83070
Добро пожаловать, дружище! Мы уже тебя заждались 😁 Реклама @neznayca
Обнажённая, спускающаяся по лестнице
1912
Марсель Дюшан
Холст, Масло. 147 × 89.2 см
Художественный музей Филадельфии, Филадельфия
Марсель Дюшан — одна из самых ярких и неоднозначных фигур XX века, чьи работы предвосхитили многие направления в искусстве, включая дадаизм и сюрреализм. Его картина «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» (1912), созданная в технике масла на холсте, является одним из самых значимых произведений модернизма, вызывая интерес зрителей и искусствоведов на протяжении более чем века.
В начале XX века искусство находилось в состоянии стремительных перемен. К традиционным формам изображения уже было применено множество революционных подходов, таких как кубизм, возникший под влиянием Пабло Пикассо и Жоржа Брака, и футуризм, стремящийся показать динамику современного мира. Картина Дюшана появилась на этом переломном фоне и предложила нечто совершенно новое, объединяя в себе элементы разных направлений и подходов.
Картина была представлена публике в 1912 году на Салоне Независимых в Париже. Это событие должно было стать дебютом работы, однако члены выставочного комитета, в том числе кубисты, выступили против её показа, сочтя произведение не соответствующим их идеям. Таким образом, картина вызвала неоднозначную реакцию, став символом свободы художественного самовыражения и бунта против канонов.
На картине изображена фигура, которая, как можно догадаться из названия, спускается по лестнице. Однако это не классическая обнажённая натура, как её принято представлять в искусстве. Фигура фрагментирована и разбита на множество геометрических форм. Она словно движется со скоростью, оставляя за собой следы и размытие. Картина кажется лишённой привычного объёма и перспективы: перед зрителем остаётся лишь череда абстрактных форм, где каждая деталь — лишь часть единого движения.
Цветовая палитра ограничена тёплыми, приглушёнными тонами, что придаёт картине суровую, почти механическую атмосферу. Дюшан избегает яркости, его задача — подчеркнуть сам процесс движения, а не сосредоточиться на деталях тела или его пластике.
Интересно, что Дюшан называл своё произведение не кубистским и не футуристским, хотя оно и заимствует отдельные элементы обоих стилей. Кубисты, такие как Пикассо и Брак, критиковали картину за её чрезмерный акцент на движении, который они считали чуждым их стремлению к неподвижной, аналитической композиции. Футуристы же, напротив, приветствовали идею движения, но считали композицию слишком статичной по сравнению с их собственными работами.
Дюшан создаёт свой язык, смешивая элементы разных направлений. Кубизм в его версии не фокусируется на разложении объектов на части, а показывает процесс движения, а футуризм приобретает абстрактный и технический оттенок.
После споров в Париже картина была представлена в 1913 году на знаменитой выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, где сразу вызвала скандал и привлекла внимание публики и критиков. Американская публика, непривычная к авангардным формам, приняла картину с удивлением и даже насмешкой, однако впоследствии именно она стала одним из символов модернизма.
Со временем картина приобрела статус культовой. Она была воспринята как вызов академическим традициям и как символ свободы творческого самовыражения. Влияние картины отразилось на будущем авангарда, в частности на таких направлениях, как дадаизм и сюрреализм, к которым Дюшан также приложил руку.
«Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это более чем просто живопись; это эксперимент, попытка переосмыслить само понятие искусства. Дюшан бросает вызов привычным канонам, заставляя зрителя увидеть обнажённое тело как нечто иное — не как объект созерцания, а как символ движения и непрерывности. Его картина представляет собой важный этап в развитии модернизма, став частью культурного наследия XX века и сохраняя актуальность и сегодня.
Таким образом, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это произведение, которое не укладывается в рамки ни одного направления, представляя собой яркий образец уникального подхода Дюшана к искусству.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Диана и нимфы, увиденные сатиром
1622 - 1627
Дейк, Антонис ван
Музей Прадо
Это одна из работ, иллюстрирующих влияние мифологии на барочное искусство.
На полотне изображена сцена, в которой сатир подглядывает за спящими богиней Дианой и её нимфами. Диана, римская богиня охоты и целомудрия. Её образ традиционно ассоциируется с чистотой и независимостью, но здесь она показана беззащитной и уязвимой, что контрастирует с её обычной ролью воительницы и защитницы природы. Ван Дейк использует насыщенные, глубокие тона, чтобы подчеркнуть чувственность сцены и драматизм момента. Гладкость и мягкость кожи Дианы контрастируют с грубостью и агрессивностью сатира, который стоит рядом. Этот контраст усиливает напряжение, придавая изображению едва уловимую тревожность.
В центре картины — фигуры Дианы и нимфы, драпированные ярко-красной тканью, что символизирует страсть и притягивает внимание зрителя. Композиция картины подчеркивает интимность и загадочность сцены. Изображение животных на переднем плане, включая мёртвую дичь и атрибуты охоты, создаёт ощущение присутствия природы и напоминает о роли Дианы как богини лесов и зверей.
Ван Дейк мастерски использует светотень, подчёркивая детали и создавая глубину сцены. Свет падает на Диану и нимфу, оставляя фигуру сатира в полутени, что усиливает его образ как тёмного, наблюдающего существа. Сцена наполнена таинственностью и символизмом, что характерно для стиля художника.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Эдуард Мане – один из самых известных французских художников XIX века, который оказал большое влияние на развитие искусства, в частности на импрессионизм и реализм. Его работы часто выделяются ярким светом, контрастами, свободным мазком и необычной для своего времени тематикой. Рассмотрим некоторые из лучших и наиболее известных картин Мане, которые и по сей день привлекают внимание зрителей.
