Механика звука

04 June 2021 20:24

В журнале «Нож» вышло большое интервью со мной про лейбл аутсайдерской музыки, которым я руковожу в рамках проекта Аутсайдервиль. Поговорили о том, зачем вообще нужна специальная поддержка аутсайдерского искусство и почему искусство является самым мощным обезболиванием и источником радости из возможных. Со мной говорил Степан Ботарёв, ведущий телеграм-канала о самобытных и уникальных культурных явлениях "Работник культуры" @culture_worker.

https://knife.media/label-outsiderville/

Спасибо Моспродюсеру, с которым мы сотрудничаем в рамках их проекта "Вера в музыку", благодаря помощи которого это стало возможно!

"— Не могли бы вы кратко пересказать для читателей «Ножа» содержание своего манифеста?

— Прежде всего надо заметить, что, как и любой манифест, этот текст имеет дело не с реальными обстоятельствами и практическими призывами, а с идеалами. Идеалы — нечто вроде бесконечно далекой звезды на небе; они направляют нашу деятельность, но сами по себе достижимы лишь в идеальном мире.
Впрочем, не стоит недооценивать важность идеального — это не ерунда и не безделица. Скажем, геометрические объекты или физические законы тоже идеальны, однако мало кто сейчас будет отрицать их практическую пользу. Идеалы столь же важны для полноценной жизни, как и фактические знания или умения.

В моем манифесте-рефлексии в первую очередь говорится о том, что сущность любого труда творческая, а сущность человека — свободный и творческий труд. Сейчас, как и вообще в человеческой истории, люди чаще всего работают ради выживания, в силу внешней необходимости, но хочется верить, что отдаленное будущее-утопия, которое может принести процветание и благополучие благодаря развитию социальных технологий и техники, позволит каждому трудиться, исходя из собственных внутренних потребностей, ради радости и интереса, ради самого процесса.

Такому отношению к творческому труду художники-профессионалы и другие люди могут, как мне кажется, поучиться у аутсайдеров уже сейчас, не дожидаясь наступления тотального благоденствия".

Механика звука

27 May 2021 14:41

Мой новый альбом для фортепиано соло Лазурь вышел сегодня в стримингах и на Bandcamp под тегом Contempora. Это важный для меня этап — в эту музыку я много вложил любви, сил и вдохновения; мне кажется, что это лучшая, наиболее чуткая, пестрая и текучая музыка, из той, что я создавал, музыка-вода. Впрочем, мое удовлетворение или ненависть к собственной музыке — дело переменчивого настроения. Технически и в плане разнообразия материала это, пожалуй, самая совершенная музыка из той, что я записывал, пусть всегда остаются недоступные вершины (и великое множество!), к которым я стремлюсь.

Лазурь — скромная попытка уловить в звуке метаморфозу смысла, вкус слов. Вечная тоска по свободе и неистовая радость неба, нежность сумерек, гремящая тишина ночи. Итак, эта музыка старается быть такой же гибкой и разнообразной, как строчки поэта (если вы вдруг вспомнили Малларме, то у вас верная ассоциация -- он был и остается важным истоком вдохновения для меня).

Метод этой музыки - абстрактный импрессионизм. Суть этого подхода - создать музыкальное настроение, не являющееся изображением чего-либо знакомого нам из обычного опыта. Абстрактное впечатление - это развитие и рост формальных музыкальных идей, звуковых крупинок.

Эта музыка со всей любовью и уважением посвящена моему другу и соратнице Леле CycloneFaerie Сальниковой. За исключением девятой пьесы, посвященной Ольге Фоминых.

https://youtu.be/J5F-4fctSIM

Музыку можно послушать на всех площадках - от Ютуб и VK до Bandcamp и Яндекс.Музыки:
https://album.link/kn5kbgnzhtzkt

Не забывай меня

Начерти имя мое

Следами пыли на зеркале

Ведь пустота тверда и непоколебима как графит

Как сверхплотное ядро черной звёзды

В ней вихрями виртуальных частиц

Струится имя моё

В самом темноликом омуте беспамятства

Эхом отдается имя моё

Только вспомни

Пусть трепещет имя моё в твоих ладонях.

#игразолы

Механика звука

21 May 2021 13:37

Тору Такемицу — Fantasma. Песнь для кларнета и оркестра
#музыкальный_радар

Сочиненная в 1991 году по заказу BBC Fantasma представляет из себя необычный концерт для кларнета и оркестра. Это не виртуозное сочинение, которое бы раскрывало — в противостоянии оркестру — возможности кларнета, сколько медитация в духе столь любимого Такемицу Оливье Мессиана (действительно, партия кларнета, одиноко звучащего, как песнь ночной птицы, иногда заставляет вспомнить знаменитый "Квартет на конец времени").

Вдохновением для сочинения послужило особенное круговое устройство японского сада. Когда входишь в сад, ты видишь камни, деревья, пруды и ручьи с некоторой изначальной точки. Ты продвигаешься вглубь окружным путем, останавливаясь для созерцания, для размышления то тут, то там — и ты видишь эти же объекты с другой точки зрения. Меняется контекст и вместе с ним меняется восприятие — изначальное тождество объектов претерпевает метаморфозы, вещи выходят за собственные границы, меняются; и вместе с ними меняется твое собственное сознание. Кларнет — текучее, гибкое сознание созерцающего, его движение в глубь сада и обратно к стартовой точке, оркестр же отражает изменения контекст, это сам сад в его метаморфозах. Кларнет ищет, ощупывает взглядом ума пространство, оркестр же создает его, расцвечивает в красках и нюансах.

В определенный момент настроение пьесы и партии кларнета Такемицу описал парадоксально как "спокойное и экстатичное", в окончательной английской редакции это описание было убрано, так как редактор посчитал его оксюмороном. Однако же мистика повседневного, мистика обыденной красоты, столь свойственная поэтическому японскому мировосприятию, как раз очень точно описывается соединением этих противоречащих на первый взгляд понятий — спокойствие-созерцание и восторг красоты, текучей, изменчивой, меняющейся вместе с движением самого сознания.

https://youtu.be/m0cMorRbauE

Механика звука

19 May 2021 09:16

Квартет Отоцкого — Stamp a Spot (Fancy Music, 2021)
#музыкальный_радар

Трудность, чтобы писать о музыке вроде той, что записал квартет Отоцкого в составе контрабасиста Дмитрия Лапшина, пианиста Кирилла Широкова, ударника Петра Отоцкого и саксофониста Ильи Белорукова, состоит в том, что для неё нет распространенного и устойчивого языка. Какие функции может выполнять речь по отношению к музыке? Функцию оценки, которую часто считают главной в музыкальной критике, но которая кажется мне вторичной. Гораздо важнее функция описания — благодаря речи мы может выделить и очертить основные структуры. Теория и понятия речи позволяют увидеть музыку как осмысленное и членораздельное целое, а не просто воспринять как недиффиренцированный поток ощущений. В случае с музыкой альбома Stamp a Spot, вышедшего на замечательном contemporary classical и jazz лейбле Fancy Music, не так-то просто подобрать нужные слова.

Если с более-менее традиционной музыкой на помощь критику приходят понятия устоявшейся музыкальной теории, даже самые элементарные, вроде тональности, модуляции, ритма, мелодии, лада, то в случае с условной свободной импровизацией оперировать подобными понятиями затруднительно. Если некоторые термины и можно использовать, то их значение приходится расширять, быть может, непростительно: так мелодия становится не просто последовательностью высот, взятых в рамках некоторого тонального движения, но любой звуковой линией, носителем музыкального смысла, аналоги мысли или образа в музыке.

И все же перед тем, как оценивать альбом или пьесу, прежде всего нужно описать музыку, хотя бы в самых общих чертах. И тут возможны два подхода: объективный, при котором описываются музыкальные явления, создается своеобразная стенограмма музыки, и субъективный, когда описываются впечатления и динамики сознания слушателя или — через вчувствование — музыканта. Зачем описывать структуры музыки? Не является ли это попыткой напеть музыку, для этого не предназначенную, дурным, негибким голосом? Речь не способна повторить в точности музыкальные контуры. Сама музыка гораздо лучше представит себя, чем любое её, даже самое доскональное, описание. Однако дело в том, что достаточно сложная и насыщенная музыка должна быть описана хотя бы в общих чертах для того, чтобы разум смог выделить в ней опорные для восприятия структуры — необязательно ударяться в буквализм и создавать подробные описания в духе "на 5:30 трека Pam квартет переходит к разрозненной, разреженной игре штрихами, заставляющей подумать о союзе додекафонии и классического джаза; жалобно, будто из последних сил, скрипит саксофон, его успокаивают отдельными неуверенными восклицаниями контрабас и фортепиано".

