83070
Добро пожаловать, дружище! Мы уже тебя заждались 😁 Реклама @neznayca
Мастерская скульптора Рудольфа Шадова
1828 - 1829 гг.
Карл Блехен 🇩🇪
Масло на картоне. 21,5 x 30,5 см.
Кунстхалле Бремен, Германия
Сегодня заглянем в уютный уголок Италии, согретый солнцем и творчеством, с картиной немецкого художника Карла Блехена (Carl Blechen) – «Мастерская скульптора Рудольфа Шадова».
О художнике: Карл Блехен (1798-1840) – выдающийся немецкий художник-пейзажист эпохи романтизма, известный своим новаторским подходом к свету и цвету, предвосхитившим импрессионизм. Он много путешествовал, особенно по Италии, и его итальянские пейзажи полны света, тепла и реалистичных наблюдений.
О картине: Эта небольшая работа (масло на картоне, 21,5 x 30,5 см), написанная в 1828-1829 годах во время пребывания Блехена в Италии, хранится в Кунстхалле Бремена, Германия. Она изображает не саму мастерскую, а, скорее всего, внутренний дворик или сад при мастерской немецкого скульптора Рудольфа Шадова, который также работал в Риме.
Перед нами – залитый солнцем дворик. Слева и сверху пространство обрамляет пергола, увитая густой зеленью винограда или плюща. Солнечный свет пробивается сквозь листву, создавая игру света и тени на стенах и земле. Справа – стена здания с темным дверным проемом и окном с закрытыми ставнями. В глубине темного проема угадывается силуэт статуи – намек на профессию хозяина этого места.
Картина написана очень свободно, почти эскизно. Блехен не стремится к фотографической точности, его главная цель – передать атмосферу, ощущение теплого итальянского дня, игру света и тени, фактуру старых стен и пышной зелени. Мазки кисти видимы, энергичны, цвет наложен смело.
Смысл и особенности: Это не парадный портрет студии знаменитого скульптора, а очень интимный, почти случайный взгляд на уголок его рабочего пространства. Блехена интересует не столько сам Шадов или его работы, сколько свет, который преображает этот простой дворик, делая его живописным и уютным.
Картина демонстрирует отход Блехена от чистого романтизма в сторону реализма и пленэрной живописи. Он мастерски улавливает эффекты естественного освещения, показывая, как солнечный свет объединяет архитектуру и природу. Это свежий, непосредственный взгляд на реальность, полный очарования и тепла.
#искусство #живопись #КарлБлехен
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Новое анимированное прочтение поэмы «Реквием» Роберта Рождественского. Произведение было написано в 1962 году и стало главным стихотворением о Великой Отечественной войне.
О поэте: Роберт Рождественский (1934 - 1994) – российский поэт, публицист, переводчик и автор песен. Выполнил перевод Олимпийского гимна в 1980 году. Удостоен высшими наградами СССР за свою литературную деятельность.
О проекте: центральное произведение в творческой поэта «Реквием». Именно его было решено окартинить к 80-летнему юбилею Победы. Для этого Сбер использовали нейросеть и фотографии времен Великой Отечественной войны, которые удалось оживить с помощью искусственного интеллекта.
Получилось новое современное и очень проникновенное произведение, напоминающее о героизме советских воинов и той большой цене, которую пришлось заплатить за победу в страшной войне.
#современноеискусство #ИИ #РобертРождественский
Убывающая луна перед рассветом, 1871
Филипп Палицци 🇮🇹
Масло, холст.
Национальная галерея современного искусства, Италия
Привет, ценители ночной тишины и космической красоты! Сегодня у нас картина, которая завораживает своей атмосферой и медитативностью – «Убывающая луна перед рассветом» итальянского художника Филиппо Палицци.
О художнике: Как мы уже знаем, Филиппо Палицци (1818-1899) – итальянский художник-реалист, который с любовью и вниманием изображал природу и повседневную жизнь. Он умел находить красоту в простых сюжетах и передавать тончайшие состояния природы.
О картине: Полотно «Убывающая луна перед рассветом» написано в 1871 году маслом на холсте. Сейчас оно находится в Национальной галерее современного искусства в Риме.
Эта картина сильно отличается от других работ Палицци, которые мы видели. Здесь нет детально прописанного пейзажа или жанровой сцены. Всё внимание сосредоточено на небе и светиле. Перед нами – ночной пейзаж, или скорее, пейзаж на самой грани ночи и утра.
На темном, глубоком небе висит тонкий серп убывающей луны. Она светится мягким, немного холодным светом, который, кажется, исходит не только от самой луны, но и от окружающего ее ореола. Несколько звезд мерцают на темном бархате неба. Внизу, у самого горизонта, едва различима темная полоса земли или растительности. Небо не однородно темное, оно переливается оттенками синего, серого и зеленоватого, создавая ощущение глубины и таинственности.
Смысл и особенности: Эта картина – чистое настроение. Палицци передает чувство тишины, покоя и некоторой меланхолии, присущее предрассветному часу. Убывающая луна может символизировать завершение цикла, прощание с ночью, но и предвкушение нового дня, которое таится где-то за горизонтом. Отсутствие ярких деталей и людей усиливает ощущение уединения и погружения в размышления.
Художник мастерски передает свечение луны, которое кажется почти осязаемым. Небо, написанное тончайшими переходами цвета, выглядит живым и дышащим. В этой работе Палицци показывает себя не только как реалист, но и как тонкий лирик, способный передать неосязаемую красоту и символизм природы. Это медитативное произведение, приглашающее зрителя остановиться и почувствовать магию момента.
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Пейзаж после дождя
1864 г.
Филиппо Палицци 🇮🇹
Масло, холст. 42 х 54 см.
Национальная галерея современного искусства, Италия
Картина, которая словно пахнет влажной землей после грозы – «Пейзаж после дождя» итальянского художника Филиппо Палицци.