1️⃣ «Завтрак на траве» (Le Déjeuner sur l’herbe), 1863
Эта картина, также известная как «Завтрак на природе», вызвала скандал в Париже после своей первой выставки. Она изображает двух мужчин в современном костюме, сидящих на пикнике с обнаженной женщиной. Работа нарушала традиционные правила академической живописи, смешивая жанры и показывая обнаженное тело в контексте современной жизни, а не мифологии или религиозных сюжетов. Композиция картины вдохновлена классическими произведениями, но исполнение и реализм обнаженной модели выделяют её как вызов общественным и художественным нормам.
2️⃣ «Олимпия» (Olympia), 1863
«Олимпия» считается одной из самых провокационных работ Мане и также вызвала резонанс в обществе. Картина представляет собой портрет обнаженной женщины, лежащей на кровати, которая уверенно смотрит на зрителя, а у её ног сидит служанка с цветами. Это произведение переосмысливает классический образ Венеры и акцентирует внимание на современности и прямолинейности. Картина была воспринята как вызов общественным устоям и получила много критики за то, что изображенная женщина казалась зрителям слишком откровенной и вызывающей.
3️⃣ «Бар в Фоли-Бержер» (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882
Эта картина – одна из последних работ Мане и представляет собой изображение барменши в модном кафе Парижа. В зеркале позади неё отражаются свет и жизнь ночного Парижа, что создает интригующую перспективу и глубину. Картина привлекает внимание своей сложной композицией и деталями, такими как разнообразие бутылок на баре и многочисленные отражения в зеркале. Эта работа считается выдающимся примером умения Мане сочетать реализм и символизм, создавая многозначные образы.
4️⃣ «Портрет Эмиля Золя» (Portrait d'Émile Zola), 1868
Этот портрет был написан как дань уважения другу Мане, писателю Эмилю Золя, который поддерживал художника после критики его предыдущих картин. На картине изображён Золя за рабочим столом, окружённый книгами и произведениями искусства, включая репродукцию «Олимпии». Картина выделяется своим вниманием к деталям и реалистичным изображением интеллигента. Она подчёркивает интеллектуальность Золя и его уважение к культуре и искусству, являясь одновременно и документом дружбы, и манифестом культурных взглядов.
5️⃣ «Испанский гитарист» (Le Joueur de guitare), 1860
Это одна из ранних работ Мане, созданная под влиянием испанского искусства, особенно работ Диего Веласкеса. Картина изображает молодого испанского гитариста в яркой традиционной одежде. Использование света и тени, динамичный мазок, внимание к национальным деталям в костюме – все это привносит в работу особое очарование. Картина стала одним из первых значительных произведений художника и открыла ему путь к признанию.
6️⃣ «Балкон» (Le Balcon), 1868–1869
Эта картина представляет собой сцену на балконе, где сидят или стоят несколько человек, глядя вдаль. Центральное место занимает фигура женщины в белом платье. Картина явно перекликается с работой Гойи «Махи на балконе», но Мане переделал её на свой лад, добавив нотки загадочности. Картина завораживает тем, как Мане передает настроение своих героев и контраст между светом и тенью.
Эти работы подчеркивают уникальный стиль Мане, его способность сочетать смелые идеи с мастерством исполнения. Мане стал своего рода мостом между традициями классического искусства и новаторскими идеями импрессионизма, влияя на многих художников своего времени и создавая картины, которые остаются важной частью мирового культурного наследия.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Если вы ещё не видели "Демона" Михаила Врубеля в Третьяковской галерее, это нужно исправить. Увидеть эту картину вживую — незабываемое впечатление. Сам образ Демона, который сидит в одиночестве, погружённый в глубокие, противоречивые размышления, словно дышит мистической энергией, а переливающиеся цвета и игра светотени создают ощущение, что фигура может ожить в любой момент.
Врубель — не просто художник, он — философ в красках. Его работы часто проникнуты символикой и экспрессией, которые помогают заглянуть в его душу. Это не просто картины, это своеобразные порталы в мир автора, где фантазия переплетается с внутренней борьбой, тоской и надеждой. Врубель был невероятно чутким к красоте и трагедии жизни, и в каждом его штрихе чувствуется это глубокое понимание.
Присмотритесь к его "Демону", "Царевне-лебедь" и другим работам — они дарят совершенно особенное впечатление и долгий след в душе. И не забудьте поделиться этим постом с друзьями, пусть они тоже прикоснутся к великому искусству Михаила Врубеля.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Винсент Ван Гог, один из самых выдающихся художников постимпрессионизма, оставил богатое наследие, включающее около 2100 произведений искусства, из которых более 860 — это картины. Его работы отличаются выразительностью, динамичностью и интенсивной цветовой палитрой, благодаря чему он приобрёл известность во всем мире. Рассмотрим самые знаковые его произведения, которые стали символами мирового искусства.
«Звёздная ночь» (1889)
Одна из самых известных картин Ван Гога, написанная в период его пребывания в психиатрической лечебнице Сен-Поль-де-Мозоль недалеко от Сен-Реми-де-Прованс. Картина изображает ночное небо с завихрениями света, яркими звездами и луной, словно окружающими городок внизу. Работа пронизана сильными эмоциями и передаёт чувство тревоги и восхищения перед бескрайностью вселенной. «Звёздная ночь» стала культовой благодаря своей уникальной технике и глубокой символике.