Субъективный подход позволяет выразить впечатления и отношение к музыке, завлечь или напротив отвратить потенциального слушателя. Недостаток подхода — в том, что впечатления одного человека, выраженные в виде метафор или своеобразного протокола внутреннего процесса при прослушивании музыки, могут быть скучны, непонятны, неверны для других людей. Вероятно, хорошая рецензия должна опираться на оба эти подхода, должна умудрится пройти между Сциллой субъективизма и безосновности и Харибдой скуки и объективизма. Соответственно, она должна так же смешивать языки фиксации музыкальных процессов и языки описания впечатлений.

Что же происходит в музыке, которую играет квартет Отоцкого, и какое впечатление она оставляет? Кажется, что музыканты собрались чтобы сыграть самый беспорядочный, самый соответствующий расхожим представлениям свободный импров на свете; кажется, это попытка сказать сомневающимся, что в современной России тоже могут играть классический (как ни странно тут это определение) фри импров высшей пробы и соответствующий всем внутренним стандартам. Если бы было министерство свободной импровизации, следившее за соблюдением стереотипов и норм в фри импров записях, то его сотрудники, вероятно, были бы полностью удовлетворены диском квартета Отоцкого — на протяжении альбома разворачивается самое настоящее остросюжетное действо, калейдоскоп эмоций, динамик, контрастов.

(начало. продолжение ниже)

Механика звука

18 May 2021 16:46

Рассказал ИМИ про нашу совместную инициативу с проектом Аутсайдервиль — одноименный лейбл аутсайдерской музыки! Пока начинание скромное и является попыткой создать сообщество для продвижения и документирования музыки, что не попадает в обычные ритмы и тренды, но у нас большие планы! Спасибо ИМИ!

Механика звука

14 May 2021 14:12

Живая речь: зачем нужна импровизация?

Написал для #сигма о том, чем ценна и уникальна, на мой взгляд, импровизационная музыка. Что она способна подарить внимательному слушателю и вдохновленному музыканту.

"Человеческая речь может быть разной — бытовая, поэтическая, политическая и так далее. Возгласы, декламации, замечания. Аналогично и со свободной импровизацией, которая не является идиомой, конкретным типом звучания, но скорее методом, особым отношением музыки, ума и времени. Свободная импровизация может звучать как романтическая пьеса, как экспрессивный джаз, как атональная миниатюра в духе Шёнберга, как случайность; она может быть полифонической или монофонической, может быть синкопированной, созданной с помощью простых ритмов или даже лишенной ритмической регулярности. Свободная импровизация нужна музыканту как опыт говорения, как опыт поэтической жизни; слушателю же — как возможность соприкоснуться с живым, спонтанным, органичным, естественным."

Традиционно использовал пару своих свежих картинок в качестве иллюстраций к эссе: это тоже импровизации, пусть в цвете и форме.

yuri-vinogradov/opyt-chutkosti-zachiem-nuzhna-improvizatsiia" rel="nofollow">https://syg.ma/@yuri-vinogradov/opyt-chutkosti-zachiem-nuzhna-improvizatsiia

Механика звука

13 May 2021 12:14

(продолжение)
Вполне в духе шопеновских прелюдий, Dziekuje представляет собой скорее очень яркую и эмоционально заряженную гармоническую последовательность, нежели мелодию в привычном смысле. Ритмически пьеса напоминает самую известную прелюдию Шопена — ми минорную, с её нежной, мягкой пульсацией. И у Шопена, и у Брубека есть то, что можно обозначить непереводимым русским словом "надрыв" — раскол, рана, нестабильность, ожог в самом сердце целостности на грани распада. Тема Dziekuje будто приводится в движение каким-то изначальным импульсом, который уже утомлён, который хочет затихнуть, раствориться, но не способен на это. Будто воля, единственная и тотальная, обращена на себя — она рвётся и терзается, но нет ничего иного, на что она могла бы себя направить.

Points on Jazz появились позднее Dziekuje и прекрасной песни There'll Be No Tomorrow — балет для трех танцоров и труппы был поставлен в 1961 году. Сюита, вполне в соответствии названию, представляет из себя последовательность взглядов, перспектив на мелодико-гармонический материал Dziekuje. Отдельные пьесы сюиты иногда называют ритмическими вариациями, но в строгом смысле слова это скорее стилизации, аранжировки, а не вариации, которые представляют из себя проведение и изменение в разных характерах одной темы (как, скажем, в баховских Гольдбергских вариациях). От прелюдии через блюз, рэг-тайм, хорал, фугу музыка движется к кульминации - вальсу, который оттеняется финалом a la Turk. Об отдельных пьесах сюиты иногда говорят как о шедеврах; им не отказать в индвидуальности, однако, на мой взгляд, прелюдия слишком скудна, в фуге звуки толкаются, блюз слишком плотный, а рэг-тайм саркастично-несерьезный и так далее. Впрочем, стоит лишь зазвучать Вальсу, как все сомнения и неудовлетворенность исчезнет — наиболее близкий к изначальному материалу, Вальс проносится как освежающий ветер, как свет, восстанавливающий мир, как звук, возвращающий словам смысл. К примеру, в версии для двух фортепиано в исполнении классического дуэта Физдэйл-Голд или в записи братьев Параторе вместе с Баховской коллегией Мюниха музыка звучит будто гостья из иных миров; эссенция света, полёт, восторг, ослепленность. Кажется, что не нужно никакой другой музыки, настолько пленяет головокружительное движение это вальса — хочется напоить этой музыкой собственную жизнь. Широта, свободных дух, подъем этой музыки заставляют вспомнить лучшие образцы позднеромантических фортепианных концертов — эпизоды из Фантазии на тему Рябинина Антона Аренского или знаменитый Второй фортепианный концерт Рахманинова.

За Вальсом, как тень, как контраст следует A la Turk, своеобразная юмореска, аутопастиш. Здесь Брубек аранжирует материал Dziekuje, пользуясь ритмикой и фактурой своего знаменитого стандарта Blue Rondo a la Turk. Будто бы высота, которая достигается Вальсом, оказывается невыносимой, поэтому напряжение необходимо сбросить, необходимо снижение — которое позволит вернуться в мир повседневности, в котором нет таких высот и непроглядных бездн.

Points on Jazz, один из композиторских опытов Брубека, произведение противоречивое. Отдельные вариации могут звучать неубедительно, неровно, но исключительный гармонический материал, который лежит в основе пьесы, и замечательный Вальс, подлинный шедевр, от которого перехватывает дыхание, заставляет относится к этому сочинению с уважением и серьезностью. (продолжение ниже)

Механика звука

09 May 2021 14:27

Anton Sushev — Dreamwalker (2021, Hop Eye Records)
#музыкальный_радар

Отвлечемся от академической музыки и авангардного джаза. Должен признаться, я люблю инструментальный хип-хоп и его звуковую эстетику: виниловые шорохи и искажения, призрачные сэмплы, басовый минималистичный грув и классические ударные — все это приводит меня в трудно объяснимый восторг и трепет. При это в целом хип-хоп как жанр я не слишком жалую, мне не нравится его мировозренческие и ценностные тенденции, его восхваление конкурентности, ядовитой маскулинности, агрессивности, его покорное принятие жестокости и несправедливости капиталистического мира. Я верю, что существуют разные авторы с разными взглядами, что существует и осознанный культур-критический хип-хоп без замашек на доминирование и власть, но мне не случалось его слушать. Однако инструментальный хип-хоп, хип-хоп как звуковая эстетика свободен от этих смысловых нюансов, поэтому слушаю я его с удовольствием.