О художнике: Филиппо Палицци (1818-1899) – один из значимых представителей реализма в итальянской живописи 19 века. Он любил писать природу и жизнь людей такой, какая она есть, без прикрас. Его работы отличаются вниманием к деталям и искренним интересом к окружающему миру, будь то пейзаж или бытовая сцена.
О картине: Это полотно 1864 года. Как следует из названия, художник запечатлел природу сразу после того, как отшумела буря.
Посмотрите на это небо – тяжелое, полное еще не до конца рассеявшихся туч, но сквозь них уже пробиваются лучи света. Этот свет, влажный и мягкий, заливает дальний холм и золотит поверхность пруда на переднем плане. Но вода в пруду не кристально чистая, она мутная, цвета охры – верный признак того, что прошел сильный ливень и смыл землю с берегов.
На ближнем берегу сидит мальчик, склонившись над чем-то в траве, возможно, собирает что-то или просто наблюдает за водой. Его поза передает спокойствие и погруженность в свои маленькие дела после ненастья. У дерева на другом берегу стоит женщина, вглядываясь вдаль или в пруд. В поле за невысокой стеной пасутся овцы и коровы, а рядом видна фигурка пастуха – жизнь возвращается в свое привычное русло.
Палицци показывает нам не героический или идеализированный пейзаж, а простую, будничную картину природы и сельской жизни. Он мастерски передает состояние влажного воздуха, свежесть после дождя, контраст между мрачным небом и светящимися участками земли.
Смысл и особенности: Картина передает ощущение затишья после бури, момента, когда природа постепенно восстанавливается, и жизнь продолжается. В этой простоте и реалистичности кроется особая красота – красота момента, искренность наблюдения за миром. Палицци не только фиксирует увиденное, но и передает атмосферу, настроение этого конкретного момента "после дождя". Это негромкое, но глубокое произведение о цикличности природы и спокойствии бытия.
#искусство #живопись #ФилиппоПалицци
🌟Откройте мир ярких впечатлений вместе с нами!
На канале творческой группы художника AnnA Mee каждые выходные рассказы о мире современного искусства. В ближайшие 2 недели:
🔹аналитика о состоянии мирового рынка современного искусства и основных трендах.
🔹продолжение рассказа о прошлогодней выставке «Арт Экспо Пекин».
🔹недавнее интервью с ведущим галеристом и экспертом Мариной Гисич.
🔹рассказ о шести самых востребованных в мире молодых художниках.
В остальные дни в созданном для Вас уникальном пространстве каждый сможет найти что-то свое: киноманы, ценители хорошего вина, путешественники - каждой теме посвящен свой день недели.
🎨🎬 🍷 ✈️
А еще все, кто подпишется до конца апреля и останется на канале до 10 июля смогут ❗️принять участие в бесплатной лотерее-розыгрыше 7 сувениров из Греции. Более того, Вы сможете повлиять на выбор этих сувениров! 🎁Доставка призов по России за счет канала!
Кроме того, на канале есть и другие действующие розыгрыши призов, викторины и конкурсы.
Подписывайтесь, здесь интересно!
🎼 Вся история русской классической музыки — за 1,5 часа
Бесплатный вебинар с Юлией Казанцевой
📅 26 апреля | 🕐 13:00 МСК | 💻 Онлайн
Русская музыка — это особый мир. В ней есть бесконечные мелодии, светлая грусть минора и удивительная «неправильность», которая сразу проникает в душу.
Мы не просто послушаем музыку. Мы разберём, что общего у Чайковского и Пушкина, у Мусоргского и Сурикова; увидим, как в музыке Шостакович отражается вся история XX века.
💬 На вебинаре вы узнаете:
— Чем русская музыка отличается от европейской
— Как в ней переплетаются живопись, литература и история
— Почему она звучит в каждом из нас и не устаревает
🎁 Первым 100 участникам — подарок:
видео-эссе «Ужин с композиторами»
Что бы вы подали к столу, если к вам заглянули Глинка, Рахманинов и Чайковский?
📲 Участие бесплатное, регистрация обязательна:
👉 РЕГИСТРАЦИЯ
Космос ближе, чем кажется
Его можно услышать, увидеть и даже потрогать!
В интерактивной зоне Дзена на ВДНХ вы сможете прикоснуться к бесконечной вселенной и узнать о последних космических открытиях.
Ждём вас с 8 апреля по 8 июня на основной экспозиции павильона «Космос»
Смотрите и читайте о последних достижениях космической индустрии в Дзене!
Узнать больше
#реклама
dzen.ru
О рекламодателе
🥀Айвазовский, Левитан, Шишкин, Куинджи...
Работами лучших пейзажистов теперь можно наслаждаться на канале "Пейзаж на холсте"🪻
10 минут – и вы будете знать об искусстве больше любого экскурсовода. Подписывайтесь:
t.me/art_gallery
🎭Розыгрыш 5 билетов на стендап-спекталь «МАНЕ»
Если вы в Москве — поймайте этот вечер
Спектакль, где есть и стендап, и вдохновение, и история про художника. И никакой скучной лекций про живопись.
«МАНЕ» — камерный спектакль, основанный на биографии художника Эдуарда Мане.
⠀
Но это не урок истории искусства.
Это о человеке, который хотел делать по-своему — и делал, несмотря ни на что. Это история не про художника. Она про каждого из нас.
«МАНЕ» объединяет в себе жанры:
– стендап
– спектакль
– сторителинг
🎭 Это не театр в классическом смысле
🤹 И не комедия, где смеются каждую минуту
Это — вечер, который остаётся с тобой.