«Подсолнухи» (серия, 1888-1889)
Серия была написана в Арле, когда Ван Гог создавал свои натюрморты, используя простые и повседневные сюжеты. На картинах изображены букеты жёлтых подсолнухов в вазах, что символизирует жизнь и смерть: свежие цветы соседствуют с увядающими. Художник использовал оттенки жёлтого, чтобы создать тепло и оптимизм, но также передать ощущение тревоги. «Подсолнухи» стали визитной карточкой Ван Гога и оказали влияние на последующее развитие живописи.
«Ночная терраса кафе» (1888)
Эта картина была написана в Арле и изображает террасу кафе в ночное время. Ван Гог передал атмосферу южного французского городка с помощью ярких цветов и контрастов. Он использовал различные оттенки синего для изображения ночного неба и тёплые жёлтые тона для освещения кафе. Это произведение считается одной из первых картин, где художник начал активно использовать контрастные цвета, что стало отличительной чертой его стиля.
«Автопортрет с отрезанным ухом» (1889)
Этот автопортрет был написан вскоре после трагического инцидента, когда Ван Гог отрезал себе ухо в результате нервного срыва. Картина отражает его внутреннюю боль и психическое состояние. Художник использовал приглушенные цвета и плотные мазки, чтобы передать состояние тревоги и депрессии. Автопортрет также свидетельствует о стремлении художника к самоанализу и самоосмыслению.
«Пшеничное поле с воронами» (1890)
Считается одной из последних картин Ван Гога, созданной незадолго до его смерти. Она изображает поле под тёмным, угрожающим небом, по которому летают вороны. Картина наполнена мрачной символикой, олицетворяя одиночество и отчаяние. Яркие золотистые и жёлтые оттенки поля контрастируют с тёмным небом, усиливая драматизм сцены.
«Ирисы» (1889)
Были написаны в тот же период, что и «Звёздная ночь», в лечебнице Сен-Реми. Картина наполнена жизнью и светом, хотя и создавалась в сложное время для художника. Яркие синие цветы на фоне зелёной травы передают стремление к красоте даже в трудные моменты. «Ирисы» часто сравнивают с японскими гравюрами, которые Ван Гог высоко ценил и на которые он опирался в своей работе.
Заключение
Картины Ван Гога стали неотъемлемой частью мировой культуры, символизируя не только художественное новаторство, но и глубокие личные переживания художника. Каждое произведение, будь то «Звёздная ночь» или «Подсолнухи», отражает уникальный стиль и эмоциональную насыщенность его творчества. Несмотря на то, что Ван Гог не имел коммерческого успеха при жизни, его работы сейчас высоко ценятся и вдохновляют людей по всему миру.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Банки с супом
1962
Энди Уорхол
Энди Уорхол изменил искусство с помощью повседневных вещей
В 1962 году американский художник Энди Уорхол произвел фурор в мире искусства, создав серию картин под названием "Банки с супом Кэмпбелл". Эта работа стала символом поп-арта, и вызвала много обсуждений и споров. Изображая обычные предметы, такие как консервные банки, Уорхол по-новому посмотрел на искусство, показав, что и повседневные вещи могут быть красивыми и важными.
Почему банки с супом?
На начало 1960-х годов американская культура сильно менялась: реклама, массовое производство и культура потребления становились частью повседневной жизни. Уорхол, который раньше работал в рекламе, решил использовать это в своём искусстве. Он выбрал консервные банки Кэмпбелл, потому что, по его словам, ел этот суп каждый день на протяжении 20 лет. Так он показал, что обычные вещи, которые есть в жизни каждого, могут стать предметом искусства.
Уорхол создал 32 картины, на каждой из которых был изображён один из видов супа Кэмпбелл. В этом была идея показать не уникальность, а наоборот — повторение и массовость, ведь суп был доступен каждому, как и искусство по мнению художника.
Как это выглядело?
На первый взгляд, его картины кажутся простыми — просто одинаковые банки супа, чуть-чуть отличающиеся друг от друга. Уорхол специально выбрал технику шелкографии, которая позволяла ему легко создавать копии одного и того же изображения. Таким образом, его искусство становилось чем-то похожим на товары, которые производятся на заводе: не уникальные вещи, а массовые продукты.
Цвета в картинах были яркими и чёткими, как в рекламе. Это подчеркивало, что Уорхол смотрит на искусство иначе, чем многие художники до него: для него не важна уникальность каждой картины, а скорее сам процесс создания множества одинаковых изображений.
Реакция на выставку
Когда Уорхол представил свои работы в Лос-Анджелесе, зрители отреагировали по-разному. Одни считали, что он издевается над искусством, ведь это просто банки супа. Другие увидели в его подходе что-то новое и интересное, восхищаясь тем, как он показал обыденные вещи с другой стороны. По сути, Уорхол поставил под сомнение старые представления о том, что считается "высоким искусством" и что достойно быть на выставках.
Эта серия работ оказала огромное влияние на поп-арт как направление в искусстве. В отличие от художников-абстракционистов, которые стремились выразить свои чувства через сложные формы и цвета, поп-арт изображал обычные предметы, такие как упаковки, комиксы или даже рекламные вывески.
Шутка над обществом или восхищение?
До сих пор идут споры о том, что Уорхол хотел сказать своими "Банками с супом". Одни считают, что он высмеивал современное общество, где всё становится одинаковым и массовым. Другие думают, что он наоборот показывал красоту простых вещей, которые мы часто не замечаем.