Недавно петербургский музыкант-мультиинструменталист Антон Сушев издал на независимом лейбле Hope Eye Records альбом Dreamwalker, в котором смешиваются джаз и классические хип-хоп ритмы — проверенная временем алхимия! В целом, альбом скорее кажется попыткой создать музыку по традиционным рецептам — так, чтобы звучало здорово, чтобы музыка была уместна и в саундтреке к стильному арт-хаус фильму, и в салоне автомобиля, и в качестве звуковой дорожки к прогулке по центру мегаполиса в дождливый день. Басовые грувы разрезают пульсирующие текстуры, их поддерживает электронное фортепиано а ля Wurlitzer или Fender Rhodes, духовые напевают расслабленные smooth jazz пассажи, то тут, то там звучат призрачные сэмплированные голоса и виниловые скретчи. В музыке легкость и одновременно движение, гипнотизирующая пульсация, витальность. Пожалуй, Dreamwalker близок к acid jazz и даже популярному саунду 80-х -- паттерны хип-хопа наполняют жизнью инструментальные импровизации: электропианино, синтезатор, флейта, саксофон, труба.

Если характеризовать релиз одним словом, то это будет слово "качество". Это крепкая, уверенная в своих силах музыка, solid experience. Она не открывает новых территорий и не наносит на звездную карту новых созвездий, но сделана она с вдохновением и талантом. Интересно, что хотя альбом и звучит как сольная студийная работа саундпродюсера, в создании музыки участвовало большое количество музыкантов, кроме Антона Сушева -- от басиста и клавишника до исполнителя на флюгельгорне.

Послушать:
https://hopeye.bandcamp.com/album/dreamwalker
https://album.link/i/1562381118

Механика звука

01 May 2021 14:57

Музыку Джонатана Харви нельзя счесть скучной или умиротворяющей, несмотря на обозначенное стремление к единству. Он не исследует в ней, подобно минималистам, чудо тождества и "повторения одного и того же"; не пытается он в могучем, сложном, многокомпонентном звуке растворить все различия и остановить поток изменений, как это бывает, скажем, в музыке Горацио Радулеску. Единство в его музыке сложное, подчас дикое, резкое, неустойчивое; оно носит диалектический характер. В музыке, то ускоряющейся, то замедляющейся, то нежной, то удивляющей шумами и диссонансами, цельность того, что мы называем миром. В мире находится место для всего - для света и для тени, для успокоения и для безудержного стремления. Если пытаться дать наиболее краткое описание впечатления от сочинений Джонатана Харви, то, пожалуй, это будет следующий, возможно, слишком общий образ: долгое путешествие любопытного, но отрешенного созерцателя по разнообразным ландшафтам небес, земли и подземного царства.

"Я заворожен материальность звука самого по себе, его таковостью — если использовать буддийский термин, — им как вещью в себе: его характером, богатством, качествами. Я также заворожен музыкальными идеями, которые предполагают движение в определенном направлении, которые предполагают изменение динамики или скорости. Это своего рода музыкальный концепт или, чаще всего, повествование, но это может быть достаточно сложным комплексом: дело не в том, что материал, к примеру, ускоряется, а в ощущении метаморфозы, путешествия".

https://youtu.be/jz_okTb7nM0

#введение_в_классическую_механику

Механика звука

01 May 2021 14:56

Непростое единство

Многие композиторы совмещают сочинение музыки с другими склонностями и занятиями. К примеру, Янис Ксенакис был архитектором, Оливье Мессиан увлекался орнитологией и восточной философией, Александр Бородин был химиком, а Чарльз Айвз - успешным страховым агентом. Страстью знаменитого английского композитора Джонатана Харви (1939-2012), как и некоторых других композиторов XX века, был буддизм. Значительная часть его музыкальных сочинений посвящена философии пробуждения.
Как кажется, буддизм и медитация - опасный путь для творческого человека. Успокоение чувств, эмоций и разума, к которому стремится буддист, может упростить сочинения, привести к форме простого единства, тривиализировать их. В конечном счете, что за внутренние силы и конфликты будут стимулировать пробужденного сочинять?
Это не случай Джонатана Харви - его работы, прославляющие мир без конфликтов, чистую землю, лишенную бед, изменений, разрушений, насыщенны и многогранны. Спокойный и созерцательный ум пребывает в потоке становления, не разделяя сансару и нирвану.

"Мне нравится объединять, но не в простое, лишенное частей единство, а в единство, которое богато и сложно. Мне бы хотелось, чтобы музыка говорила, возвещала и проповедовала лучший мир, не находящийся в плену личных эгоистических эмоций".

Увлеченный буддизмом английский композитор, автор замечательных сочинений Advaya(<Недвойственность>) для виолончели и электроники и ...towards a pure land (<...к чистой земле>) для оркестра и многих других, не утратил до конца жизни многочисленных и разнообразных интересов: к примеру, среди его работ буддийская опера, посвященная Вагнеру, его юношескому кумиру.
Сочинения Вагнера полны чувств, смерти, они настолько земные, насколько это вообще, вероятно, возможно. Что может, на первый взгляд, противоречить буддизму с его доктриной об иллюзорности Я больше, чем сконцентрированный на Эго, его страстях и движениях, его надеждах и чаяниях романтизм?
Ближе к концу своей жизни Вагнер задумывал сочинить оперу, посвященную буддизму. Сохранились даже наброски этой оперы - <Победители>, Die Sieger, в которой сюжет строился вокруг любви неприкасаемой Пракрити к буддийскому монаху Ананде. Джонатан Харви реализовал эту необычную мечту немецкого композитора в виде оперы Wagner Dream. В конечном счете, романтизм содержит в себе, как любая философия борьбы, обретений и страданий, интенции, которые примиряют его с учением Будды — желание успокоения и освобождения от всего наносного и ложного, желание выйти за пределы привычного, очистить ум и сердце, пусть и в каждом случае на свой лад.

"Как человеку с буддистскими тенденциями, на данном этапе своей жизни (интервью 1994 года - прим.) мне нравится оглядываться на свою жизнь с такого рода объективными вопросами: почему кто-то имеет такие склонности, а кто-то другие? Какова природа Кармы? Что это за ментальный континуум, который длится сквозь череду перерождений? Есть ли такая вещь, как перерождение? Эти вопросы завораживают меня и я могу видеть, оглядываясь назад, что я сам имел определенные предрасположения. Они возникли из вещей, которые сильно увлекали меня: мистицизм и трансцендентальный опыт. В Кембридже меня поглотило, неожиданно для меня самого, изучение христианских мистиков, например, сочинений Иоанна Креста (Хуан де ла Крус - прим.). Христианский мистицизм вывел меня за пределы привычных представлений, того, что я знал и понимал, к более общему, "гетеродоксальному" сознанию (т.е. допускающему разноголосицу мнений и синтез взглядов различных учений и религий - прим.). Такого рода тип сознания резонирует с понятиями восточных религий."

#введение_в_классическую_механику
(часть первая. продолжение ниже)

Механика звука

20 April 2021 17:01

Симфонический рок — это отнюдь не традиционная симфония или инструментальный концерт с гитарой вместо ведущего инструмента. Безусловно, возможна и такая музыка, более того, ее тоже бывает приятно и интересно слушать (скажем, что-то подобное делает Ингви Мальмстим или Виктор Смольский), но интереснее, когда композитор пытается раскрыть своеобразие рок-ансамбля, найти гитарам, басу и ударным новые роли, найти новые средства выразительности.

Примером такого необычного и свежего подхода к року является музыка композитора-"тоталиста" Гленна Бранки. "Тоталистами" композитор и критик Кайл Ганн называет поколение музыкантов, на которых повлияли как раннии минималисты, так и рок-музыка и world music. "Тоталисты" часто используют рок-инструментарий, прибегают к микрохроматике и необычным темперациям. В их музыки часто используются паттерны, но эти паттерны вплетены в контекст популярной культуры и являются её своеобразной деконструкцией, пересборкой.

Альбом "Ascension", название которого является своеобразной данью Мессиану и Колтрейну, отличный способ познакомится с музыкой Бранки. Психоделический тяжелый рок, будто-то бы пригрезившийся Терри Райли или Стивену Райху.

https://youtu.be/2G1VO3kHIjM

#музыкальный_радар

https://youtu.be/2G1VO3kHIjM

Механика звука

19 April 2021 17:22

Кольта в своем апрельском дайджесте упомянула Forget Me Not моей one man band EllektraJazz в списке отечественных релизов, которые можно послушать в апреле. Очень интересное и по-своему лестное для меня, меткое описание - хонтологический фьюжн.