Автор и расказчик: Илья Шпак
Рейтинг спектакля на Яндекс Афише 10 из 10
📍 Москва, Брюсов Холл, м. Тверская
🗓 13 мая, 20 мая, 3 июня
🎟 Билеты и подробности
🎁 Розыгрыш билетов в Telegram
Девушка, читающая письмо у открытого окна
ок. 1657 - 1659
Вермеер 🇳🇱
Масло, холст. 50 х 45 см
Дрезден, Германия
Погружаемся в мир тишины, света и скрытых посланий с одной из самых знаменитых работ Яна Вермеера – «Девушка, читающая письмо у открытого окна».
Вообще, Ян Вермеер (1632-1675) – великий голландский живописец Золотого века, непревзойдённый мастер бытового жанра и игры света. Его наследие невелико (около 34-36 картин), но каждая работа – это драгоценность, полная тайн и совершенной гармонии. Он виртуозно писал сцены из повседневной жизни, наполняя их глубоким смыслом и поэзией.
Это полотно (ок. 1657-1659 гг., масло, холст, 83 х 64,5 см) – одна из жемчужин Дрезденской галереи старых мастеров в Германии. Она считается одной из ранних зрелых работ Вермеера, где он находит свой уникальный стиль.
Мы видим молодую женщину, стоящую в профиль у открытого окна и полностью поглощённую чтением письма. Свет, льющийся слева из окна, мягко освещает ее лицо, сосредоточенное на строках послания, и сам лист бумаги. Этот боковой свет – фирменный приём Вермеера, создающий объем и особую, интимную атмосферу.
Перед девушкой на столе лежит богато драпированный восточный ковёр (частый элемент в работах Вермеера, символ достатка и уюта) и ваза с фруктами. Справа композицию обрамляет тяжёлая зелёная драпировка, создающая эффект театральной кулисы и усиливающая ощущение уединённости сцены. В стекле окна мы видим нечёткое отражение девушки – ещё одна тонкая деталь, добавляющая глубины.
Долгие годы эта картина считалась воплощением тихой домашней жизни, уединения и тайны личной переписки. Зритель мог лишь гадать о содержании письма – любовное ли оно, или вести от родных?
Но недавняя реставрация (завершенная в 2021 году) преподнесла сенсацию! Исследования и расчистка показали, что пустая стена за спиной девушки изначально не была пустой. На ней была изображена большая картина с Купидоном, топчущим маски (символ победы искренней любви над обманом). Оказалось, что это изображение было закрашено кем-то уже после смерти Вермеера (или, по другой версии, даже им самим на позднем этапе).
С открытием Купидона смысл картины становится гораздо более явным: девушка читает именно любовное письмо. Присутствие бога любви на стене не оставляет в этом сомнений и превращает тихую бытовую сценку в аллегорию любви и искренности чувств.
Эта работа – шедевр светописи, композиции и психологизма. Вермеер мастерски передаёт состояние погружённости героини в свой внутренний мир, создавая вневременной образ, который теперь, с "возвращением" Купидона, стал ещё более интригующим.
#искусство #живопись #Вермеер
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
🔍 Любители искусства — для вас потрясающее предложение!
Представьте себе папку Культурных Каналов в Telegram, где вы найдете не только каналы, посвящённые искусству с восхитительными картинами. Но захватывающие рассказы на русском и английском языках.
А так же в папке есть канал о музеях с занимательными выставками, фильмами об искусстве и даже канал с волшебной поэзией и кое что другое.
Ну и конечно, изумительные мелодии — кайфуйте под классику!
❤️ Вот что точно покорит ваше сердце!
И самое замечательное — не нужно подписываться на каждый канал отдельно. Просто добавьте одну папку к себе и наслаждайтесь этим разнообразием культуры и искусства: /channel/addlist/B4p71NiAfOw2MjMy
Загляните всего на минутку — что-то, что вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать 😁
Похищение Ганимеда
1635
Рембрандт 🇳🇱
Государственные художественные коллекции Дрездена, Германия
О художнике: Рембрандт (1606-1669) – титан голландского Золотого века, мастер психологического портрета, непревзойденный гений светотени (кьяроскуро). Он обращался к библейским, мифологическим и бытовым сюжетам, всегда придавая им глубокую человечность и драматизм.
О картине: Это монументальное полотно (177 х 129 см) иллюстрирует известный древнегреческий миф. Прекрасный троянский юноша Ганимед так очаровал Зевса, что верховный бог, обернувшись орлом, похитил его на Олимп, дабы сделать своим виночерпием и возлюбленным. Обычно художники изображали эту сцену как возвышенное, почти грациозное вознесение красивого юноши.
Но Рембрандт не был бы Рембрандтом, если бы следовал канонам! Посмотрите, что он делает с этим сюжетом. Вместо прекрасного эфеба мы видим... пухлого, ревущего младенца! Огромный орел грубо хватает перепуганного малыша когтями за одежду и уносит прочь. Лицо ребёнка искажено гримасой ужаса и плача. И как вершина барочного реализма и, возможно, даже грубоватого юмора – от страха малыш... писает! В ручке он все ещё сжимает несколько вишен – деталь, подчёркивающая его детскую невинность, резко контрастирующую с происходящим насилием.
Смысл и особенности: Это шокирующе реалистичная и совершенно не классическая трактовка античного мифа. Рембрандт демифологизирует сюжет, сводя его к брутальной сцене похищения испуганного ребёнка. Зачем? Возможно, это была своеобразная пародия на идеализированные итальянские и фламандские трактовки. Возможно, Рембрандт хотел показать истинный ужас ситуации, лишив её всякого эротического или героического флёра. Контраст между темным, грозовым небом и ярко освещённым телом младенца усиливает драматизм и привлекает внимание к его страданиям.
