпку перед зеркалом, едва заметным в левом углу композиции. Такая постановка характерна для работ Тарбелла, который вдохновлялся картинами голландского мастера Йоханнеса Вермеера. Присутствие зеркала и тонкая игра света и тени также подчеркивают влияние Вермеера, что прослеживается и в других произведениях Бостонской школы.
Картина гармонично сочетает элементы реализма и импрессионизма. Внимание к деталям, например, к структуре ткани и отражению света, делает образ живым, а широкие мазки передают легкость и эфемерность момента. Композиция создает эффект уединения и внутреннего сосредоточения героини, что подчеркивает эмоциональную глубину работы.
Картина хранится в музее искусства Индианаполиса и считается одной из самых выдающихся работ Тарбелла, демонстрируя его мастерство в изображении женской красоты и повседневных сцен. Картина отражает не только художественные достижения начала XX века, но и культурное восприятие роли женщины в обществе того времени.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Натюрморт с кофейными чашками
1912
Антон Файстауэр 🇦🇹
Венский музей
Яркий пример экспериментов австрийского модернизма начала XX века. Этот натюрморт, написанный маслом на холсте, отличается особой цветовой насыщенностью и энергичной манерой письма, которые выделяют его среди работ того времени.
В центре композиции — стол, на котором разложены разнообразные предметы: кофейные чашки, кувшин, чайник, фрукты. Они организованы таким образом, чтобы направить взгляд зрителя по всей картине, создавая ощущение движения. На первый взгляд, хаотичное расположение объектов на самом деле продуманно, что подчеркивает мастерство художника в создании глубины и гармонии.
Файстауэр активно использует пастозные мазки, передающие богатство текстур: от блестящей поверхности фарфора до мягкости фруктов. Контрасты между насыщенными тёмными тонами и яркими акцентами зелёного, оранжевого и белого создают впечатление живости и материальности.
Файстауэр, будучи частью движения модернистов, исследовал цвет как основное средство выражения эмоций. Здесь он использует глубокие коричневые и бордовые оттенки для фона, чтобы усилить эффект ярких и светлых цветов на переднем плане. Чашки и кувшины как будто излучают свет, создавая ощущение домашнего уюта, но при этом картина не теряет своей напряжённой экспрессивности.
Файстауэр был одним из основателей «Группы художников Зальцбурга» и одним из ведущих мастеров своего времени. Его стиль сочетает в себе черты постимпрессионизма и экспрессионизма, а также влияние таких мастеров, как Поль Сезанн. Файстауэр стремился обновить традицию натюрморта, сделав её более динамичной и эмоциональной.
Картина «Натюрморт с кофейными чашками» отражает этот стремление к новаторству. Она подчеркивает ценность повседневных вещей, превращая их в символы уюта и изысканности, но в то же время вызывает у зрителя чувство присутствия в этом почти сюрреалистическом пространстве.
Сегодня это произведение является значимой частью культурного наследия Австрии. Оно иллюстрирует переходное время в искусстве, когда художники искали новые формы самовыражения и расширяли границы традиционного жанра натюрморта.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Портрет мадемуазель Ланж в образе Данаи
1799
Анн-Луи Жироде-Триозона 🇫🇷
Наблюдение за огнем
1919 г.
Колин Гилл 🏴
20 ноября московская галерея Île Thélème отмечает день рождения!
Темой праздника станет путешествие Пантагрюэля в поиске оракула волшебной бутылки. В программе найдется место и большому концерту Île Thélème Ensemble, и нарядному путешествию в Версальский сад, и пленочному кинематографу. А праздничную атмосферу дополнят торт, угощения и живое общение с гостями и сотрудниками галереи.
В рамках концерта Île Thélème Ensemble прозвучат сочинения Стравинского, Десятникова, Берио, Фуррера, Саариахо, Такемицу и Полякова.
Билеты на праздник уже доступны на сайте пространства.
В Москве утверждены адреса домов, попавших под снос!