Механика звука

18 April 2021 12:58

Элвин Люсье. Призраки в ионосфере

Американскому композитору Элвину Люсье на состоявшейся в самом начале сентября 2017 года лекции в Московской консерватории задали традиционный вопрос, который регулярно задают музыкантам, давно обеспечившим себе место в истории музыки: какое будущее у музыкального искусства? Деликатный Люсье, всегда старающийся ответить собеседнику, но на дух не переносящий общих вопросов, сумел отшутится более чем остроумно.
Он рассказал, что много лет тому назад для своей пьесы Sferix записывал электромагнитные возмущения в ионосфере. Если и далее, продолжил Люсье, мы, homo sapiens, пойдем по пути войн и взаимного истребления, пожалуй, эти электромагнитные бури останутся единственным подобием музыки, звучащей на нашей планете.

Его работы заслуживают внимания не оттого, что сочинены человеком, который был соратником и товарищем Джона Кейджа, Мортона Фелдмана, Эрла Брауна и других знаковых фигур американской экспериментальной музыки. Люсье и сам по себе достаточно оригинален, его работы хорошо известны и часто исполняются зарубежом. Стоит обратить внимание на них в силу крайне занятной черты: каждое из произведение Люсье обыкновенно реализуется с помощью очень скудного идейного и технического инструментария; Люсье достаточно, буквально, одного-двух принципов, служащих фундаментом для создания звукового ландшафта. По сравнению с ним, даже американские минималисты вроде Стивена Райха или Терри Райли звучат богато и пестро, а "минималисты" в кавычках вроде Тавенера и Пярта вообще представляются разнузданным барокко. Невероятная аскетичность на грани скуки, предельная умеренность средств, равно концептуальных и технических.

Парадоксально, но такая бедность средств приводит отнюдь не к тривиальным результатам, напротив, музыкальный мир Элвина Люсье очень самобытен.
Двадцать минут длинная и тонкая струна, по которой пропускают переменный ток, вибрирует в магнитном поле, эти вибрации фиксируют звукосниматели, звук усиливается и подается на колонки. Как это звучит? Гораздо интереснее, чем можно представить. Так, как в композиции Люсье Music for a Long Thin Wire.

Музыке американского композитора свойствен дух серьезности; эта серьезность, вероятно, проистекает из крайне земного, посюстороннего, физического характера музыки. Люсье ищет поэзию в земных вещах. Как однажды сказал американский философ Дэниел Деннет, если сад и так прекрасен, зачем же в нем искать еще и эльфов?

https://youtu.be/TXgGfuLztXo
#введение_в_классическую_механику

Механика звука

05 April 2021 22:45

Небольшой путеводитель по моему каналу Механика Звука.

Цель этого канала — фиксация моментов мышления об академической, классической и импровизационной музыке и точек зрения. Я уверен, что музыку нужно не только слушать, но и мыслить её, так музыка есть ни что иное, как обретшаяyuri-vinogradov/mientalnaia-akustika"> звуковую плоть архитектура разума.

Теги и рубрики

#zettel
Заметки в свободном стиле и мини-эссе на те или иные темы, связанные с философией академической или импровизационной музыки, о тех или иных проблемах музыки или — шире — музыкального мира. К примеру, пост о музыке, меланхолии и Вальтере Беньямине.

#введение_в_классическую_механику
Заметки о ключевых фигурах, явлениях, событиях, сочинениях классической и академической музыки
К примеру, пост о "Территориях забвения" французского спектралиста Тристана Мюррая или заметка о музыке Сальваторе Шаррино.

#осьасимметрии
Ссылки на мои подкасты об академической и классической музыке, а также философии музыки.
К примеру, об истории философских взглядов на музыку от Пифагора до схоластов.

#музыкальный_радар
Рецензии, музыкальные находки, краткие заметки о конкретных сочинениях, альбомах, пьесах. К примеру, рецензия на Лабиринты португальского композиотора Жоао Оливейра.

#джазист
Мои публикации в новом медиа о джазе Джазист - от рецензий до заметок о том, зачем нужна музыкальная критика и музыковедение. В качестве примера — текст о напряжении и конфликте между "письменной" композиторской и условно "устной" импровизационной традициями на материале джаза и академической музыки.

#сигма
Мои статьи о музыке и философии музыки на Сигма. Например, эссе о том, что музыка способна сообщить целостность и единство даже раздробленному и ослабленному тяжкой болезнью уму.

#игразолы
Мое собственное музыкальное творчество — альбомы, пьесы, рецензии на них, видеозаписи и так далее. Среди них — пост о моём Острове света, Insula Lucis для фортепиано соло.

#контемпора
Посты, связанные с деятельностью моего нового лейбла indie classical и импровизационной музыки

Много моих статей о современной академической музыке и философии музыки вы можете найти наyuri-vinogradov"> Сигма. Также на Стравинском.Онлайн начата публикация моего большого спецпроекта о философии современной музыки.

Больше ссылок на мою музыку, проекты, подкасты, статьи, абстрактную живопись, личные аккаунты тут.

Механика звука

04 April 2021 12:19

На днях дуэт Алексея Орлова и Виктора Архарова опубликовал второй свой альбом A Day in November. Это полностью импровизационная музыка, записанная в один из ноябрьских дней 2020 года. Несмотря на импровизационный характер, слушается она скорее как результат композиции — она мелодична, изобретательна, неоднородна, в пьесах есть развитие тем и звуковых образов, есть форма.

Прошлый альбом Wholesome Influence сравнивали с работами, изданными на лейбле ECM: это был в меру гипнотический, в меру неоклассический инструментальный джаз для двух инструментов. Лишь отчасти, как мне кажется, новый альбом продолжает эту тенденцию: да, медитативный, размеренный, отрешенный характер пьес заставляют вспомнить ECM, однако материал гораздо более пестрый и разнообразный, а звук менее вылизанный и "студийный". A Day in November звучит как своеобразный парадоксальный гаражный джаз по аналогии с гаражным роком — кажется, что музыка записана в любительских, пусть и неплохих условиях: своеобразный глуховато-теплый частотный баланс без яркости и воздуха, обильный реверб с отражениями. Кажется, что запись была сделана в не совсем подходящем для этого помещении или же обильно обработана ревербом на этапе сведения. Такой характер звука придаёт ему ностальгии, винтажности; вспоминается свободная импровизация 70-х-80-х годов, Дерек Бэйли или Генри Кайзер, а также психоделически-роковые работы Mahavishnu Orchestra и прочих титанов.

Каждый из треков — сам себе жанр, столь разное настроение и фактура у пьес, вошедших в альбом. От психоделического Lucky Omen и "неидиоматического" Aerosol Sprayer до джазово-балладного Behind the Shadows и бодрого псевдо латиноджаза с элементами ска и регги Funky Fungi. Альбом абсолютно точно не даст заскучать слушателю.

Диссонансы и консонансы, медленные пьесы и быстрые, разреженная и плотная фактура — в этом альбоме все приведено к балансу, к равновесию. Поэтому и слушать новую музыку дуэта Алексея Орлова и Виктора Архарова лучше не отдельными композициями, но именно альбомом — каждая из оригинальных пьес будто бы представляет свой уникальный взгляд на что-то неуловимое, по-своему отражает свет музыкальной Красоты.

Дуэт использовал в качестве обложки для альбома мою картину "Счастливые предзнаменования", за что им большое спасибо.

Послушать в стримингах и ВК.

#музыкальный_радар

Механика звука

30 May 2021 13:32

Ilugdin Trio — My Story (2021, Jazzist)
#музыкальный_радар

27 мая вышла не только моя Лазурь. Заранее, за пару месяцев, выбранная дата оказалась не самой удачной, так как в этот же день вышел громкий релиз от основателей Джазиста, которые запустили одноименный лейбл. Громкий релиз - и тонкая, деликатная музыка от трио Дмитрия Илугдина. Лазурь, я полагаю, вы еще послушаете, если вдруг захотите, она - как и лазурь небес - никуда не спешит, даже если истончается, даже если её застилает дым фабричных труб, даже если её голос почти не слышен. Пока же предлагаю послушать привлекший внимание публики и рецензентов альбом My story трио Илугдина, первый номер в каталоге лейбла Джазист.