Это произведение – яркий пример смелости Рембрандта, его стремления к психологической правде и нежелания следовать общепринятым эстетическим нормам. Он показывает нам не вознесение, а именно похищение во всей его неприглядности.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Психологический портрет:
Можно предположить, что картина изображает женщину, погруженную в свои мысли, возможно, в момент размышлений о своей жизни, о красоте и мимолетности времени. Ее сдержанность может говорить о внутренней силе, но также и о некоторой эмоциональной закрытости или даже одиночестве. Красота окружения и платья контрастирует с ее внутренним состоянием, создавая ощущение некой диссонанции между внешним и внутренним миром. Возможно, это образ женщины, живущей по правилам и нормам своего времени, сохраняющей внешнюю элегантность и спокойствие, но в душе испытывающей более сложные и глубокие эмоции, не всегда находящие выход.
В целом, "Апрель (Зеленое платье)" - это не просто портрет, а тонкий психологический этюд, предлагающий зрителю заглянуть за внешнюю красоту и увидеть глубину и сложность внутреннего мира человека.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Конфиденции
1889
Жорж Крёгерт 🇧🇪
Масло на кедровой панели. 67,5 x 57 см.
Художественная галерея Нового Южного Уэльса, Австралия
Сегодня погрузимся в атмосферу роскошной гостиной конца XIX века с картиной «Конфиденции».
Жорж Крёгерт (1848-1923) был бельгийским художником, работавшим преимущественно в Париже. Он прославился как мастер салонной живописи, специализируясь на жанровых сценах. Особенно ему удавались изображения роскошных интерьеров, элегантных дам и сцен из жизни высшего духовенства (так называемые "кардинальские" сюжеты). Его работы отличает невероятное внимание к деталям и виртуозная передача фактур тканей, дерева, металла.
Перед нами – типичная сцена из жизни парижского высшего общества времен Прекрасной эпохи (Belle Époque). Две изысканно одетые дамы уединились в богато обставленной комнате для доверительной беседы. Интерьер поражает роскошью и вниманием к деталям: тяжелые красные портьеры с золотым узором, мягкий ковер, книжный шкаф с корешками дорогих изданий.
Особого внимания заслуживает оформление стен в модном тогда стиле японизм: светлые обои расписаны изящными японскими фигурами, а на полке виднеются восточные статуэтки. Это увлечение Востоком было очень характерно для европейского искусства того периода.
В центре композиции – две женщины. Одна, блондинка в великолепном вечернем платье из белого атласа с золотистым шитьем, держит в руках маленькую карточку (фотографию? визитку? письмо?) и с задумчивым или слегка печальным видом рассматривает ее. Вторая дама, брюнетка в более строгом, но не менее элегантном наряде с бархатным жакетом и пышным светлым жабо, наклонилась к подруге, внимательно глядя на карточку и, очевидно, участвуя в обсуждении. Их позы, близость друг к другу создают атмосферу интимности и секрета.
Название картины прямо указывает на ее сюжет – обмен секретами. Художник мастерски передает не только роскошь обстановки и нарядов, но и саму атмосферу доверительного разговора. Что именно обсуждают дамы? Любовную тайну, светскую сплетню, семейные дела? Крёгерт оставляет зрителю простор для воображения, позволяя нам стать невольными свидетелями чужой тайны. Картина – блестящий пример салонного искусства, ценящего красоту, элегантность и занимательный сюжет, а также демонстрация невероятного технического мастерства художника в передаче материалов и деталей.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
🐱 А мы тут пейзажи показываем
/channel/art_gallery
🔻Дорогие ценители живописи! Если вы ищете уникальные подарки для тех, у кого уже есть всё, мы рады предложить вам волшебный мир искусства, созданный талантливой художницей Любовью Белоусовой. 🌟
🔻Её картины - это не просто изображения, это эмоции, воспоминания и вдохновение, запечатлённые на полотне. Каждое произведение наполнено индивидуальностью и глубоким смыслом, что делает его идеальным подарком для близких и друзей.
💖 Подарите нечто большее, чем просто картину - подарите чувства и воспоминания!
🔻Погрузитесь в творческий процесс и выберите идеальную картину для вашего подарка! Узнать больше о художнице и её работах можно по ссылке: @artist_lubelaya
🔻Не упустите возможность сделать необычный подарок, который будет радовать глаз и душу! 🖼️✨
#Искусство #Подарок #ЛюбовьБелоусова #Живопись #Картины #Творчество
Картина Филиппо Палицци «Убывающая луна перед рассветом» (1871) – это завораживающий ночной пейзаж на грани ночи и утра, где в центре внимания находится тонкий серп убывающей луны на темном небе. Это медитативное произведение, отличающееся от других работ художника отсутствием деталей, передает чувство тишины и покоя предрассветного часа и символизирует завершение цикла и предвкушение нового дня.
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
🖼 Предлагаю вам испытать новые, невероятные ощущения с помощью нашего нового формата подкастов.
Очень рекомендую одеть наушники, включить подкаст и открыть картину выше на весь экран. Слушать и смотреть на картину. Вы получите колоссальное удовольствие, попробуйте. После записи я кайфую уже три раза переслушивая всё это.
И надеюсь вам понравится, а свою реакцию на новый формат (старый остаётся, не переживайте) оставляйте под этим постом, если нравится — ставь сердечко и звезду ⭐
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Сады Магнолий
1920
Альфред Хатти 🇺🇸
Масло, холст. 101,2 x 80,6 см.
Музей искусств Гиббса, США
Приветствую всех, кто любит солнечные блики и умиротворяющие пейзажи! Сегодня у нас картина, которая словно дышит теплом и светом юга США – «Сады Магнолий» кисти американского художника Альфреда Хатти (Alfred Hutty).
О художнике: Альфред Хатти (1877-1954) был американским художником, известным своими работами в области гравюры и живописи. Он большую часть жизни провел в Чарльстоне, Южная Каролина, и был очарован красотой местных пейзажей, особенно знаменитых садов. Хатти был одним из основателей Южно-Каролинского художественного союза и играл важную роль в развитии художественной сцены региона.