Сам Уорхол говорил, что просто изображает то, что ему нравится. Это добавляло его работам загадочности: никто не мог точно сказать, что он имел в виду.
Наследие
Сегодня "Банки с супом" являются настоящей иконой поп-арта и символом того, как Уорхол изменил подход к искусству. Его работы показали, что искусством может быть всё, что угодно — даже обычные вещи из повседневной жизни.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Леонардо да Винчи — одна из самых влиятельных фигур в истории искусства и науки. Мастер эпохи Возрождения, он оставил после себя шедевры, которые продолжают вдохновлять и восхищать людей по всему миру. Вот несколько его самых известных работ, которые заслуженно считаются вершинами мирового искусства.
1. Мона Лиза (Джоконда)
Наверное, самое знаменитое произведение Леонардо и одно из самых узнаваемых лиц в мире. Написанная около 1503–1506 годов, "Мона Лиза" поражает своей таинственной улыбкой и загадочными глазами. Картина примечательна использованием техники сфумато — мягкого перехода между светом и тенью, что придает портрету реалистичность и глубину. Сегодня "Мона Лиза" хранится в Лувре в Париже и привлекает миллионы посетителей ежегодно.
2. Тайная вечеря
Фреска "Тайная вечеря" (1495–1498), расположенная в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, изображает последний ужин Иисуса Христа с апостолами. Она примечательна композицией и выразительностью лиц, которые передают эмоциональное напряжение момента, когда Христос объявляет о предательстве одного из учеников. Эта работа отличается сложностью и уникальными техническими решениями, которые, однако, привели к проблемам с сохранностью фрески.
3. Витрувианский человек
Этот рисунок является одной из самых известных иллюстраций к анатомическим и архитектурным исследованиям Леонардо. "Витрувианский человек" демонстрирует пропорции человеческого тела, совмещая фигуру человека с геометрическими формами — кругом и квадратом. Работу можно рассматривать как символ гармонии между наукой и искусством, столь характерной для эпохи Возрождения.
4. Дама с горностаем
Портрет Чечилии Галлерани, известный как "Дама с горностаем" (около 1489–1490), — еще одно выдающееся произведение Леонардо. Картина привлекает внимание не только реалистичностью и живостью изображения, но и символизмом: горностай ассоциировался с чистотой и добродетелью. Картина хранится в Музее Чарторыйских в Кракове и считается одним из лучших портретов Ренессанса.
5. Благовещение
Ранняя работа Леонардо, выполненная около 1472–1475 годов, "Благовещение" представляет сцену, когда архангел Гавриил сообщает Деве Марии о будущем рождении Иисуса. Картина примечательна сложностью детализации, особенно в изображении природы и драпировок, что характерно для раннего творчества Леонардо.
6. Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом
Это произведение, созданное около 1503–1519 годов, изображает Марию, младенца Иисуса и его бабушку, святую Анну. Композиция картины считается революционной для своего времени, так как персонажи образуют сложную спиралевидную группу, что придает сцене динамику и глубину.
Каждая из этих работ — не просто образец живописи, но и источник многочисленных исследований и обсуждений. Шедевры Леонардо да Винчи раскрывают его гениальность как художника, ученого и философа, способного соединять искусство и науку, а также передавать через картины сложные идеи и чувства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Сад художника
Рэймонд Бут
Известный британский художник, который прославился своими натуралистическими изображениями природы. Картина «Сад художника» прекрасно отражает его стиль и мастерство. На полотне изображены ветви цветущего дерева, вероятно яблони, с крупными бело-розовыми цветами на фоне нежно размытых деталей сада. Бут уделяет особое внимание деталям: каждая лепесток и лист тщательно прорисованы, создавая ощущение объёма и живости.
Цветы в центре композиции выделяются на фоне зелени, благодаря чему зритель ощущает близость и свежесть природы. Это позволяет прочувствовать атмосферу весеннего сада, когда растения оживают и начинают цвести. Картина словно переносит нас в тихий, уединённый уголок, где царит умиротворение и гармония.
Бут часто использовал в своих работах реалистический подход, что проявляется в точности передачи текстур и игры света. Его картины обычно передают не только внешний вид растений, но и их «душу» — природа изображена с такой теплотой и заботой, что зритель может ощутить её красоту и хрупкость. «Сад художника» — это ода природе, которая демонстрирует мастерство художника в изображении ботанических сюжетов и его умение создавать атмосферу спокойствия и вдохновения.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Красная площадь в Москве
1801
Фёдор Алексеев
Холст, масло. 81,3 × 110,5 см
Третьяковrа, Москва
Картина стала первой работой в серии произведений, посвящённых столичным видам. Она знаменует возрождение интереса к древней столице России в начале XIX века, когда Москва стала восприниматься не только как исторический центр, но и как важный объект культурного наследия.
На картине изображена Красная площадь с собором Василия Блаженного на переднем плане и Спасской башней Кремля справа. Композиция наполнена живыми деталями, передающими атмосферу городской жизни — фигуры людей, лошадей, экипажей и торговцев создают ощущение повседневной активности. Алексеева вдохновляло разнообразие архитектурных и культурных черт Москвы, и он стремился передать их уникальность.
В письме к президенту Академии художеств А. С. Строганову Алексеев писал: «По осмотрении Москвы я нашел столько прекрасных предметов для картин, что нахожусь в недоумении, с которого вида прежде начать; должно было решиться, и я уже начал первый эскиз с площади с церковью Василия Блаженного и зиму употреблю для писания картины». Эти слова отражают искреннюю заинтересованность художника в передаче многообразия облика Москвы, что стало основой для его дальнейших работ.