Пожалуй, трудно было выбрать более удачную музыку для дебютного релиза лейбла, который хочет завоевать аудиторию и ассоциироваться со стилем и качеством: трио играет мастерский, выверенный, аккуратный джаз, в котором есть место как страстям, так и меланхолии; внутренний огонь сдерживают, утихомиривают молчаливые, глубокие, прохладные воды. Дмитрий Илугдин играет интересно — в данном случае этот сомнительный эпитет употреблен в точном значении, ведь следить за партией фортепиано, за небольшими украшениями, мелкими деталями, необычными отклонениями от предполагаемого и напрашивающегося развития не устаешь. Пианиста поддерживают контрабас Виктора Шестака и ударные Петра Ившина. Все музыканты уже очень известны, востребованы и заработали себе репутацию джазовых мастеров.

В этой музыке есть волшебство — то самое, что иногда зажигает в груди маленькие солнца, а ум превращает в лезвие, то самое, что на миг охлаждает раны, то самое, что делает тебя не тем, кто ты есть. Она сладко-сладостно обманывает тебя, будто бы ты уже не ты, а возможности и факты вытканы совсем иным узором. Её можно любить, хотя вряд ли получится всерьез ненавидеть, ибо это уютная история, рассказанная в кругу друзей интеллигентным и уважающим своих слушателей рассказчиком; качественный и душевный фильм для семейного просмотра.

Каждый трек по своему раскрывает грани этого сообщенного доверительным тоном, вполголоса, рассказа без слов. Путешествие на 40 с лишним минут рисует черты современного и одновременно столь старомодного субъекта — как в страстях и эмоциях, так и в мышлении. Этот лирический субъект не живет крайностями, не выходит за границы привычного опыта, не склонен к опустошающей рефлексии, в его жизни не слышен непререкаемый зов судьбы — однако он обаятелен и основателен, приятен и мил.

Влюбит ли в себя My story конкретного слушателя, встретит ли глубокое понимание, вспыхнет ли резонансом — дело тысячи случайностей. Не всякая услышанная история задевает струны в душе, для этого, быть может, нужна какая-то общность (или, напротив, радикальное отличие) опыта. Альбом трио Дмитрия Илугдина — это возможность взглянуть — сквозь око шторма — в залитые светом просторы, где есть место задушевной дружбе и общности, труду, что встречает признание, укорененному в повседневности спокойствию, где горечь — лишь благородный экзистенциальный досуг, которому предаешься изредка, дижестив для опыта. Даже одиночество в этой музыке tamed, т.е. приручено и привычно подобно сезонному сплину; оно не напоминает страшную и роковую силу, отторгающую тебя на бесконечность от людей, вещей и жизни. Не грохот литавр и разрывы грома, не зловещий шепот заклинаний, но ностальгическая и столь милая для пораженного благородной и умеренной меланхолией сердца музыкальная шкатулка.

https://album.link/i/1567129292

Механика звука

25 May 2021 13:34

Франсис Пуленк — Соната для двух кларнетов (1918)
#музыкальный_радар

Обычно я не люблю сонаты, слушать их мне отчего-то чаще всего скучно. Я так и не смог полюбить сонаты Моцарта и Бетховена, несмотря на многочисленные попытки обратиться к ним и несмотря на осознание их важности. Однако редкие и достаточно нестандартные пьесы, обозначенные как сонаты и сочиненные позднее, в XIX-XX веке, я очень люблю и постоянно возвращаюсь к ним. Один из примеров таких опусов — соната для двух кларнетов Пуленка, одно из ранних его сочинений, отмеченное явным влиянием Стравинского, во всяком случае, в выборе инструментов, а также некоторых ритмических и структурных решениях.

После возвращения с войны, Пуленк написал ряд инструментальных сонат, чья премьера укрепила его дебют и славу, которую он заслужил своими "Вечными движениями" и "Негритянской рапсодией". Соната для двух кларнетов принадлежит к этой серии. Как и все подобные его сочинения она состоит из трех частей; две быстрые, ритмические, жизнерадостные части обрамляют медленную, медитативную, печально-отрешенную. Сочинение написано для кларнетов в разных строях: если кларнет в си бемоль играет в основном мелодические партии, то кларнет в ля поддерживает его, создает опору и фактуру пьес . К примеру, в средней части кларнет в ля играет остинатную, повторяющуюся "кружащуюся" партию, тогда как кларнет в си бемоль исполняет печальную, угасающую мелодию в народном духе.

Если, к примеру, позднеромантическая музыка Вагнера, Рахманинова или Рихарда Штрауса — это живопись, богатая цветом, монументальная, то музыка, подобная этой сонате, — это графика. Каждый из немногочисленных штрихов ярок, заметен, каждая нота важна.

https://youtu.be/G9rF2OmtW-E

Механика звука

19 May 2021 09:16

(окончание. начало выше)

Материал альбома сравнительно высокой плотности, музыканты в некоторые моменты, как кажется, играют так, будто им предоставили последнюю возможность взять в руки инструмент и поэтому нужно уместить в минуту как можно больше нот. Сперва кажется, что они не слышат друг друга и просто сошлись в непримиримой борьбе за акустические пространства — лишь послушав материал дважды, а то и трижды начинаешь узнавать в скачущих музыкальных линиях определенный мелодический профиль, музыкальную непрерывность и осмысленность более высокого уровня, метауровня. Мелодия кажется вероятностной и флуктуирующей функцией, она не задана и не определена исчерпывающе — напротив, она конструируется усилием ума равно как музыкантов, так и слушателей.

Четыре пьесы альбома разделяют общую драматику — сравнительно свободное и неторопливое вступление (более пространное, как например, в открывающемся дуэтом контрабаса и ударных треке Pat, или лишь намеченное, как в первой импровизации Pam) и финал, окаймляющие пламенеющую, вихрящуюся середину, в которой нет недостатка в штрихах и звуках. Что хотят сказать музыканты этой музыкой? Вероятно, ничего, кроме самой музыки — среди этих хаотических, толкающихся, эгоцентричных, наползающих друг на друга звуках не ужиться никакому внешнему смыслу. Но это отнюдь не недостаток этой музыки, а возможность, на мой взгляд, драгоценная, соприкоснуться с одной из форм чистой музыкальности, исследовать отдаленные уголки царства звуков.

На первый взгляд кажется, что проблемой фри импрова в целом является монотонность и одинаковость — если ты слышал одну свободную импровизацию, то ты слышал их все. Однако такое ощущение возникает лишь у того, кто только знакомится с этой музыкой — она полна деталей и отличий. Её индивидуальный портрет может составить лишь внимательный слушатель, которому будет интересно проследить за метаморфозами звуковых зерен, расцветающих и разрастающихся в причудливые цветы, луга и леса звука. Впрочем, не всякая импровизация увлекает и завлекает настолько, чтобы ум слушатель захотел сконструировать на её основе музыкальные смыслы. Stamp a Spot — один из многочисленных примеров музыки, которая может увлечь и вознаградить внимательного слушателя, который, конечно же, заслуживает похвалы, если он сумеет увидеть в мешанине силуэтов этих пьес музыкальные контуры. Пройдя непростой путь внимательного вслушивания и со-бытия с этой музыкой, слушатель увидит её как совокупность осмысленных взаимодействий, перекличек — инструменты передают друг другу темы, иногда расходятся в мнимой глухоте, чтобы затем снова биться и пульсировать в единстве.

Музыка кончается так же внезапно, как и начинается, оставляя недоумение. Но отнюдь не недоумение раздраженного и оскорбленного ценителя, которого объявить немузыкальным все то, что не вписывается в достаточно узкие традиционные представления о музыке. Кажется, что альбом Stamp a Spot рассказывает не все истории, которые бы мог, и оставляет себе многочисленные секреты, о которых слушатель может лишь догадываться.

https://fancymusic.bandcamp.com/album/stamp-a-spot

#музыкальный_радар

Механика звука

18 May 2021 16:46

«Для нас музыка — это выражение личного глубинного опыта»: представители лейбла Outsiderville рассказали, как выпускают музыку людей с ментальными расстройствами в России

Представители направления аутсайдерского искусства, как правило, не имеют академического образования. Они работают аутентично, не ориентируются на зрителей или художественный шаблон, и в итоге — создают самобытные арт-объекты, свободные от стереотипов.