О картине: Полотно «Сады Магнолий» (Magnolia Gardens) написано в 1920 году (масло, холст, 101,2 x 80,6 см) и хранится в Музее искусств Гиббса в Чарльстоне, для которого этот пейзаж имеет особое значение. Магнолиевые сады – это реальное, историческое место в Южной Каролине, известное своей красотой и богатой историей.
Перед нами – живописный уголок этих знаменитых садов. Взгляд зрителя упирается в водоем или небольшой пруд, в спокойной воде которого отражаются деревья и растительность. На первом плане выделяются стволы кипарисов или других болотных деревьев с характерными расширениями у основания, с которых свисают длинные пряди испанского мха – неотъемлемый символ южных ландшафтов.
За водоемом видна аллея или дорожка, ведущая вглубь сада, а дальше – буйство красок растительности. Хатти пишет широкими, свободными мазками, передавая ощущение света, цвета и атмосферы. Он использует светлые, радостные оттенки, особенно много желтого, зеленого, голубого и нежно-розового, создавая впечатление солнечного дня. Отражения в воде написаны очень живо, словно танцующие блики света и цвета.
Смысл и особенности: Картина передает ощущение спокойствия, безмятежности и природной красоты. Хатти фокусируется на игре света и цвета, характерной для импрессионизма, но его стиль сохраняет определенную структуру и ясность. «Сады Магнолий» – это не просто изображение места, это передача настроения, чувства гармонии с природой, которое испытываешь, гуляя по этим историческим местам. Испанский мох придает пейзажу особую, немного меланхоличную нотку, но общий тон картины остается светлым и жизнеутверждающим.
Это произведение – прекрасный пример того, как художник может запечатлеть дух места, его уникальную атмосферу, используя силу цвета и света.
#искусство #живопись #АльфредХатти
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Ручей
1925
Артур Стритон 🇦🇹
Масло на холсте. 69,3 x 95 см.
Художественная галерея Нового Южного Уэльса, Австралия
Привет всем, кто любит пейзажи, полные солнца и истории! Сегодня отправимся на другой континент, в Австралию, чтобы взглянуть на картину Артура Стритона (Arthur Streeton) – «Ручей».
О художнике: Сэр Артур Эрнест Стритон (1867-1943) – один из ведущих австралийских художников-пейзажистов, ключевая фигура Гейдельбергской школы (Heidelberg School), которую часто называют австралийским импрессионизмом. Стритон был мастером передачи света, цвета и атмосферы уникальных австралийских ландшафтов.
О картине: Полотно «Ручей» (The Creek) написано в 1925 году (масло, холст, 69,3 x 95 см) и находится в Художественной галерее Нового Южного Уэльса. К этому времени Стритон уже был признанным мастером, вернувшимся в Австралию после долгих лет, проведенных в Европе. Его взгляд на родные пейзажи стал, возможно, более глубоким и осмысленным.
Перед нами типичный австралийский пейзаж, залитый ярким солнечным светом. Золотисто-охристая, выжженная солнцем земля простирается до самого холма на горизонте, поросшего редкими эвкалиптами. Небо высокое, голубое, с белыми кучевыми облаками.
На переднем плане – ручей, давший название картине. Но это не полноводный поток, а скорее узкая полоска воды, пробивающаяся сквозь сухую землю. Берега ручья размыты, обнажая красноватую почву – явный признак эрозии. Вода отражает чистое небо, создавая контраст с сухой землей вокруг.
По берегам ручья и на переднем плане мы видим мертвые, искореженные стволы деревьев и пни – свидетельства вырубки лесов и, возможно, последствий засухи. Несколько коров пасутся на склоне холма, добавляя сцене ощущение сельской жизни, но и намекая на причину изменений ландшафта – освоение земель человеком.
Смысл и особенности: Эта картина – не просто красивый вид. Стритон здесь не только любуется светом и простором австралийской природы, но и показывает ее уязвимость, следы человеческого вмешательства и суровые реалии жизни на этой земле. Видны последствия расчистки земель под пастбища – эрозия почвы, гибель деревьев.
Работа написана широкими, уверенными мазками, отлично передающими текстуру сухой травы, земли, коры деревьев и вибрацию горячего воздуха. Несмотря на яркость красок, в картине есть нотка меланхолии, размышления о взаимоотношениях человека и природы. Это честный и сильный образ австралийского буша – красивого, но требовательного и хрупкого.
#искусство #живопись #АртурСтритон
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Кающийся Петр
1616
Хендрик тер Бругген 🇳🇱
Масло, холст. 67,7 x 85,8 см.
Центральный музей, Нидерланды
Сегодня мы погрузимся в эпоху Барокко и рассмотрим мощное, пронзительное полотно Хендрика тер Брюггена (Hendrick ter Brugghen) – «Кающийся Петр».
О художнике: Хендрик тер Брюгген (1588-1629) был одним из ведущих мастеров Утрехтских караваджистов. Эти голландские художники в начале XVII века посетили Рим, испытали сильнейшее влияние революционного искусства Караваджо и привезли его драматический стиль – резкую светотень (кьяроскуро) и реализм – на родину, в Утрехт. Тер Брюгген мастерски сочетал это влияние с северными традициями.
О картине: Эта работа, написанная около 1616 года (масло, холст, 67,7 x 85,8 см), хранится в Центральном музее Утрехта, Нидерланды. Она изображает апостола Петра в момент глубокого раскаяния.
Мы видим пожилого мужчину, изображенного в профиль на темном, нейтральном фоне. Всё внимание сосредоточено на его фигуре, ярко выхваченной светом из мрака – типичный прием караваджизма. Свет падает на его высокий лоб, седую бороду, и особенно – на крепко сцепленные руки, выражающие внутреннее напряжение и мольбу.