Картина не только документирует исторический облик города, но и служит ценным источником для понимания культурных и социальных аспектов той эпохи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Возвращаясь ко вчерашней "Одалиске" Энгра...
Картина на фото выше, принадлежит кисти Амедео Модильяни и представляет собой характерный для его творчества портрет обнаженной натуры. Художник часто обращался к теме ню, создавая чувственные и выразительные образы женщин. В данном случае поза одалиски, вдохновленная восточным искусством и традицией изображения лежащих женщин, нашла свое воплощение в его стиле.
Тема одалисок, ставшая популярной в европейской живописи благодаря Энгру, позже была подхвачена такими мастерами, как Анри Матисс и Пабло Пикассо, высоко ценившими творчество Энгра. Эти художники по-разному интерпретировали образ восточной наложницы, наполняя его своими художественными поисками и стилями.
В картинах Модильяни образы одалисок приобретают особую утонченность и плавность линий. Его характерный подход к изображению фигуры, вытянутые пропорции и изящные контуры придают работам особую эмоциональную глубину. В данном произведении фигура модели сочетает в себе чувственность и спокойствие, а плавные формы и приглушенная цветовая палитра подчеркивают интимность сцены.
Таким образом, Модильяни, работая с темой одалисок, продолжает традицию европейских мастеров, но вносит в нее свой уникальный почерк, объединяющий элементы классического подхода с современными художественными течениями начала XX века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Бесплатный и надёжный VPN
Скучал по инсте и ютьюбу?
Держи наш vpn в нем есть бесплатный тариф
👨💻 Работает сразу на всех устройствах.
Только тсс.. очень быстрый VPN.
P.S. Наш ВПН не заблокируют, пользуйся )
Принцесса и обезьянка
1913
Янис Розенталс
Холст, масло. 147,5 × 71 см
Латвийский художественный музей
Рига, Латвия
Картина «Принцесса и обезьянка» латвийского художника Яниса Розенталса (1913) представляет собой яркий пример модернистского искусства начала XX века. На этом полотне, выполненном маслом на холсте, изображена фигура женщины в длинном, свободном платье, напоминающем древнегреческие одежды, и с богатой гривой рыжих волос. Принцесса нежно удерживает длинные бусы, протянутые к маленькой обезьянке, одетой в экзотический красный костюм.
Композиция картины наполнена сказочностью и символизмом, характерными для модернизма. Взаимодействие между принцессой и обезьянкой, возможно, указывает на элементы социального контраста или игру между высоким и низким, возвышенным и земным. Образ обезьянки в искусстве часто символизирует человеческие слабости или комические стороны жизни, и в этом случае, она может быть интерпретирована как нечто противоположное изысканности и элегантности принцессы.
Художник использует удлинённую вертикальную форму, что усиливает ощущение вытянутости фигур и подчёркивает статичность, словно сцена взята из театрального действия или сновидения. Картина привлекает внимание не только своей композицией, но и тонким колоритом, создающим мягкий контраст между фигурой женщины и фоном.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
У каждого района Москвы появился собственный телеграм-канал
Выбирай свой район и будь в курсе всего, что происходит рядом 👇
ЦАО: @CAO24
Патрики: @patriki
Таганский: @taganskiy
Якиманка: @yakimanka
Басманный: @basmanny
Хамовники: @khamovniki
Пресненский: @presnenskiy
Тверской и Арбат: @tverskoi
Мещанский: @meshchanskiy
Замоскворечье: @zamoskvoi
Красносельский: @krasnoselsky
СВАО: @SVAO24
Бибирево: @bibirevo
Ярославский: @uarik
Отрадное: @otradnoe
Бутырский: @butyrskiy
Бабушкинский: @babushk
Медведково: @medvedkovo
Алексеевский: @alexeevskiy
Марьина роща: @marinaroshcha
Свиблово и Ростокино: @sviblovo
Останкино и Марфино: @ostankino
Лианозово и Алтуфьево: @lianozov
САО: @SAO24
Дегунино: @degunino
Сокол и Аэропорт: @sokol
Дмитровский: @dmitrovskiy
Хорошёво и Беговой: @horoshov
Коптево и Войковский: @koptevo
Ховрино и Головинский: @hovrino
СЗАО: @SZAO24
Митино: @mitino
Тушино: @tushino
Строгино: @strogino
Хорошёво-Мнёвники: @mnevnik
Стрешнево и Щукино: @pokrovsk
ЗАО: @ZAO24
Раменки: @ramenki
Очаково: @ochakovo
Тропарёво: @troparev
Солнцево: @solntsevo
Можайский: @mojaiskiy
Дорогомилово и Фили: @fili
Кунцево и Крылатское: @kunzevo
Ново-Переделкино: @novoperedel
Проспект Вернадского: @vernadsk
ЮЗАО: @UZAO24
Зюзино: @zuzino
Бутово: @butovo
Коньково: @konkovo
Ясенево: @yasenevo
Тёплый Стан: @teplystan
Академический: @akadem
Черёмушки: @cheremushki
ЮАО: @UAO24
Бирюлёво: @birulevo
Чертаново: @chertanovo
Орехово-Борисово: @orexboris
Донской и Даниловский: @donsk
Нагатино и Нагорный: @nagarino
Царицыно и Москворечье: @tsari
Братеево и Зябликово: @brateevo
ЮВАО: @UVAO24
Лефортово: @lefor
Марьино: @marino
Люблино: @lublino
Кузьминки: @kuzminki
Рязанский: @razanskiy
Некрасовка: @nekrasov
Южнопортовый: @uznoport
Выхино-Жулебино: @vihzhel
Текстильщики, Печатники: @teksti
ВАО: @VAO24
Гольяново: @galianovo
Измайлово: @izmailovo
Сокольники: @sokolniki
Ивановское: @ivanovskoe
Косино и Вешняки: @kosino
Богородское: @bogorodskoe
Перово и Новогиреево: @perovo
Преображенское: @preobrazhensk
ТиНАО: @TiNAO24
ЗеЛАО: @ZeLAO24
Вся Москва и область: @MSK24
Известные личности теперь в Telegram!