Финальные списки домов, которые снесут до 2032 года уже сформированы. Выбирай свой район из списка, чтобы проверить ваш дом: 👇
ЦАО: @CAO24
Патрики: @patriki
Таганский: @taganskiy
Якиманка: @yakimanka
Басманный: @basmanny
Хамовники: @khamovniki
Пресненский: @presnenskiy
Тверской и Арбат: @tverskoi
Мещанский: @meshchanskiy
Замоскворечье: @zamoskvoi
Красносельский: @krasnoselsky
СВАО: @SVAO24
Бибирево: @bibirevo
Ярославский: @uarik
Отрадное: @otradnoe
Бутырский: @butyrskiy
Бабушкинский: @babushk
Медведково: @medvedkovo
Алексеевский: @alexeevskiy
Марьина роща: @marinaroshcha
Свиблово и Ростокино: @sviblovo
Останкино и Марфино: @ostankino
Лианозово и Алтуфьево: @lianozov
САО: @SAO24
Дегунино: @degunino
Сокол и Аэропорт: @sokol
Дмитровский: @dmitrovskiy
Хорошёво и Беговой: @horoshov
Коптево и Войковский: @koptevo
Ховрино и Головинский: @hovrino
СЗАО: @SZAO24
Митино: @mitino
Тушино: @tushino
Строгино: @strogino
Хорошёво-Мнёвники: @mnevnik
Стрешнево и Щукино: @pokrovsk
ЗАО: @ZAO24
Раменки: @ramenki
Очаково: @ochakovo
Тропарёво: @troparev
Солнцево: @solntsevo
Можайский: @mojaiskiy
Дорогомилово и Фили: @fili
Кунцево и Крылатское: @kunzevo
Ново-Переделкино: @novoperedel
Проспект Вернадского: @vernadsk
ЮЗАО: @UZAO24
Зюзино: @zuzino
Бутово: @butovo
Коньково: @konkovo
Ясенево: @yasenevo
Тёплый Стан: @teplystan
Академический: @akadem
Черёмушки: @cheremushki
ЮАО: @UAO24
Бирюлёво: @birulevo
Чертаново: @chertanovo
Орехово-Борисово: @orexboris
Донской и Даниловский: @donsk
Нагатино и Нагорный: @nagarino
Царицыно и Москворечье: @tsari
Братеево и Зябликово: @brateevo
ЮВАО: @UVAO24
Лефортово: @lefor
Марьино: @marino
Люблино: @lublino
Кузьминки: @kuzminki
Рязанский: @razanskiy
Некрасовка: @nekrasov
Южнопортовый: @uznoport
Выхино-Жулебино: @vihzhel
Текстильщики, Печатники: @teksti
ВАО: @VAO24
Гольяново: @galianovo
Измайлово: @izmailovo
Сокольники: @sokolniki
Ивановское: @ivanovskoe
Косино и Вешняки: @kosino
Богородское: @bogorodskoe
Перово и Новогиреево: @perovo
Преображенское: @preobrazhensk
ТиНАО: @TiNAO24
ЗеЛАО: @ZeLAO24
Вся Москва и область: @moscow
Это лучший формат подготовки к выходу в театр
Наша дружеская рекомендация - проект "Свидание с оперой" музыковеда Екатерины Муковозчик.
У Кати есть авторские лекции в записи по 28 (!) операм.
"Никогда ещё опера не была такой близкой и понятной, не воспринималась так глубоко и полно, как после Катиной лекции"
Никита Кузьменко — российский художник-плакатист и дизайнер. Ему 27 лет. Он живет в Москве, но свой художественный почерк получил в Казани. Совсем скоро Никита покажет новую серию плакатов — «Лучшая жизнь».
Работа «Спасение» — визуальный нарратив о фатальности — станет центральной в новой серии. Это связь с личной, а затем и со зрительской реальностью: через свет, контекст, пространство и текст.
Мы не первое поколение, которое испытывает фатальность на себе. Вот и люди бывшие до нас понимали — спасения нет. Но в доме каждого партийного функционера висела репродукция Сикстинской Мадонны Рафаэля. Бытового спасения нет.
Этому, кстати, — отечественному разобщению, — Никита посвятил серию «Эмиграция» 2022 года. А годом ранее он выпустил «Русский стандарт». Вспомнился и Эрик Булатов, картины которого вывозились из Советского Союза со штампом «художественной ценности не имеет».
Художник делает плакат: коллекционирует раны и выкладывает из этого мозаику. У художника ничего не заживает, а работа живет в безвременье.
Это все к чему.
Подписывайтесь на канал Никиты.
Обнажённая, спускающаяся по лестнице
1912
Марсель Дюшан
Холст, Масло. 147 × 89.2 см
Художественный музей Филадельфии, Филадельфия
Марсель Дюшан — одна из самых ярких и неоднозначных фигур XX века, чьи работы предвосхитили многие направления в искусстве, включая дадаизм и сюрреализм. Его картина «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» (1912), созданная в технике масла на холсте, является одним из самых значимых произведений модернизма, вызывая интерес зрителей и искусствоведов на протяжении более чем века.