Взгляд Петра устремлен вверх, в его глазах читается страдание, горечь и мольба о прощении. Морщины на лице, каждая деталь – от текстуры кожи до прядей бороды – прописаны с суровым реализмом. Художник не идеализирует святого, а показывает его как человека, охваченного душевной бурей.
Смысл и особенности: Картина отсылает к евангельскому сюжету об отречении Петра – когда он трижды отрекся от Христа перед пением петуха. Этот момент глубочайшего падения и последующего раскаяния был популярным сюжетом в искусстве Контрреформации, подчеркивающим важность покаяния для прощения грехов.
Тер Брюгген концентрируется не на самом событии отречения, а на его последствиях – на внутреннем состоянии апостола. В правом верхнем углу, едва различимые в тени, висят ключи – традиционный атрибут Петра, символ власти, данной ему Христом ("ключи Царства Небесного"). Их приглушенное изображение здесь может намекать на то, что в момент своего падения и раскаяния Петр ощущает себя недостойным этой высокой миссии.
Сильная светотень не только создает драматический эффект, но и символизирует борьбу света (веры, надежды) и тьмы (греха, отчаяния) в душе апостола. Тер Брюгген мастерски передает глубокие человеческие эмоции через физическое напряжение и выразительный взгляд, делая библейский сюжет близким и понятным зрителю.
#искусство #живопись
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Христос и Его Мать изучают Писание
ок. 1909
Оссава Таннер 🇺🇸
Масло, холст. 123,8 x 101,6 см.
Музей искусств Далласа, США
Привет, ценители глубокого и одухотворенного искусства! Сегодня у нас особенная картина – тихая, интимная и невероятно трогательная сцена кисти Генри Оссавы Таннера (Henry Ossawa Tanner) – «Христос и Его Мать изучают Писание».
О художнике: Генри Оссава Таннер (1859-1937) – один из самых значительных афроамериканских художников рубежа XIX-XX веков. Хотя он столкнулся с расовыми предрассудками на родине и провел большую часть своей успешной карьеры в Париже, его творчество глубоко связано с американской культурой. Таннер прославился своими проникновенными религиозными сюжетами, часто вдохновленными его поездками на Ближний Восток, и уникальным использованием света и цвета, особенно глубоких, мерцающих синих тонов.
О картине: Это полотно (ок. 1909 г., холст, масло, 123,8 x 101,6 см), хранящееся в Музее искусств Далласа, является прекрасным примером зрелого стиля Таннера.
Перед нами предстает не каноническая, а глубоко человечная сцена. Юный Иисус, одетый в светлые одежды, сидит рядом со своей Матерью Марией, облаченной в традиционный темно-синий хитон и покрывало. Они вместе склонились над длинным желтоватым свитком – Священным Писанием. Иисус нежно обнимает Мать и, кажется, указывает на определенное место в тексте или внимательно слушает ее объяснения. Мария бережно держит свиток, ее лицо выражает сосредоточенность и материнскую нежность.
Вся сцена погружена в характерную для Таннера таинственную синюю атмосферу, но фигуры Матери и Сына, а также сам свиток, ярко освещены теплым, мягким светом. Этот контраст не только привлекает внимание к главному действию, но и символизирует свет божественной мудрости, исходящий от Писания и озаряющий героев. Художник использует довольно свободные, видимые мазки, что придает изображению живость и эмоциональность.
Смысл и особенности: Таннер отходит от традиционных изображений божественного всеведения Христа. Он показывает Его в момент ученичества, подчеркивая Его человеческую природу и процесс познания веры. Мария здесь выступает не просто как Мать, но и как первая наставница, передающая сыну священные знания. Картина излучает удивительное спокойствие, умиротворение и глубокую духовную связь между Матерью и Сыном. Это интимный, тихий момент, полный любви, уважения и сосредоточенности на постижении божественного слова.
Это не просто религиозная иллюстрация, а проникновенное размышление о передаче веры, семейных узах и свете знания в тишине дома.
#искусство #живопись #Таннер
Нас ждёт встреча с классической красотой на полотне французского художника Шарля Ланделя (Charles Landelle) – «Исмения, нимфа Дианы».
О художнике: Шарль Ландель (1821-1908) был весьма успешным французским художником академического направления. Он много путешествовал, в том числе по Ближнему Востоку и Северной Африке, что отразилось в его ориенталистских работах. Однако Ландель был также известен своими портретами, историческими и мифологическими сценами, отличающимися изысканностью и техническим мастерством.
О картине: Работа «Исмения, нимфа Дианы» была написана в 1878 году (масло, холст, внушительные 177,6 x 131,5 см) и сейчас находится в Художественной галерее Нового Южного Уэльса в Австралии.
Перед нами – идеализированный образ нимфы, спутницы богини охоты Дианы (Артемиды в греческой мифологии). Об этом недвусмысленно говорят лежащие рядом с ней лук и колчан со стрелами – атрибуты охотницы.
Нимфа Исмения изображена в момент тихой передышки. Она сидит на камне, покрытом белой драпировкой, в уединенном лесном уголке. Ее поза естественна и скромна: она слегка наклонилась и, кажется, вытирает или осматривает свою ногу после долгой прогулки или, возможно, после купания. Ее взгляд опущен, она погружена в свои мысли, создавая атмосферу спокойствия и интимности.
Художник мастерски использует светотень: тело нимфы ярко освещено, контрастируя с темным, густым лесным фоном. Это позволяет Ланделю продемонстрировать свое виртуозное владение техникой написания человеческого тела – кожа выглядит гладкой, почти фарфоровой, формы идеализированы в соответствии с канонами академической живописи. Белая ткань драпировки написана с большим вниманием к складкам и игре света.