😄 Карл Густав Юнг – мысли одного из самых цитируемых психологов.
🥲 Фридрих Ницше – мысли самого цитируемого философа.
🫠 Фаина Раневская – самая цитируемая женщина. Истории из жизни, иронические цитаты.
🙂 Андрей Тарковский – канал о жизни и творчестве великого режиссёра.
😂 Эрих Мария Ремарк – цитаты из произведений и писем великого писателя.
Присоединяйтесь!
Истина, выбирающаяся из колодца
1896
Жан-Леон Жером
Холст, масло. 91 × 72 см
Музей Анны де Божё, Мулен, Алье, Овернь, Франция
Картина «Истина, выбирающаяся из колодца» (1896) кисти французского художника Жана-Леона Жерома — аллегорическое произведение, наполненное символикой. Она изображает обнаженную женщину, выбирающуюся из колодца. Это — Истина, которая, согласно известному выражению, "лежит на дне колодца".
Вот некоторые ключевые элементы интерпретации:
Истина (женщина): Обнаженность женщины символизирует чистоту и незамутненность истины. Она уязвима и беззащитна. Её крик может трактоваться как боль от встречи с внешним миром, который не всегда готов принять правду, или как призыв обратить на нее внимание.
Колодец: Символ скрытого знания, тайны, глубины. То, что Истина находится в колодце, указывает на то, что ее трудно найти и достичь.
Зеркало (в некоторых версиях картины): В некоторых вариациях этой картины Истина держит зеркало, что еще раз подчеркивает ее сущность — отражать действительность такой, какая она есть.
Кнут: Истина держит в руке кнут, что может трактоваться как её сила, способность наказывать ложь и несправедливость, или как инструмент, которым её пытались загнать обратно в колодец.
Окружающая среда: Заросший сад может символизировать запустение и забвение, в котором пребывала Истина.
Существует несколько интерпретаций смысла картины:
Трудности раскрытия истины: Картина может говорить о том, как тяжело докопаться до истины, как много препятствий на этом пути.
Нежелание общества знать правду: Возможно, Жером хотел показать, что люди боятся или не хотят видеть правду, предпочитая оставаться в неведении. Крик Истины может быть истолкован как протест против этого.
Цена истины: Выбираясь из колодца, Истина испытывает страдания. Это может указывать на то, что познание истины не всегда приятно и может быть связано с болью и разочарованием.
В целом, "Истина, выбирающаяся из колодца" — многослойное произведение, которое оставляет простор для различных трактовок. Жером, мастер академической живописи, использует классические приемы для создания аллегории, актуальной и по сей день.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
🤩 Друзья, знаю что любите искусство, и скорее всего вам понравится моё предложение 😁
Конечно, всё бесплатно и для вашего удовольствия.
Вы знали, что у нас есть целая Сеть Культурных Каналов? Ага.
Есть каналы об искусстве (на этот вы подписаны, а есть с картинами Ван Гога и про музеи с выставками. Канал с русским реализмом).
Есть с литературой (короткие рассказы на русском и английском, канал Пелевина), а есть канал с классической музыкой, ну как же без этого). И кое что ещё...
Добавляйте всего одну папку к себе со всеми каналами сразу и больше ничего не нужно делать — только наслаждаться: /channel/addlist/c7ngCUTkDLw0ODZi
Что-то вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать. Загляните. И поделитесь ссылкой на папку со знакомыми и друзьями 😏
Сафо и Фаон
1808
Жак-Луи Давид
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина погружает зрителя в древнегреческий миф о безответной любви поэтессы Сафо к юному лодочнику Фаону. Легенда гласит, что богиня Афродита даровала Фаону вечную молодость и неотразимую красоту, сделав его объектом вожделения и сердечной тоски для многих. Но именно Сафо, знаменитая своим мастерством слова и нежной лиричностью, по преданию, испытала к нему такую всепоглощающую любовь, что не смогла справиться с отказом и бросилась в море с Левкадской скалы.
Интересно, что сама история о любви Сафо к Фаону, а особенно об ее трагическом прыжке с Левкадской скалы, появилась спустя много лет после смерти поэтессы, став частью мифологии вокруг ее имени. Картина Давида не только воплощает легенду, но и передает драму человеческих чувств, что делает ее актуальной для зрителя, как и более двух столетий назад, так и сейчас.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Читать полностью…
Видение Фауста
(Шабаш ведьм)
1878
Фалеро Луис Рикаддо
Безумный шабаш ведьм движется в своей сумашедшей пляске и кажется, что это всё по настоящему и сейчас произойдёт что-то невероятное.
Испанский живописец 19 столетия Луис Рикардо Фалеро, это художник вне времени. Его невероятные картины вдохновляли и продолжают вдохновлять многих художников, завораживая мистичностью сюжетов и античной обнажённостью тел.