В начале XX века искусство находилось в состоянии стремительных перемен. К традиционным формам изображения уже было применено множество революционных подходов, таких как кубизм, возникший под влиянием Пабло Пикассо и Жоржа Брака, и футуризм, стремящийся показать динамику современного мира. Картина Дюшана появилась на этом переломном фоне и предложила нечто совершенно новое, объединяя в себе элементы разных направлений и подходов.
Картина была представлена публике в 1912 году на Салоне Независимых в Париже. Это событие должно было стать дебютом работы, однако члены выставочного комитета, в том числе кубисты, выступили против её показа, сочтя произведение не соответствующим их идеям. Таким образом, картина вызвала неоднозначную реакцию, став символом свободы художественного самовыражения и бунта против канонов.
На картине изображена фигура, которая, как можно догадаться из названия, спускается по лестнице. Однако это не классическая обнажённая натура, как её принято представлять в искусстве. Фигура фрагментирована и разбита на множество геометрических форм. Она словно движется со скоростью, оставляя за собой следы и размытие. Картина кажется лишённой привычного объёма и перспективы: перед зрителем остаётся лишь череда абстрактных форм, где каждая деталь — лишь часть единого движения.
Цветовая палитра ограничена тёплыми, приглушёнными тонами, что придаёт картине суровую, почти механическую атмосферу. Дюшан избегает яркости, его задача — подчеркнуть сам процесс движения, а не сосредоточиться на деталях тела или его пластике.
Интересно, что Дюшан называл своё произведение не кубистским и не футуристским, хотя оно и заимствует отдельные элементы обоих стилей. Кубисты, такие как Пикассо и Брак, критиковали картину за её чрезмерный акцент на движении, который они считали чуждым их стремлению к неподвижной, аналитической композиции. Футуристы же, напротив, приветствовали идею движения, но считали композицию слишком статичной по сравнению с их собственными работами.
Дюшан создаёт свой язык, смешивая элементы разных направлений. Кубизм в его версии не фокусируется на разложении объектов на части, а показывает процесс движения, а футуризм приобретает абстрактный и технический оттенок.
После споров в Париже картина была представлена в 1913 году на знаменитой выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, где сразу вызвала скандал и привлекла внимание публики и критиков. Американская публика, непривычная к авангардным формам, приняла картину с удивлением и даже насмешкой, однако впоследствии именно она стала одним из символов модернизма.
Со временем картина приобрела статус культовой. Она была воспринята как вызов академическим традициям и как символ свободы творческого самовыражения. Влияние картины отразилось на будущем авангарда, в частности на таких направлениях, как дадаизм и сюрреализм, к которым Дюшан также приложил руку.
«Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это более чем просто живопись; это эксперимент, попытка переосмыслить само понятие искусства. Дюшан бросает вызов привычным канонам, заставляя зрителя увидеть обнажённое тело как нечто иное — не как объект созерцания, а как символ движения и непрерывности. Его картина представляет собой важный этап в развитии модернизма, став частью культурного наследия XX века и сохраняя актуальность и сегодня.
Таким образом, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это произведение, которое не укладывается в рамки ни одного направления, представляя собой яркий образец уникального подхода Дюшана к искусству.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Диана и нимфы, увиденные сатиром
1622 - 1627
Дейк, Антонис ван
Музей Прадо
Это одна из работ, иллюстрирующих влияние мифологии на барочное искусство.
На полотне изображена сцена, в которой сатир подглядывает за спящими богиней Дианой и её нимфами. Диана, римская богиня охоты и целомудрия. Её образ традиционно ассоциируется с чистотой и независимостью, но здесь она показана беззащитной и уязвимой, что контрастирует с её обычной ролью воительницы и защитницы природы. Ван Дейк использует насыщенные, глубокие тона, чтобы подчеркнуть чувственность сцены и драматизм момента. Гладкость и мягкость кожи Дианы контрастируют с грубостью и агрессивностью сатира, который стоит рядом. Этот контраст усиливает напряжение, придавая изображению едва уловимую тревожность.
В центре картины — фигуры Дианы и нимфы, драпированные ярко-красной тканью, что символизирует страсть и притягивает внимание зрителя. Композиция картины подчеркивает интимность и загадочность сцены. Изображение животных на переднем плане, включая мёртвую дичь и атрибуты охоты, создаёт ощущение присутствия природы и напоминает о роли Дианы как богини лесов и зверей.