Смысл и особенности: Картина является прекрасным примером академического искусства XIX века, которое ценило мифологические сюжеты, идеализированную красоту, безупречную технику и гармоничную композицию. Изображение нимфы позволяло художнику обратиться к популярной теме ню, оправданной мифологическим контекстом. Это не столько портрет конкретной Исмении (персонаж, вероятно, вымышленный или малоизвестный), сколько воплощение идеала юной женской красоты, чистоты и связи с природой, характерного для последовательниц девственной богини Дианы.
Полотно излучает спокойствие, умиротворение и классическую элегантность.
#искусство #живопись #CharlesLandelle #Ландель
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Ещё Вермеер:
Бокал вина
Офицер и смеющаяся девушка
Урок музыки
Спящая девушка
Гитаристка
Портрет молодой девушки
Диана со спутницами
Сводница
Вид Делфта
Девушка с жемчужной серёжкой
Прерванный урок музыки
Хозяйка и служанка
Кружевница
Дама, стоящая у вирджиналя
Женщина, сидящая за вирджиналем
🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.
Рассеиватели тумана
1913
Джордж Беллоуз 🇺🇸
Масло на фанере. 36,8 x 48,3 см.
Музей искусств Джорджии, США
Сегодня у нас встреча с необузданной стихией на полотне американского реалиста Джорджа Беллоуза (George Bellows) – «Рассеиватели тумана».
О художнике: Джордж Уэсли Беллоуз (1882-1925) – одна из ключевых фигур американского искусства начала XX века, яркий представитель Ашканской школы (Ashcan School). Эти художники стремились изображать повседневную жизнь Нью-Йорка без прикрас, фокусируясь на энергии и динамике большого города. Беллоуз прославился своими экспрессивными сценами городской жизни, портретами и особенно знаменитыми изображениями боксерских поединков. Однако он был также великолепным пейзажистом, черпавшим вдохновение в суровой красоте природы.
О картине: Работа «Рассеиватели тумана» (Breakers in the Fog) была написана в 1913 году маслом на фанере (размер 36,8 x 48,3 см) и сейчас находится в Музее искусств Джорджии, США. Скорее всего, она была создана во время одной из поездок художника на остров Монхеган в штате Мэн, известный своими скалистыми берегами и изменчивой погодой.
Перед нами – мощный, экспрессивный морской пейзаж. Беллоуз не стремится к фотографической точности, его цель – передать ощущение, энергию и драму момента. Мы видим, как бушующее море обрушивает свои волны на темные, неприступные скалы. Диагональная линия берега придает композиции динамику, уводя взгляд вглубь бушующей стихии.
Всё окутано серо-белесой дымкой тумана или морской пены, которая смешивается с волнами и небом. Художник использует широкие, энергичные, почти скульптурные мазки. Краска ложится густо, создавая рельефную текстуру, особенно на скалах и в гребнях волн. Палитра сдержанная, построенная на контрасте темных, почти черных скал и холодных оттенков серого, белого, голубовато-зеленого в изображении воды и тумана.
Смысл и особенности: Название «Рассеиватели тумана» можно трактовать как указание на сами могучие волны, которые своей неукротимой силой словно разрывают, рассеивают пелену тумана. Картина – это гимн дикой, необузданной мощи природы. Беллоуз передает не просто вид моря, а физическое ощущение удара волны, соленого ветра, влажного воздуха. Он применяет ту же экспрессивную манеру, которую использовал для изображения напряженных боксерских матчей, к изображению стихии, показывая борьбу моря и скал. Это небольшое по размеру, но невероятно концентрированное по силе и энергии произведение.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Гагарин
1977
В. С. Василенко
Художник В. С. Василенко создал не просто портрет, а настоящий живописный мемориал первому космонавту планеты Юрию Алексеевичу Гагарину.
Мы видим космонавта за несколько минут до его исторического старта 12 апреля 1961 года. Знаменитая, обезоруживающая гагаринская улыбка, яркий огненно-оранжевый (в тексте описания упоминается как красный, несущий символическую нагрузку) скафандр СК-1, рука, поднятая в прощальном или приветственном жесте – эти детали мгновенно делают образ узнаваемым и близким. Художник запечатлел момент высочайшего напряжения и одновременно уверенности перед шагом в неизвестность.
Но эта картина глубже, чем просто фиксация момента. Василенко использует символический язык и приемы, близкие к коллажу, чтобы передать масштаб события. В разрывах облаков или клубах стартового дыма, в дробящихся формах самой ракеты внимательный зритель может различить черты Константина Эдуардовича Циолковского – «отца космонавтики», символизирующего научную мечту и теоретическую основу полета. Это взгляд в прошлое, к истокам.
Над головой Гагарина, в глубокой темно-синей бездне космоса, горит ярко-красное кольцо далекой туманности. Так художник визуализирует образ Большого Космоса, манящего и непостижимого, путь в который открывает этот человек. Это взгляд в будущее.
Таким образом, полотно становится живописной метафорой, объединяющей прошлое (Циолковский), настоящее (Гагарин перед стартом) и будущее (покорение космоса) отечественной космонавтики.
Символична и цветовая палитра. Доминирующий красный/оранжевый цвет скафандра и деталей несет мощный заряд. В контексте эпохи это цвет флага СССР, символ социальных преобразований и энергии страны, первой открывшей человечеству дорогу к звездам. Глубокий синий цвет фона – это сам космос, бескрайний и таинственный, путь в который проложил гражданин Страны Советов Юрий Гагарин.
#Василенко #Гагарин #космос #живопись
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Карл Густав Юнг теперь в Telegram!
Мысли одного из самых
цитируемых психологов
Подписаться:
t.me/CarlGustavJung_tg
Апрель (Зеленое платье), 1920
Чильд Хассам 🇺🇸
Музей искусств Гиббса, США
Первое впечатление:
На первый взгляд, картина излучает спокойствие и утонченность. Мы видим женщину, сидящую в зеленом платье, в светлой, наполненной деталями обстановке. Но уже при более пристальном взгляде, за этой внешней гармонией начинает проступать более сложный и, возможно, меланхоличный подтекст.