Поддержкой художников с особенностями психики в России занимается фонд «Аутсайдервиль». В 2020 году на его основе был запущен лейбл Outsiderville, выпускающий музыку артистов с ментальными расстройствами. «ИМИ.Журнал» поговорил о принципах работы лейбла с его основателем — композитором Юрием Виноградовым, а также с одним из резидентов Outsiderville — электронным музыкантом Кириллом М.

Что рассказал Юрий о взаимодействии лейбла с музыкантами:

• «Мы считаем, что аутсайдерское искусство — это искусство будущего, потому что оно создается вне тисков индустрии. У нас есть манифест, объясняющий, почему фигура аутсайдера важна для будущей экономики жизни и искусства. Такой человек занимается музыкой не потому, что ему нужно заработать деньги, купить машину или квартиру, а потому, что его талант и склонности ведут его к этому. Наш лейбл как раз посвящен искусству, которое считает высшей ценностью сам творческий процесс».

• «Нам интересно все: от неконвенциональной внежанровой электроники до джазовой и современной классической музыки. Мы придерживаемся правила: не выпускать одних и тех же артистов подряд. Поскольку мы не лейбл в чистом виде, мы рассматриваем проект как возможность создания сообщества».

• «Наше сотрудничество [с музыкантами] максимально горизонтально. На данный момент мы не подписываем контрактов, все права остаются за музыкантами. Артист лейблу ничего не должен, при желании он может выпустить музыку еще где-то, то есть речь идет о неисключительной лицензии».

Познакомиться ближе с аутсайдерской музыкой в России и узнать, какие музыканты выпускаются на лейбле Outsiderville, можно в материале «ИМИ.Журнала».

Механика звука

16 May 2021 17:01

Julia Perminova — Imagination (2021, self-release)

Написал для любимого "Джазиста" о сольном альбоме пианистки Юлии Перминовой.

"...альбом «Imagination», вопреки названию, не открывает воображению новых пространств — напротив, он приглашает в уютное, обжитое, музыкально повседневное. Это теплая, эмоциональная, приятная музыка, которая, возможно, эксплуатирует чувства, к которым уже многократно обращались. Но можно ли упрекнуть в недостатке оригинальности старую сказку, которую поколение за поколением читают на ночь детям — а иногда и взрослым? Думаю, нет, ведь иногда необходимо возвращаться к чему-то хорошо знакомому, чтобы набраться сил для дальнейшего пути к неизведанному — и вот такую передышку (зачастую необходимую) может дать альбом Юлии Перминовой".

https://jazzist.club/julia-perminova-imagination/

Механика звука

13 May 2021 12:14

(продолжение)

Обычно считается, что искусство должно делать жизнь легче, делать её сносной. Но напротив, после прослушивания брубековского Вальса из сюиты Points on Jazz, как и после любого шедевра, трудно, больно жить. Кажется, музыка позволяет заглянуть сквозь зазор в прекрасный, гармоничный, абсолютно правдивый мир. После этого взгляда трудно выносить труды и дни, трудно выдержать обыденность — однако эта боль, рана, которую наносит нам Красота, хоть и тревожит, бередит, но, кажется, она единственная способна даровать нам надежду на смысл, смысл, который с трудом выражается в словах, надежду на цельность, на правдивое слово, на то, чтобы ухватить отблеск сияния какой-то немеркнущей тайны, на то, чтобы выйти из круга забот и тревог к иному.

https://youtu.be/VrWvdEKWjKc

Механика звука

13 May 2021 12:14

Points on Jazz Дэйва Брубека
#музыкальный_радар

Дэйв Брубек известен по джазовым стандартам Blue Rondo a la Turk, Unsquare Dance. С его же именем часто ошибочно ассоциируется Take Five, сочиненный саксофонистом его квартета Полом Дезмондом. Именно квартет Брубека выпустил первый джазовый диск, который разошелся милионным тиражом и стал платиновым, еще до коммерческого успеха записей Майлза Дэвиса или Джона Маклафлина — альбом Time Out, на котором квартет экспериментирует с ритмическими размерами. Тот же Take Five, написанный под ударника Джо Морелло, записан в размере 5/4.

Дэйв Брубек, после того, как демобилизовался из армии в середине 40-х годов (где он и познакомился с саксофонистом Полом Дезмондом), был студентом Дариуса Мийо, плодотворного композитора, который ещё в 20-х годах обращался к джазу (к примеру, в знаменитом балете "Сотворение мира"). Конечно, этот джаз, вдохновленный ранним диксилендом с его полифоническими импровизациям, сильно отличается от привычного нам джаза небольших составов, выстроенного вокруг грува и острых гармоний. Академические композиторы, такие как Мийо, Стравинский, Равель, скорее заимствовали из джаза тембральные решения (инструменты звучат сладко, опьяненно, то тут, то там звучит глиссандо на духовых) и общую ритмическую неравновесность, подвижность, чуть ли не развязность — именно таков джаз, к примеру, Эбенового концерта Игоря Стравинского. Понятно, что это не аутентичная джазовая композиторская музыка, которая возникнет позже, но скорее взгляд европейской музыкальной традиции на джаз — взгляд отстраненный, даже опасливый, взгляд, который относится к джазу как к некоторой экзотике, потенциально токсичному музыкальному веществу.

Дариус Мийо был членом знаменитой французской "шестерки", в которую, кроме него, входили Франсис Пуленк, Артур Оннегер и другие, и вдохновителями которой числились Эрик Сати и Жан Кокто. Анри Колле, композитор и музыковед, дал название этой неформальной группе в своей статьей "Русская пятёрка, французская шестёрка и господин Сати" — как русская Могучая кучка отстаивала национальный колорит в музыке и боролась с чужеродными влияниями, так и молодые французские композиторы отстаивали великую французскую музыкальную традицию в противовес вагнерианству и венской атональной/додекафонической музыке.

В самом начале 1940-х годов Мийо, из-за роста нацистских настроений во Франции, сначала уехал в Лиссабон, а затем эммигрировал в США. Французский композитор оказал очень сильное влияние на Дэйва Брубека и его брата Говарда, который даже стал его ассистентом. Именно Мийо руководил занятиями Дэйва Брубека по изучению фуги и оркестровки; несмотря на то, что Брубек не слишком хорошо читал ноты, эти занятия не прошли даром. Несмотря на то, что любимым композитором Брубека был Бах, влияния его учителя Мийо видны в музыкальных решениях Брубека, особенно в его композиторской музыке (Брубек был не только автором ряда джазовых стандартов, он также сочинил несколько академических сочинений — к примеру, мессу To Hope). Судя по всему, Брубек также взял несколько уроков у Арнольда Шёнберга, который активно преподавал в США, в попытках совместить собственную музыкальную практику и модернизм, но их сотрудничество не сложилось.

Points on Jazz — баллетная сюита Дэйва Брубека, один из примеров его композиторской, "письменной", музыки, которая написана на материал его классической песни There'll Be No Tomorrow, сочиненной им вместе с его женой Иолой Брубек в конце 50-х годов. Однако материал для этой песни, видимо, появился еще раньше. На альбоме Jazz Impressions of Eurasia 1958 года есть пьеса для фортепиано соло, которая называется Dziekuje, "Спасибо" по-польски. Эту пьесу Брубек сочинил под впечатлением от визита в музей Шопена в Польше; в музыке, действительно, есть характерные меланхоличные и одновременно умиротворяющие интонации шопеновской музыки, ее сдержанность, создающая интенсивное напряжение; будто лучи лунного света прикасаются неощутимо к телу, проникают сквозь кожу глубоко, стремятся к самому сердцу. (продолжение в посте ниже)