Ван Дейк мастерски использует светотень, подчёркивая детали и создавая глубину сцены. Свет падает на Диану и нимфу, оставляя фигуру сатира в полутени, что усиливает его образ как тёмного, наблюдающего существа. Сцена наполнена таинственностью и символизмом, что характерно для стиля художника.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Эдуард Мане – один из самых известных французских художников XIX века, который оказал большое влияние на развитие искусства, в частности на импрессионизм и реализм. Его работы часто выделяются ярким светом, контрастами, свободным мазком и необычной для своего времени тематикой. Рассмотрим некоторые из лучших и наиболее известных картин Мане, которые и по сей день привлекают внимание зрителей.
1️⃣ «Завтрак на траве» (Le Déjeuner sur l’herbe), 1863
Эта картина, также известная как «Завтрак на природе», вызвала скандал в Париже после своей первой выставки. Она изображает двух мужчин в современном костюме, сидящих на пикнике с обнаженной женщиной. Работа нарушала традиционные правила академической живописи, смешивая жанры и показывая обнаженное тело в контексте современной жизни, а не мифологии или религиозных сюжетов. Композиция картины вдохновлена классическими произведениями, но исполнение и реализм обнаженной модели выделяют её как вызов общественным и художественным нормам.
2️⃣ «Олимпия» (Olympia), 1863
«Олимпия» считается одной из самых провокационных работ Мане и также вызвала резонанс в обществе. Картина представляет собой портрет обнаженной женщины, лежащей на кровати, которая уверенно смотрит на зрителя, а у её ног сидит служанка с цветами. Это произведение переосмысливает классический образ Венеры и акцентирует внимание на современности и прямолинейности. Картина была воспринята как вызов общественным устоям и получила много критики за то, что изображенная женщина казалась зрителям слишком откровенной и вызывающей.
3️⃣ «Бар в Фоли-Бержер» (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882
Эта картина – одна из последних работ Мане и представляет собой изображение барменши в модном кафе Парижа. В зеркале позади неё отражаются свет и жизнь ночного Парижа, что создает интригующую перспективу и глубину. Картина привлекает внимание своей сложной композицией и деталями, такими как разнообразие бутылок на баре и многочисленные отражения в зеркале. Эта работа считается выдающимся примером умения Мане сочетать реализм и символизм, создавая многозначные образы.
4️⃣ «Портрет Эмиля Золя» (Portrait d'Émile Zola), 1868
Этот портрет был написан как дань уважения другу Мане, писателю Эмилю Золя, который поддерживал художника после критики его предыдущих картин. На картине изображён Золя за рабочим столом, окружённый книгами и произведениями искусства, включая репродукцию «Олимпии». Картина выделяется своим вниманием к деталям и реалистичным изображением интеллигента. Она подчёркивает интеллектуальность Золя и его уважение к культуре и искусству, являясь одновременно и документом дружбы, и манифестом культурных взглядов.
5️⃣ «Испанский гитарист» (Le Joueur de guitare), 1860
Это одна из ранних работ Мане, созданная под влиянием испанского искусства, особенно работ Диего Веласкеса. Картина изображает молодого испанского гитариста в яркой традиционной одежде. Использование света и тени, динамичный мазок, внимание к национальным деталям в костюме – все это привносит в работу особое очарование. Картина стала одним из первых значительных произведений художника и открыла ему путь к признанию.
6️⃣ «Балкон» (Le Balcon), 1868–1869
Эта картина представляет собой сцену на балконе, где сидят или стоят несколько человек, глядя вдаль. Центральное место занимает фигура женщины в белом платье. Картина явно перекликается с работой Гойи «Махи на балконе», но Мане переделал её на свой лад, добавив нотки загадочности. Картина завораживает тем, как Мане передает настроение своих героев и контраст между светом и тенью.
Эти работы подчеркивают уникальный стиль Мане, его способность сочетать смелые идеи с мастерством исполнения. Мане стал своего рода мостом между традициями классического искусства и новаторскими идеями импрессионизма, влияя на многих художников своего времени и создавая картины, которые остаются важной частью мирового культурного наследия.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Если вы ещё не видели "Демона" Михаила Врубеля в Третьяковской галерее, это нужно исправить. Увидеть эту картину вживую — незабываемое впечатление. Сам образ Демона, который сидит в одиночестве, погружённый в глубокие, противоречивые размышления, словно дышит мистической энергией, а переливающиеся цвета и игра светотени создают ощущение, что фигура может ожить в любой момент.