Поза и выражение лица женщины:
Сдержанность и отстраненность: Женщина сидит прямо, ее поза достаточно формальна, но не напряжена. Руки сложены на коленях, что говорит о некоторой сдержанности или даже защищенности. Взгляд опущен вниз и слегка в сторону, избегая прямого контакта со зрителем. Это создает ощущение интровертности, погруженности в себя. Она как будто существует в своем собственном мире, отгороженном от нас и от окружающего пространства.
Отсутствие явной эмоции: На ее лице сложно прочитать явные эмоции. Нет ни улыбки, ни печали в явном виде. Скорее, это выражение легкой задумчивости, спокойствия или даже тихой грусти. Эта неопределенность в выражении усиливает ощущение загадочности и интроспекции. Кажется, что основная драма происходит не на поверхности, а внутри.
Цветовая гамма и свет:
Зеленый доминирующий, но не жизнерадостный: Зеленый цвет платья – насыщенный, глубокий, но не яркий и ликующий. Скорее, это цвет умиротворения, возможно, даже цвет увядания листвы перед летом, если связать с названием "Апрель". Зеленый может символизировать рост и жизнь, но в сочетании с общей атмосферой он воспринимается как сдержанный, возможно, даже чуть меланхоличный оттенок жизни.
Теплые тона окружения, но общая прохлада: Фон картины выполнен в теплых желто-золотистых тонах (экран, занавес), которые должны создавать ощущение уюта и тепла. Однако, сам свет на картине рассеянный, мягкий, не создающий резких теней и ярких бликов. Это подчеркивает спокойную, умиротворенную, но не динамичную атмосферу. Тепло окружения контрастирует с общей прохладой и сдержанностью фигуры, возможно, указывая на внутренний холод или дистанцию.
Детали обстановки и символизм:
Интерьер как ограничение и защита: Женщина находится внутри помещения, окруженная предметами интерьера. Экран с птицами и цветы в горшке создают ощущение искусственного "природного уголка" в замкнутом пространстве. Это может символизировать как желание окружить себя красотой и природой, так и ограниченность, некоторую "тюремную" элегантность – красоту внутри рамок.
Птицы на экране: стремление к свободе или иллюзия свободы? Птицы, изображенные на экране, могут быть символом свободы, полета, стремления к чему-то большему, чем замкнутое пространство комнаты. Но они изображены на экране – плоско, статично, как декор. Это может быть намеком на иллюзорность стремления к свободе, на то, что настоящее освобождение не может быть достигнуто в этих рамках.
Желтые цветы: красота и уязвимость: Желтые тюльпаны (или нарциссы) на переднем плане добавляют картине яркости, но они стоят в горшке, срезанные, их красота увядает. Это может символизировать мимолетность красоты, хрупкость жизни, возможно, даже внутреннюю уязвимость самой женщины, несмотря на ее внешнюю сдержанность и элегантность.
Общее настроение и интерпретация:
Картина "Апрель (Зеленое платье)" создает ощущение тихой меланхолии, сдержанности и интроспекции. Женщина в зеленом платье кажется красивой, утонченной, но одновременно – немного печальной, отстраненной, живущей в своем внутреннем мире. Она словно заперта в прекрасном, но все же замкнутом пространстве, где даже природа представлена в виде декораций.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Дайджест картин за март '25
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
Ожившая картина
Страстная пятница в Кастилии. Дарио де Регойос
Вокзалы Моне
Джорджо де Кирико
Итальянское утро. Карл Брюллов
В лесу. Николай Крымов
Истина. Макалоюс Чюрленис
Эжен Джей Папроски
Ранняя весна. Вильгельм Пурвит
Таможня. Руссо
Девушка перед зеркалом. Пабло Пикассо
Ад. Алессандро Ботичелли
Битва Александра Македонского с Дарием. Альтдорфер
День и ночь. Морис Эшер
Эрозия. Яцек Йерка
Эрозия
Яцек Йерка
Перед нами картина польского художника-сюрреалиста Яцека Йерки (родился в 1952 г.). Йерка известен своими невероятно детализированными, фантастическими и порой головоломными мирами, которые часто сравнивают с работами Босха, Брейгеля и даже Эшера. Он создает целые вселенные, живущие по своим, загадочным законам.
«Эрозия» – прекрасный пример его стиля. Мы видим городской пейзаж, напоминающий старую Европу, с уютными домиками под красными черепичными крышами, башнями и шпилями. Но что-то здесь не так...
Город буквально пронизан, подточен и одновременно поддерживается сложной, многоуровневой структурой, похожей на гигантскую корневую систему или причудливый лабиринт из террас и дорожек, поросших зеленью. Эта структура извивается, ветвится, уходит вглубь и поднимается вверх, сливаясь с городскими стенами и фундаментами зданий. Кажется, будто сама земля обнажила свои внутренние пути, которые одновременно разрушают и формируют ландшафт.
Высокие, тонкие деревья с шарообразными кронами растут прямо из этой странной субстанции, добавляя картине ещё больше ирреальности. Взгляд блуждает по запутанным тропинкам, пытаясь понять логику этого пространства, но она ускользает, как во сне.
Название «Эрозия» подсказывает процесс разрушения, размывания. Возможно, художник изображает, как природа или время постепенно поглощают цивилизацию? Или это метафора скрытых процессов, подсознания города, его тайных путей и основ? Как всегда у Йерки, однозначного ответа нет, и зритель волен сам достраивать смыслы.
Картина завораживает своей детализацией и необычным взглядом на взаимоотношения природы и рукотворного мира.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