Механика звука

07 May 2021 14:21

Новая сложность музыкальной добродетели
#введение_в_классическую_механику

Музыковед и композитор первой половины XX века Артур Лурье в одной из своих замечательных статей писал о том, что мелодия - это добродетель музыки, квинтэссенция музыкального. Именно она, по его мысли, является интегрирующей силой, тем, что объединяет разрозненное в единое и оживляет музыкальный материал; благодаря отсутствию мелодии в его понимании в музыку проникает механистичность, разорванность, отчуждение, злое. Музыка без мелодии - живой труп. Поэтому многие современные ему композиции он считал отражением зла.
Тяжелое время способствовало таким мыслям. Кризис прогрессистских представлений, в которых развитие науки, разума и гуманности шли рука об руку, казался современникам как раз апофеозом тьмы и началом конца. Не случайно именно в начале XX века появляются такие работы, как "Закат Европы" Освальда Шпенглера. Не случайно впоследствии на первый взгляд рационально фундированные идеологии, претендующие на прямые и интимные отношения с истиной, становятся базой для варварских и изуверских практик, в рамках которых субъект в лице отдельного человека низводится до функции, до чего-то совершенно незначительного в контексте истории; это становится возможным благодаря смешению личного и публичного, благодаря замене личной истории общей мифологией; выражаясь в рамках музыкальной метафоры, разноголосица индивидуальных мелодий сменяется нивелирующими различия элементов оковами ритма и численно-иерархическими отношениями.
Для Адорно, Лурье и других интерпретаторов музыки начала XX века именно отказ от мелодичности - причем не произвольный, а чуть ли не вынужденный, связанный с тем, что мелодии композиторам стало писать и трудно, и неинтересно - был одним из симптомов общего гуманитарного кризиса. Если музыка, осознанно или иногда против намерений композитора, выражает своей структурой и выбором художественных средств актуальную гуманитарную ситуацию, то механистичность и акцент на ритме в противовес гармонии и мелодии, разорванность, надрывность, похоже, действительно были предвестниками катастроф, которые пламенем и вихрями прошлись по Европе и миру.
Однако, если не трактовать мелодию узко, как последовательность звуков, привязанную к ладу и развивающую один или несколько мотивов, но трактовать ее достаточно широко как "законченную музыкальную мысль", то в мелодичности как осмысленной связности тембральных, шумовых элементов нельзя будет отказать и весьма радикальной музыке XX века, поскольку музыка Ксенакиса, Кейджа, Шельси и многих других представляет собой опыт осмысленного музицирования, т.е. опыт ответственного выражения музыкальных и внемузыкальных мыслей, идей, образов с помощью последовательного музыкального повествования.
Современная серьезная музыка - от Второй Венской Школы до современной New Complexity в лице, например, Найджела Озборна или Брайна Фёрнихоу - не отказывается от мелодии и не отрицает ее, она лишь усложняет представление о мелодии, делает его более абстрактным. Вместо последовательности звуков, которую можно "насвистеть", мы часто сталкиваемся со сложной и многослойной эволюцией структур и слоев звука. И такого рода сложность тоже может выступать, на мой взгляд, музыкальной добродетелью и силой, оживляющей, наполняющей смыслом, витальностью, восторгом изначально нейтральный звуковой материал, т.е. она способна превращать звуки в музыку.

Механика звука

01 May 2021 14:57

Джонатан Харви разнообразен как композитор, его трудно втиснуть в прокрустово ложе одного термина, как то: спектрализм, модернизм, авангардизм или иного подобного. Он учился композиции у разных учителей, но все они были высочайшими мастерами. Среди его наставников - Бенджамин Бриттен, Мильтон Бэббитт, Карлхайнц Штокхаузен. Он известен не только как экспериментатор, откликнувшийся на модернистское восстание против тональности и воспевания романтизмом Эго. К примеру, его вполне традиционные сочинения для церковного хора, такие как Come Holy Ghost (<Приди, Дух Святой>) или Lord (<Господь>) часто исполняются, их очень любят английские хористы. Это неудивительно: густые, прекрасные, необыкновенные, разнообразные гармонии, с которыми то сливается, то контрастирует выразительная мелодия. Как такие во вполне традиционном смысле красивые работы, тональные, привычные и рядовому слушателю, мог написать автор гораздо более радикальных работ, вроде Wheel of Emptiness, Ritual Melodies и других, которые высоко оценивали и Булез, и Штокхаузен?

"Я думаю, я сочиняю всю эту музыку разных уровней потому, что она мне нравится, потому что она и есть я. Даже в самой простой церковной пьесе я не делаю ничего, что бы мне не нравилось. Я никогда не беспокоюсь по поводу того, чтобы быть собой, потому как я убежден, что сам я множественный. Покуда мне это нравится, пусть другие люди говорят, звучит ли это как Харви или нет, - это совсем меня не беспокоит".

Харви, кроме интереса к традиционной инструментальной музыке (сам он был талантливым виолончелистом), интересовался электронной музыкой. По приглашению Пьера Булеза долгое время работал в студии IRCAM. Здесь он сумел сочинить одни из прекраснейших своих работ, к примеру, музыкально-конкретную Mortuos Plango Vivos Voco(<По мертвым плачу, живых призываю>, 1980), материалом для которых были звон колокола Винчестерского собора и голос его сына. Работа стала достаточно популярной и оттого значительной как для Харви, так и для IRCAM. Оказалось, что эзотерические практики работы со звуком и сложный спектральный анализ, к которым прибегает IRCAM, могут быть интересны широкой аудитории.
Электронные инструменты и эффекты Харви использует не для того, чтобы создать уникальное и доселе неслыханное музыкальное пространство электронных тембров, но для того, чтобы объединить оба звуковых мира и расширить возможности уже существующих инструментов, как в уже упомянутой Advaya для виолончели или же в сочинении, посвященном другому кумиру Харви, Tombeau De Messiaen (<Гробница Мессиана>). В этой работе 1994 года для магнитофонной записи и фортепиано композитор воздает почести Оливье Мессиану как великому композитору и духовному явлению, как "протоспектралисту, зачарованному окраской гармонических серий и их искажений, нашедшему в них игру света".
В Mortuos Plango Vivos Voco и Ritual Melodies (1989-90) звуки предзаписанные и синтезированные сливаются в один, единый необычный, незнакомый, причудливый, но чарующий мир. Как выражается сам Харви, он не просто брал конкретные звуки с улицы или из природы, "музыку из воздуха", но сочинял звуки согласно известным ему структурам, играл с ними по его собственным правилам.

#введение_в_классическую_механику
(часть вторая. продолжение ниже)

Механика звука

25 April 2021 11:14

Новые сложности

В академической музыке после Второй мировой войны доминировали техники, разработанные или вдохновленные композиторами Новой Венской Школы: додекафония, сериализм, сериальная музыка. Ответами на это господство стали минимализм, спектральная музыка и некоторые другие направления и движения. В свою очередь реакцией на эти формы музыкального мышления стала оформившаяся в 70-80х годах XX века композиторская школа Новой Сложности, у истоков которой стоял композитор Брайн Фёрнихоу, музыкант и композитор-самоучка (так он называет себя сам, несмотря на полученное им обширное музыкальное образование). Критики иногда могут называть его претенциозным шарлатаном, исполнители - ругать за сложность его партитур, ценители же хвалят его за оригинальность и филигранную работу с музыкальным материалом. Знаковыми композиторами этого течения являются, кроме Фернихоу, Майкл Финнисси, Ричард Баррет и некоторые другие. Характерным является то, что каждый из этих композиторов заслужил известность не только за сочинение музыки, но и за свою педагогическую деятельность. Тот же Фёрнихоу с успехом вел свои семинары на Международных летних курсах новой музыки в Дармштадте (эти курсы, существующие с 1946 года и проводящиеся поныне, являются знаменитой и эффективной лабораторией академического музыкального авангарда; среди их активных участников в разное время отметились Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен, Лучано Берио, Луиджи Ноно и многие другие).

Новая Сложность, New Complexity - это академическая альтернатива минимализму, "новой простоте", музыке вроде той, что сочинял Стив Райх и некоторые другие композиторы 60-80х гг. XX века, в частности, немецкие. Музыка New Comlexity является вызовом для исполнителей, она требует изощренной расширенной нотации, обращается к электронной обработке звука в реальном времени, микротональному письму, многослойным текстурам и альтернативным способам звукоизвлечения - т.е. она аккумулирует достижения и новинки авангардной музыки XXго века. Требовательна эта музыка и к слушателю, точнее, к его способности сохранять внимание и отслеживать взаимодействия (подчас весьма неочевидные и многокомпонентные) ритмов, мелодических линий и так далее.