Врубель — не просто художник, он — философ в красках. Его работы часто проникнуты символикой и экспрессией, которые помогают заглянуть в его душу. Это не просто картины, это своеобразные порталы в мир автора, где фантазия переплетается с внутренней борьбой, тоской и надеждой. Врубель был невероятно чутким к красоте и трагедии жизни, и в каждом его штрихе чувствуется это глубокое понимание.
Присмотритесь к его "Демону", "Царевне-лебедь" и другим работам — они дарят совершенно особенное впечатление и долгий след в душе. И не забудьте поделиться этим постом с друзьями, пусть они тоже прикоснутся к великому искусству Михаила Врубеля.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Винсент Ван Гог, один из самых выдающихся художников постимпрессионизма, оставил богатое наследие, включающее около 2100 произведений искусства, из которых более 860 — это картины. Его работы отличаются выразительностью, динамичностью и интенсивной цветовой палитрой, благодаря чему он приобрёл известность во всем мире. Рассмотрим самые знаковые его произведения, которые стали символами мирового искусства.
«Звёздная ночь» (1889)
Одна из самых известных картин Ван Гога, написанная в период его пребывания в психиатрической лечебнице Сен-Поль-де-Мозоль недалеко от Сен-Реми-де-Прованс. Картина изображает ночное небо с завихрениями света, яркими звездами и луной, словно окружающими городок внизу. Работа пронизана сильными эмоциями и передаёт чувство тревоги и восхищения перед бескрайностью вселенной. «Звёздная ночь» стала культовой благодаря своей уникальной технике и глубокой символике.
«Подсолнухи» (серия, 1888-1889)
Серия была написана в Арле, когда Ван Гог создавал свои натюрморты, используя простые и повседневные сюжеты. На картинах изображены букеты жёлтых подсолнухов в вазах, что символизирует жизнь и смерть: свежие цветы соседствуют с увядающими. Художник использовал оттенки жёлтого, чтобы создать тепло и оптимизм, но также передать ощущение тревоги. «Подсолнухи» стали визитной карточкой Ван Гога и оказали влияние на последующее развитие живописи.
«Ночная терраса кафе» (1888)
Эта картина была написана в Арле и изображает террасу кафе в ночное время. Ван Гог передал атмосферу южного французского городка с помощью ярких цветов и контрастов. Он использовал различные оттенки синего для изображения ночного неба и тёплые жёлтые тона для освещения кафе. Это произведение считается одной из первых картин, где художник начал активно использовать контрастные цвета, что стало отличительной чертой его стиля.
«Автопортрет с отрезанным ухом» (1889)
Этот автопортрет был написан вскоре после трагического инцидента, когда Ван Гог отрезал себе ухо в результате нервного срыва. Картина отражает его внутреннюю боль и психическое состояние. Художник использовал приглушенные цвета и плотные мазки, чтобы передать состояние тревоги и депрессии. Автопортрет также свидетельствует о стремлении художника к самоанализу и самоосмыслению.
«Пшеничное поле с воронами» (1890)
Считается одной из последних картин Ван Гога, созданной незадолго до его смерти. Она изображает поле под тёмным, угрожающим небом, по которому летают вороны. Картина наполнена мрачной символикой, олицетворяя одиночество и отчаяние. Яркие золотистые и жёлтые оттенки поля контрастируют с тёмным небом, усиливая драматизм сцены.
«Ирисы» (1889)
Были написаны в тот же период, что и «Звёздная ночь», в лечебнице Сен-Реми. Картина наполнена жизнью и светом, хотя и создавалась в сложное время для художника. Яркие синие цветы на фоне зелёной травы передают стремление к красоте даже в трудные моменты. «Ирисы» часто сравнивают с японскими гравюрами, которые Ван Гог высоко ценил и на которые он опирался в своей работе.
Заключение
Картины Ван Гога стали неотъемлемой частью мировой культуры, символизируя не только художественное новаторство, но и глубокие личные переживания художника. Каждое произведение, будь то «Звёздная ночь» или «Подсолнухи», отражает уникальный стиль и эмоциональную насыщенность его творчества. Несмотря на то, что Ван Гог не имел коммерческого успеха при жизни, его работы сейчас высоко ценятся и вдохновляют людей по всему миру.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
⚡️⚡️⚡️⚡️ Третьяковская галерея теперь в Telegram!
Покупать билет не нужно:
t.me/Płótno_tg
«Миниатюрная скульптура Японии» — первый аукционный дом в России, специализирующийся на аутентичных НЭЦКЭ и САГЕМОНО из Японии.