Луис был влюблён в астрономию и поэтому не случайно многие его работы так или иначе связаны с древними космогоническими мифами. Слава к художнику пришла ещё при жизни, благодаря многочисленным репродукциям с его картин. Обнажённые женские формы и мифологические художественные образы наполняют полотна Рекардо невероятной, отчасти даже пугающей, реалистичностью. Создаётся впечатление, что даже самые фантастические сюжеты на полотнах Фалеро, были им не придуманы, а срисованы с натуры.
Разрушить барьеры между творцом и зрителем
Каждый фотограф заслуживает признания. А мобильная фотография снимает любые ограничения!
HONOR Eurasia запустил мобильный фотоконкурс, где вы можете показать свои способности и выиграть смартфоны HONOR 200 | 200 Pro.
Покажите свой талант профессионалам индустрии и дополните фотогалерею проекта, где уже представлены мастера редких ремесел нашего континента.
В проекте HONOR Eurasia PortrAIts уже приняли участие знаменитые фотографы: Олег Зотов, Алексей Сулима, Кася Паласатка и другие. Покажите свои творческие замыслы и встаньте в ряд с лучшими в своем деле 😉
Правила конкурса доступны на сайте
На Саммите БРИКС покажут работы молодых скульпторов из Санкт-Петербургской академии художеств
Экспозиция «Этнографическая мозаика», посвященная странам БРИКС, открылась на XVI Саммите БРИКС в Казани. Посетители увидят 23 скульптуры, созданные международной командой из Санкт-Петербургской академии художеств.
Выставка задумана как социокультурный и образовательный проект. Рассказывает заместитель директора Фонда Росконгресс, директор Фонда Инносоциум Елена Маринина:
«Мы благодарны оргкомитету Саммита за возможность представить экспозицию на крупнейшем международном мероприятии. «Этнографическая мозаика» знакомит зрителей с колоритом стран БРИКС и выступает площадкой, где молодые художники могут раскрыть свой талант».
Куратор выставки – ректор Академии Семен Михайловский. Организаторы – Фонд Росконгресс, Фонд Инносоциум и Санкт-Петербургская академия художеств имени Репина. Подробнее
#реклама
О рекламодателе
🐳Как музыка спасла сотни белух
Это реальная история: она произошла у Чукотского полуострова.
Сотни белух были спасены с помощью классической музыки.
В 1985 году огромная стая белух оказалась в ловушке из-за 4 километрового айсберга. Животные не могли преодолеть его на одном вдохе, а вынырнуть по пути было негде.
🚢Ледокол «Москва» прибыл на помощь животным. Когда судно пробилось сквозь льды к белухам.
Увы, уставшие и травмированные животные не двигались с места. Их не получалось убедить последовать обратно в открытую воду.
Член экипажа сделал необычное предположение — поставить музыку, ведь киты реагируют на мелодии. Из динамиков «Москвы» над ледяными просторами стали разноситься различные мелодии.
🎼Оказалось, что классическая музыка наиболее эффективна. Белухи «потянулись» за ней и таким образом выплыли из опасной зоны вслед за ледоколом.
Если белухам музыка жизнь спасла, может быть, и нам как-то поможет?
📝Я решила провести бесплатный эфир, на котором расскажу некоторые принципы составления плейлистов, которые пригодятся вам в жизни. Уже не для спасения белух, а для помощи самим себе.
Для регистрации на открытый эфир переходите по ссылке ниже:
https://yuliakazantseva.ru/webinar2610?utm_source=tg&utm_medium=posev&utm_campaign=webinar2610&utm_content=kartiny_zhivopis?
Но я буду рассказывать не только про целительные свойства музыки. А хочу показать, как навести порядок в голове и понять 1000 летнюю историю музыки.
Встречаемся в субботу 26-го октября в 11:00 по Москве
🎁 А после регистрации вас ждет подарочек «Музыка после тяжелого дня»
2VtzqwbCFF1
Вино
1914
Александра Экстер
Это произведение, созданное в духе кубофутуризма, который объединяет элементы кубизма и футуризма. Кубофутуризм сочетает геометрические формы кубизма с динамичностью и экспрессией футуризма, что находит отражение в работе Экстер. В этой композиции можно увидеть смешение абстрактных и реальных элементов, характерное для кубофутуристов, которые стремились к изображению множества точек зрения одновременно.
На картине представлены бутылки, фрукты и текстовые элементы, которые вписаны в композицию таким образом, что они превращаются в сочетание цвета, формы и текстуры. Экстер использует насыщенные цвета и коллажные элементы, создавая эффект объемности и движения. Ее выбор предметов для изображения — бутылки вина, фрукты — типичен для натюрморта, однако их исполнение разрушает традиционную форму и порядок.
Для Экстер французское искусство оказало большое влияние, особенно кубизм и работы Пабло Пикассо, который также экспериментировал с коллажем и текстурами. Однако, в отличие от некоторых кубистов, которые сосредотачивались на строгой геометрии, Экстер сохраняет ощущение декоративности и даже праздничности, что становится особенно заметным в её более поздних работах.
Картина также демонстрирует интерес художницы к типографике и использованию букв в живописи, что было частью авангардных экспериментов начала XX века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
«Нуу… Типа два голых мужика дерутся. Красиво, наверное…»
Примерно так 95% людей ведут себя, когда ходят по музею или просто смотрят на картины.
Чтобы не чувствовать себя неловко в культурном обществе, подписывайтесь на ARTерию.