В отличии от современной ей текстурно-ориентированной спектральной музыки или минимализма, построенного на драматизме тончайших флуктуаций паттернов (или их иссушающем и раздражающем безыскусном повторении), музыка Фёрнихоу и его единомышленников очевидно повествовательна, в ней развитие музыкального материала формирует не некое сложное, плотное звуковое поле, в котором трудно выделить сюжеты, образы и их динамику, но вполне конкретные истории взаимодействия четко очерченных звуковых фигур - соотнесенных шумов, мелодий, мотивов и эффектов. New complexity делает акцент на музыкальной рациональности, думаю, именно этим можно объяснить, что представители этой школы не так любят заигрывать с архаическими образами и тематикой как Ксенакис, Шельси, Варез, Кейдж и некоторые другие.
Сам Фёрнихоу указывает, что само понятие Новой Сложности (термин музыковеда Ричарда Тупа, предложенный им в 80х годах XX века) достаточно условно и он к нему не прибегает, ведь "количество закорючек на нотном листе не характеризует саму музыку"; хоть термин New Complexity и указывает на некоторые сходства и общие векторы в творчестве ряда современных композиторов, он не должен скрывать индивидуальных различий и своеобразия творчества каждого из них.

https://youtu.be/p8RTPYaWXj8

#введение_в_классическую_механику

Механика звука

19 April 2021 17:22

Вдумчивый Скриптонит, возвращающийся к своим корням? Привычно-задорные «Ногу свело!» со все еще заходящими шутками? Или, может, гитарный саунд Sonic Death для подготовленных слушателей?

Рассказываем, что новенького послушать.

#кольта_музыка

Механика звука

19 April 2021 14:19

На Russia Today.Doc вышел небольшой фильм Иные (PsychoARTry в английской версии) про российское аутсайдерское искусство с моим небольшим участием и моей музыкой. В фильме рассказывается о деятельности проекта Аутсайдервиль, в котором я заведую музыкальным лейблом, а также творчестве отдельных представителей аутсайдерского искусства в России. Фильм вышел полифоничный в плане взглядов на искусство аутсайдеров - от моей широкой трактовки outsider art как непрофессионального и инициативного искусства до более узкой трактовки как явления, родственного naive art и art brut.

В качестве звукового оформления создатели фильма использовали композиции с моих неоклассических/электронных альбомов Philodelica проекта Pure Violet и Metamorph.

https://www.youtube.com/watch?v=GdGIyQpMkKA

Механика звука

07 April 2021 13:08

Fantasia Contrappuntistica Бузони

Бах не успел закончить Искусство фуги. Болезнь, неудачная операция на глазах и смерть прервали его труд. Однако искусство — это всегда диалог, разговор, участников которого разделяют подчас столетия. Ферруччо Бузони, человек колоссального таланта, один из острейших умов своего времени, много времени уделял исполнению и изучению баховской музыки; он автор ряда переложений баховских хоралов, фуг и других сочинений для фортепиано, в частности, одного из самых исполняемых переложений Чаконы ре минор и Токкаты и фуги ре минор. Fantasia Contrappuntistica — это кульминация творческого опыта Бузони в работе с наследием великого немецкого композитора, его взгляд на то, как можно завершить Искусство фуги в современном Бузони контексте.

Фантазия изобретательно и оригинально использует темы из баховского opus magnum — они остаются узнаваемы, пусть и гармонические соотношения, в которые вступают линии сочинения, явно отличаются от тех, которые могли бы быть во времена Баха. Симметричные преобразования (хотя Бузони избегал ретроградных проведений, считая, что слушателю будет сложно распознать тему) проводятся более строго, т.е. атонально, без учета требований традиционной гармонии, что создает специфическое ощущение свободного полета, ощущение гармонической флуктуации, пульсации, перенасыщенности. Fantasia Contrappuntistica — это дух баховской полифонии, вселившийся в тело "младоклассичной" современной Бузони музыки с её невиданной для барроко интенсивностью и тембральными эффектами. Бузони будто высвобождает титанические энергии, которые подспудно текут в строгих и скупых построениях баховской полифонии.

Материал очень разнообразный — от романтического вступления до полифонической кульминации на баховские музыкальные сюжеты. Сила, напряженность на протяжении 30-минутного сочинения все возрастает, пока не взрывается в многоголосном финале. Если Fantasia — поздний комментарий или музыкальное приношения к Die Kunst der Fuge, то очевидно, что грандиозный Opus Clavicembalisticum Кайхосру Сорабджи — это музыкальное приношение Ферруччо Бухони и его фантазии на баховские сюжеты.

Исполнение Джона Огдона (он же первый записал Opus Clavicembalisticum), исполнение ясное, но при этом страстное, highly reccomended:
https://youtu.be/aUZqz9Elpx8

#введение_в_классическую_механику

Механика звука

05 April 2021 22:18

#осьасимметрии
Шестой выпуск подкаста Ось асимметрии и десятый юбилейный выпуск подкастов для меня в целом.

В этом выпуске я рассказываю о неоклассике и историческом неоклассицизме, о связи современной неоклассики и поп-музыки, а также о подтасовках и лукавстве, которым окружен этот вид музыки. Тема эта периодически всплывает, вокруг неё много недопонимания, поэтому я решил рассказать о собственной позиции.

"Следует заметить, что все вышеперечисленное не делает автоматически неоклассику плохой музыкой. Неоклассика разделяет проблемы поп-музыки в отношении мировоззрения, она, безусловно, скорее способствует забвению и самоуспокоенности, чем живой работе ума; однако ругать её за это можно столько же, сколько за это можно ругать популярную культуру. В действительности, не все люди способны столь увлечься музыкой, чтобы именно она была для них тем медиумом, который способствует интенсивности внутренней жизни; многие люди ищут в музыке отдыха, развлечения, удовольствия и это совершенно нормально. Как большинству людей, не имеющих особых способностей и вкуса, вполне в жизни достаточно простейшей арифметики и не нужно изучать высшие формы математического мышления, так и большинству людей вполне достаточно простой, напевной, пустой музыки.
Среди работ саундпродюсеров-неоклассиков достаточно приятной, поверхностно-красивой, даже талантливой музыки. Если бы эта музыка понимала себя не как «современную академическую», но как classical crossover, популярное воплощение некоторых простейших классических форм, то многие претензии к ней были бы сняты".

Послушать в Яндексе:
https://music.yandex.ru/album/13208055/track/80305791

Ссылки на другие площадки: https://axisofasymmetry.buzzsprout.com/1371124/8273588-

ВК: https://vk.com/wall-104713065_1038

Механика звука

02 April 2021 16:04

#бабкисукабабки

Как вы знаете (или нет), на Bandcamp сегодня день без маржи площадки, все собранные деньги отлетают напрямую артистам.

Я уверен, тут все понимают, как финансово устроена музыка, и что никто из интересных и классных музыкантов музыкой себя не обеспечивает (ну почти). Стриминги это если не грабеж, то скорее рекламная опция без реального дохода. А значит на первый план выходит публика, которая может дать денюжку тому, кого любит.

К чему я вас этим постом и призываю. Тут будет небольшая подборка тех, кто разумеется местный наш, кто не на слуху и у кого нет даже шанса стать на слуху. Разумеется это те, кого я сам точно сегодня затарю. Покупайте диджитал по минималке, покупайте с доплатой, покупайте красивые издания, радуйте себя!

Важное уточнение: на бэнде нельзя купить из приложения, только с сайта в браузере. Поэтому если вы, как и я, дико встряли с этим, открывайте ссылки в браузере.

Еще одно важное уточнение: если вы хотите физ. Носитель и у вас есть прямой выход на лейбл или музыкантов - берите у них напрямую. Экономически сильно разумнее.

1. Сольвычегодск - Танец с СВЧ.
Недавно писал, это просто мастхэв (я вроде скоро кассетку получу).

2. Юра Виноградов - Autoaesthetics (или любой другой его альбом и проект).
Конкретно этот диск - интересная академическая музыка, но мне просто нравится в целом, что он пишет из музыки и как пишет о ней.

3. Satah - Vulcan.
Как писал, гении эклектики и размотки. Вдруг они сделают что-то еще такое же.

4. Speedball trio - Speedball trio.
Тоже писал, это джазовый боевик уровня Коммандос, а может даже и выше.

5. Ototsky quartet - Stamp a spot
Свежак, о котором еще обязательно напишу. Фри-импров буйство красок в очень примечательном и талантливом составе.

6. Шумные и угрожающие выходки - перестрелка с бездомным в горах
Пытался придумать шутку про новый сибирский порядок, не уголовную по 282, но не смог. Ребята крутые, делают много для местной культуры, это шикарный панк.