Наша миссия - открыть для Вас удивительный мир японской миниатюры и обеспечить доступ до аутентичных предметов музейного уровня по разумным ценам.
Регистрируйтесь, участвуйте и Побеждайте
https://japanesenetsuke.bidspirit.com/?viewHiddenAuctions=1#catalog~216
Также присоединяйтесь к нам в Телеграмм и откройте для себя новые горизонты.
t.me/+WoiSBz-VbFhjMGY6
«Искусство — это навсегда».
👍 Так как я никуда не могу поехать и даже почти не выхожу из дома, то все мои интересы, конечно, перекочевали в виртуальные миры. Которые я, кстати, сам себе и придумываю.
Зарылся в нейросети. И вот уже у меня выходит четвёртый клип в ютубе. Посмотрите, когда станет скучно. Лайк и подписка, конечно, а комментарий по желанию:
Стимпанк: https://youtu.be/1eR2I6KLQGE?si=iYNt335bxNky70dp
Киберпанк: youtu.be/655urDmfPTE?si=2GEn327GBQQfzkiQ
Космический Futurism: youtu.be/FGS3de-f_Zk?si=oXLyyty-6g9dl3y1
Приятного просмотра!
⚡️⚡️⚡️⚡️ Третьяковская галерея теперь в Telegram!
Покупать билет не нужно:
t.me/Nothing_Book_tg
Портрет мадемуазель Ланж в образе Данаи
1799
Анн-Луи Жироде-Триозона 🇫🇷
В Институте искусств Миннеаполиса (США)
Это не просто портрет, а пример того, как искусство может становиться оружием в личных конфликтах. Это произведение было создано как сатирический ответ на разногласия между художником и актрисой мадам Ланж, известной своей красотой и скандальной репутацией.
Первоначально Ланж заказала у Жироде портрет, но осталась недовольна его исполнением и отказалась платить полную сумму. Художник, оскорбленный этим, уничтожил первую версию работы и создал вторую, в которой вложил множество язвительных деталей. В ней Ланж изображена в образе Данаи из древнегреческого мифа — смертной, которую Зевс посетил в виде золотого дождя. Однако, вместо возвышения, художник акцентировал на жадности и тщеславии своей модели.
Символы на картине имеют язвительное значение: монеты, падающие на Ланж, подчеркивают её меркантильность; разбитое зеркало в её руках — тщеславие и неспособность видеть свою истинную натуру; индюк с обручальным кольцом символизирует её мужа, которого она якобы выбрала из-за богатства. Даже мертвая голубка с ошейником «верность» и другие детали указывают на её спорную репутацию и личные отношения.
Это произведение отражает не только конфликт между художником и его моделью, но и общее отношение общества того времени к женщине с неоднозначной репутацией. Жироде, будучи учеником Жака-Луи Давида, проявил здесь элементы романтизма, добавив драматизм в свою сатиру, но этот жест повредил его собственной репутации, оставив неоднозначное наследие в истории искусства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Наблюдение за огнем
1919 г.
Колин Гилл 🏴
Масло, холст. 76,2 x 50,8 см.
Имперский военный музей, Англия
Это не только живописное произведение, но и своего рода окно в события Первой мировой войны.
На картине изображены трое офицеров британской Королевской артиллерии, которые из заброшенной траншеи в «ничейной земле» корректируют артиллерийский огонь. Один из них использует полевой телефон, а двое других сосредоточенно наблюдают за полем боя. Рядом видны следы разрушений — полусгоревшее дерево и пустынный ландшафт, создающие ощущение опасности и безмолвия.
Колин Гилл, будучи официальным военным художником, хотел не просто зафиксировать детали войны, но и передать эмоции и напряжение, которые сопровождали солдат. Картина удивительно сочетает в себе документальную точность и художественную выразительность. Она рассказывает о непростой, но очень важной роли наблюдателей, которые рисковали жизнями ради точности артиллерийского огня.
Этот небольшой, но насыщенный по содержанию шедевр напоминает о том, какие испытания выпадали на долю людей во время войны, и позволяет глубже понять их повседневную реальность.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Охотник в дюнах
1913
Макс_Либерман 🇩🇪
Масло на холсте. 70,5 x 100,5 см.
Австрийская галерея Бельведер, Австрия
Картина немецкого художника Макса Либермана представляет собой выразительный образец импрессионистского стиля, в котором мастер работал в течение большей части своей карьеры. Либерман, один из наиболее известных представителей немецкого импрессионизма, создал эту работу с использованием широкой, динамичной манеры письма, передающей движение, атмосферу и жизнь.