Это ваша карманная галерея, только с объяснениями смысла картин. Вы научитесь обсуждать шедевры так, будто писали их сами.
Блесните интеллектом в компании друзей. Подписывайтесь: @arteriart
Большая одалиска
1814
Жан Огюст Доминик Энгр
Холст, масло. 91 × 162 см
Лувр, Париж
Это не просто изображение обнажённой женщины в восточной обстановке, а произведение, которое отражает переходные моменты в искусстве начала XIX века, сочетая классические традиции с романтическими тенденциями. Несмотря на её внешний вид, будто созданный в духе старых мастеров, полотно носит черты радикального отхода от академических стандартов.
Энгр осознанно пошёл на искажение анатомии: удлинённая спина, добавленные позвонки и плавные линии придают фигуре утрированную элегантность и нереальность. Эта аномалия критиками XIX века была воспринята как нарушение правил, но на самом деле художник стремился передать идеализированную чувственность и грацию. Подобные удлинения форм можно рассматривать как отголоски маньеризма, в частности, произведений Пармиджанино и Бронзино.
Тема восточной экзотики в картине раскрыта через детали интерьера и аксессуары — такие, как персидские ткани и веер из перьев павлина. Однако эта экзотичность лишь обрамляет образ, она не доминирует, а служит фоном для самой фигуры одалиски, добавляя к её образу нотку загадочности и соблазнительности. Восточные мотивы были популярны в эпоху романтизма, когда интерес к чужим культурам, особенно Востока, считался признаком утончённого вкуса.
"Большая одалиска" также оказала влияние на более поздних мастеров: Амедео Модильяни вдохновлялся позой модели, а Матисс и Пикассо, восхищаясь Энгром, также обращались к теме одалисок, каждый в своём уникальном стиле. Таким образом, полотно Энгра стало своеобразным мостом между классикой и модернизмом, вдохновляя художников на эксперименты с формами и эстетикой.
Не принятая изначально, картина со временем приобрела культовый статус, что подтверждает её способность выходить за пределы времени, сохраняя актуальность даже спустя два века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Розенталс не раз возвращался к этой теме, создавая несколько версий картины с вариациями в размере и деталях, стремясь к совершенству в композиционном решении. Одна из лучших версий находится в Латвийском Национальном художественном музее в Риге.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
В дополнение к прошлому посту.
Модный брак — цикл из шести картин Уильяма Хогарта, созданный в 1743—1745 годах. Сатирическая серия «Модный брак» стала первой в Англии, высмеивающей нравы высшего общества. В ней отображена история женитьбы и дальнейшей супружеской жизни сына обедневшего аристократа и дочери богатого торговца. Во всех шести картинах чётко проработаны фигуры персонажей и тщательно продуман интерьер. В те времена модные браки были очень распространены среди беднеющих аристократов, которые стремились сблизиться с богатыми буржуа, это и послужило вдохновением для Хогарта.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Будуар графини
(из цикла Модный брак)
1745
Уильям Хогарт
Национальная галерея, Лондон
Картина «Будуар графини» является четвёртой частью цикла «Модный брак», написанного английским художником Уильямом Хогартом в период с 1743 по 1745 год. Этот цикл, состоящий из шести работ, — остроумная сатирическая критика нравов и пороков аристократического общества того времени. Хогарт в этом цикле высмеивает популярные в XVIII веке браки по расчёту, где деньги и статус играли ключевую роль, а не любовь.
На картине изображён будуар графини, которая находится в окружении разнообразных персонажей. Мы видим, как её времяпрепровождение наполнено пустыми развлечениями и общением с легкомысленными фигурами, что подчёркивает её поверхностный образ жизни. Действие разворачивается в роскошной комнате с тяжёлыми шторами, зеркалом и картинами на стенах, что передаёт атмосферу изысканного, но морально пустого существования высшего общества. Один из центральных моментов — графиня в жёлтом платье, которая, по-видимому, обсуждает что-то с человеком, изображённым справа. Вероятно, это её адвокат или врач, но их беседа, как и всё вокруг, кажется бессодержательной.
Хогарт подчёркивает мелкие детали, которые говорят о нравственном упадке и лицемерии аристократов. В углу мы видим ребёнка с игрушками — это добавляет некий гротеск к общей картине, намекая на поверхностность воспитания и отношения к будущим поколениям.
«Модный брак» — это яркий пример того, как искусство может стать инструментом критики общества. Хогарт мастерски использует детали, выражение лиц персонажей и композицию для создания многослойной сатиры на моральный упадок элиты своего времени.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Истина, выбирающаяся из колодца, вооружённая плетью для наказания человечества. Будто воскресшая фигура обнажённой Истины, избавившейся от доброго спокойствия, но с возвратившейся к ней удвоенной силой, выбирается из колодца с плёткой в руке, чтобы наказать человечество за его заблуждения.
При взгляде на работу невозможно избавиться от ощущения неловкости перед молодой женщиной с плёткой, готовой в своём воинственном образе к бою и желающей наказать тех, кто не хочет её слушать. В композиционном и идеологическом плане картина схожа с одноимённой работой Деба-Понсана
💰 Промокод на кэшбэк 20% за первую покупку в Афише Т-Банка (Тинькофф) на театры, кино и концерты до 30.10.
В сервисе Афиша при покупки билета в кино, театр или концерты можно активировать промокод и получить 20% дополнительного кэшбека, промо так же суммируется с остальными кэшбэками в Тинькофф Афиша.
Промокод: AFSH2024