На картине изображён охотник, сопровождаемый несколькими собаками, который идёт по зелёным, слегка холмистым дюнам. Пейзаж выглядит живым благодаря технике художника: мазки краски густы и энергичны, что создаёт ощущение ветреной погоды и подвижности природы. Охотник одет в традиционную охотничью одежду того времени — твидовый костюм и кепку, а в руках держит ружьё, подчёркивая реалистичность сцены. Собаки, изображённые рядом с ним, добавляют динамику и подчёркивают тему охоты, показывая взаимодействие человека и природы.
Цветовая палитра картины преимущественно состоит из естественных тонов: зелёного, коричневого, бежевого, с лёгкими оттенками серого. Это создаёт атмосферу умиротворения и единения с природой, но в то же время передаёт её суровую красоту. Небо над дюнами занимает небольшую часть полотна, акцентируя внимание зрителя на фигуре охотника и окружающем его пейзаже.
Макс Либерман стремился запечатлеть моменты из повседневной жизни, привнося в них нотки романтики и эмоциональности. Эта работа отражает характерные черты позднего импрессионизма, где внимание уделяется игре света, тени и движению. Картина демонстрирует любовь художника к природе и его способность передавать мимолётные впечатления с помощью живописи.
Картина остаётся примером мастерства в изображении простых, но глубоких сцен, наполненных энергией и жизнью.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Карусель
1916
Марк Гертлер 🏴
Tate Britain, England
Original file
"Мerry-Go-Round" (в переводе "Карусель") – одно из самых известных произведений британского художника еврейского происхождения Марка Гертлера. Эта картина выполнена маслом на холсте и имеет внушительные размеры – 189,2 × 142,2 см. Сегодня полотно находится в коллекции музея Tate Britain в Англии.
На момент создания картины Европа была охвачена Первой мировой войной. Это кровопролитие потрясло весь мир, а искусство того времени часто отражало ужас и абсурдность происходящего. Марк Гертлер, пацифист по убеждениям, также выразил свой протест против войны, создав "Merry-Go-Round".
Картина была вдохновлена ярмарочной каруселью, но вместо беззаботного развлечения зритель сталкивается с мрачной, гипнотической атмосферой. Это произведение стало одним из сильнейших антивоенных высказываний в британском искусстве того времени.
Центральное место в композиции занимает вращающаяся карусель, на которой расположены фигуры мужчин и женщин в военной форме. Лица персонажей обезличены, выражают крайнюю напряжённость или пустоту, подчёркивая их обезличенность и потерю индивидуальности. Цветовая гамма насыщена яркими, почти кричащими цветами – красным, синим, жёлтым, что создаёт контраст между кажущейся праздничностью и скрытым трагизмом сцены.
Фигуры на карусели находятся в строгом ритме, напоминающем военный марш. Этот ритм подчёркивает ощущение механической неотвратимости – карусель символизирует цикличность и неизбежность насилия и войны.
Карусель в данной работе выступает как метафора бесконечного и бессмысленного круговорота войны. Люди, изображённые на ней, выглядят как жертвы, лишённые свободы воли, вынужденные участвовать в этом трагическом «аттракционе». Яркие цвета усиливают абсурдность ситуации и подчеркивают контраст между внешним и внутренним.
"Merry-Go-Round" оказала значительное влияние на последующее британское искусство, став примером того, как визуальное искусство может передавать мощный антивоенный месседж. Марк Гертлер использовал элементы модернизма, экспрессионизма и примитивизма, чтобы создать это эмоционально насыщенное произведение.
Сегодня картина остаётся важным напоминанием о жестокости войны и силе искусства как инструмента социальной критики.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Дайджест картин за сентябрь '24
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Пробудившийся стыд. Уильям Холман Хант
Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения. Сальвадор Дали
Черёмуха в стакане. Петров-Водкин
Рождение Венеры. Энди Уорхол
Обезьяны, крадущие фрукты. Франс Снейдерс
Без названия. Макс Эрнст
Единоборство Мстислава с Редедей. Николай Рерих
Башкиры (Башкиры, конвоирующие приговоренных). Вильям Аллан
Казнь Джей Грей. Поль Деларош
Книжный червь. Карл Шпицвег
Тачанка. Митрофан Греков
Мадонна с пулемётом. Карлис Падегс
Четыре свободы Рузвельта
Мастерская художника. Истинная аллегория семи лет моей творческой и нравственной жизни. Гюстав Курбе
Воспоминания Олив. Альберто Варгас
Влияние хронофотографии на создание произведения
Интерес к движению и динамике был центральной темой для многих художников начала XX века. На Дюшана повлияла хронофотография — метод, разработанный учёным и фотографом Этьеном-Жюлем Марэ. Дюшан также черпал вдохновение из серии фотографий «Женщина спускается по лестнице», сделанной в 1887 году Эдвардом Мэйбриджем, которая представляла собой серию последовательных снимков, фиксирующих движение в реальном времени.
Воплощая в себе принципы хронофотографии, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» становится чем-то большим, чем просто картиной: это попытка зафиксировать каждое мгновение движения, словно в серии кадров. Дюшан разбивает изображение обнажённого тела на геометрические формы, что отражает влияние кубизма, но также добавляет элементы механического и динамичного. Это произведение — своеобразный синтез живописи и кинематографа, передающий иллюзию движения статичным образом.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
🤩 Друзья, знаю что любите искусство, и скорее всего вам понравится моё предложение 😁
Конечно, всё бесплатно и для вашего удовольствия.
Вы знали, что у нас есть целая Сеть Культурных Каналов? Ага.
Есть каналы об искусстве (на этот вы подписаны, а есть с картинами Ван Гога и про музеи с выставками. Канал с русским реализмом).
Есть с литературой (короткие рассказы на русском и английском, канал Пелевина), а есть канал с классической музыкой, ну как же без этого). И кое что ещё...
Добавляйте всего одну папку к себе со всеми каналами сразу и больше ничего не нужно делать — только наслаждаться: /channel/addlist/c7ngCUTkDLw0ODZi
Что-то вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать. Загляните. И поделитесь ссылкой на папку со знакомыми и друзьями 😏
Сафо и Фаон
1808
Жак-Луи Давид
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина погружает зрителя в древнегреческий миф о безответной любви поэтессы Сафо к юному лодочнику Фаону. Легенда гласит, что богиня Афродита даровала Фаону вечную молодость и неотразимую красоту, сделав его объектом вожделения и сердечной тоски для многих. Но именно Сафо, знаменитая своим мастерством слова и нежной лиричностью, по преданию, испытала к нему такую всепоглощающую любовь, что не смогла справиться с отказом и бросилась в море с Левкадской скалы.
Интересно, что сама история о любви Сафо к Фаону, а особенно об ее трагическом прыжке с Левкадской скалы, появилась спустя много лет после смерти поэтессы, став частью мифологии вокруг ее имени. Картина Давида не только воплощает легенду, но и передает драму человеческих чувств, что делает ее актуальной для зрителя, как и более двух столетий назад, так и сейчас.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Читать полностью…
Видение Фауста
(Шабаш ведьм)
1878
Фалеро Луис Рикаддо
Безумный шабаш ведьм движется в своей сумашедшей пляске и кажется, что это всё по настоящему и сейчас произойдёт что-то невероятное.
Испанский живописец 19 столетия Луис Рикардо Фалеро, это художник вне времени. Его невероятные картины вдохновляли и продолжают вдохновлять многих художников, завораживая мистичностью сюжетов и античной обнажённостью тел.
Луис был влюблён в астрономию и поэтому не случайно многие его работы так или иначе связаны с древними космогоническими мифами. Слава к художнику пришла ещё при жизни, благодаря многочисленным репродукциям с его картин. Обнажённые женские формы и мифологические художественные образы наполняют полотна Рекардо невероятной, отчасти даже пугающей, реалистичностью. Создаётся впечатление, что даже самые фантастические сюжеты на полотнах Фалеро, были им не придуманы, а срисованы с натуры.
Разрушить барьеры между творцом и зрителем
Каждый фотограф заслуживает признания. А мобильная фотография снимает любые ограничения!
HONOR Eurasia запустил мобильный фотоконкурс, где вы можете показать свои способности и выиграть смартфоны HONOR 200 | 200 Pro.
Покажите свой талант профессионалам индустрии и дополните фотогалерею проекта, где уже представлены мастера редких ремесел нашего континента.
В проекте HONOR Eurasia PortrAIts уже приняли участие знаменитые фотографы: Олег Зотов, Алексей Сулима, Кася Паласатка и другие. Покажите свои творческие замыслы и встаньте в ряд с лучшими в своем деле 😉
Правила конкурса доступны на сайте
