Механика звука

05 March 2021 15:53

Завтра, 6 марта, стартует фестиваль Не виновата, посвященный борьбе с одним из очень пугающих и отвратительных явлений, которое часто стараются не замечать и в котором часто обвиняют не самого насильника и преступника, но его жертву — домашним насилием.
Я солидарен с кураторами фестиваля — в насилии, в зле повинен только его совершающий, именно со злом нужно бороться, а не с теми, кто становится его жертвой. Всякие попытки обвинить жертву напрямую или косвенно, сказав, что она "заслужила" и "спровоцировала" — это трусость и низость; судя по всему, таким людям проще еще раз ударить того, кому и так больно, у кого мало сил, кто пострадал, чем пытаться сделать что-то с действительно опасным агрессором.

Будут не только выступления спикеров, лекции, семинары, но и замечательная музыкальная программа. К примеру, будут выступать Позоры, Джрс и другие отвязные группы.

Оставляю ссылку на страничку фестиваля — там много интересного:

http://nevinovatafest.com/

Механика звука

01 March 2021 16:11

Приглашаем к прочтениюyuri-vinogradov/budushchieie-budiet-autsaidierskim"> манифеста нового музыкального лейбла, основанного проектом поддержки художников с ментальными особенностями Аутсайдервиль и композитором Юрием Виноградовым.

В манифесте аутсайдер представляется как фигура будущего и противопоставлен профессионалу. Ценность последнего обусловлена его производительностью, социальным и символическим капиталом, что сводит человека до функции. Аутсайдер же, который занимается чем либо ради самого процесса и из потребности создавать, являет собой альтернативу, в которой реализуется сама человечность, свободная от условностей рынка труда.

yuri-vinogradov/budushchieie-budiet-autsaidierskim" rel="nofollow">https://syg.ma/@yuri-vinogradov/budushchieie-budiet-autsaidierskim

Механика звука

27 February 2021 09:42

Насколько я люблю Мануэля де Фалью, настолько я не люблю Хоакина Родриго, занявшего место главного испанского композитора в середине XX века. Его сочинения, особенно оркестровые, для меня слишком "испанские", колоритные, в них для меня слишком много мелодии, чувственности, характера; впрочем, что для меня недостаток, для других часто является достоинством. Конечно, у Родриго редкий мелодический дар — знаменитая тема из концерта Аранхуэсс прекрасна. Впрочем, когда я слушаю его концерты меня часто одолевает скука, мне все время чудится недостаточно раскрывшийся Стравинский, который прячется за фольклорными музыкальными сюжетами.

Однако произведения для гитары (Токката, Две прелюдии и другие) Хоакина Родриго увлекают меня: дело не в их очевидно испанском колорите, не в том, что они, в том числе, сами конструируют само понятие испанской музыки, но в том, насколько интересно разработаны возможности гитары, которая становится инструментом музыкальной поэзии, одновременно перкуссионным и мелодическим инструментов, союзом и неразличимым союзом челесты и арфы. Я не люблю классическую гитару и не люблю музыку Хоакина Родриго, но пьесы для гитары соло этого композитора не подпадают под эти произвольные суждения моего вкуса.

https://youtu.be/wwsoQb5meJ4

#музыкальный_радар

Механика звука

24 February 2021 16:29

Современность несвоевременная: что такое contemporary classical?

С терминами "contemporary classical music", "современная классическая музыка" и сопряженным с ними термином "Новая музыка" есть ряд неясностей, требующих специального прояснения. Об этих терминах и условиях их употребления, их границах я расскажу в новом эпизоде подкаста Ось асимметрии.

Это своеобразный выпуск-рекордсмен — всего 16 минут, против обычных 30 и более (а выпуски моего подкаста Введение в классическую механику были иногда и больше полутора часов). Более сжатая и концентрированная подача материала как новый тренд подкаста Ось асимметрии.

Послушать выпуск можно на различных площадках - от Яндекс.Музыки и ВК до Spotify.

https://music.yandex.ru/album/13208055/track/78474862

https://vk.com/podcast-104713065_456239799

https://axisofasymmetry.buzzsprout.com/

#осьасимметрии

Механика звука

23 February 2021 11:06

Романтизм и музыка
#введение_в_классическую_механику

Что такое романтизм? Романтизмом называются комплекс эстетических, философских идей, пришедших на смену философии эпохи Просвещения с её культом разума, рациональности, с её представлением о мире как о механизме и о человеке как части этого механизма. Там, где эпоха Просвещения превозносит безличный разум, романтизм обращается к личности и её чувствам; там, где философы Просвещения обращаются к вопросам социального устройства, романтики открывают личность и ее внутренний мир, причудливый, своеобразный, не сводимый лишь к совокупности внешних обстоятельств и проявлений. Для одних вещи мира - предмет науки и лишь временная преграда на пути познания, для других - тайна, часть бесформенной, устрашающей, могучей Природы, в которой везде и одновременно нигде притаился безличный высочайший Бог.

Эпоха романтизма рассматривает человеческую личность как автономное образование, как нечто, что живет своим своеобразием; романтики открывают человеческие чувства и эмоции как способ проживания мира, столь же, а то и более истинный, чем рациональное отношение, чем попытка все измерить и прояснить средствами разума; разум способен на ошибку, чувства же никогда не лгут. Не лгут они не потому, что считаются высшей интуицией (хотя для многих романтиков именно интуиция, непосредственное созерцание, способна дать наиболее точное отражение идеи), но оттого, что являются непосредственно проживаемой человеком данностью.

Если романтизм — о человеке, то откуда же в нем такая любовь к фантастике, к сказкам, ко всему нереальному и причудливому? Язык фантазии, обращение к нелепому, невозможному, способен сказать о человеке гораздо большее, чем язык сухих исследований и статистики. Интерес к фантастическому для романтиков — один из способов их борьбы со всем иссушенным, бытовым, мещански-скучным в жизни и искусстве. Это тяга к предельной искренности, которая оборачивается преображением и человека, и самой реальности в нечто потрясающее, неожиданное, магическое.

Музыка для романтиков становится центральным искусством, она одна, как кажется, способна непосредственно прикоснуться к тайне внутреннего, собственного бытия личности и передать её другому; лишь она способна пересечь те бездны, что отделяют одного человека от другого; лишь ей дано таинство выражения чувств, внутренней бури, смятения, спокойствия и прочего на том языке, которому это изображение подвластно.

Музыка романтиков обыкновенно бурная, полная оттенков, красочная, в ней широки и внезапны контрасты: умиротворение может соседствовать с борьбой, спокойствие - с яростью или опьяненностью, апатия - с натиском. Романтизм дает волю лирическому в музыке, т.е. тончайшему выражению внутренних состояний, раздумий, конфликтов в человеке. Если музыка эпохи классицизма и более ранних веков, несмотря на то, что она также обращалась к человеческим чувствам, часто несет абстрактный или имитационный характер, то музыка романтизма программна - она зачастую представляет собой целую историю, изложенную в движении созвучий.

Возможность говорить о чувствах, передавать их тончайшие оттенки с помощью оркестровых и инструментальных средств, всегда актуальна, до тих пор, пока она не становится стереотипичным проговариванием одного и того же. Покуда жив и сознателен человек, он продолжает чувствовать, воспринимать, жить в себе; чувства и эмоции, данные каждому, для каждого остаются чем-то загадочным и трудновыразимым; именно эта потребность "сердцу высказать себя" питает романтизм. Человек во всем богатстве его внутренней жизни, человеческое там, где оно преодолевает самое себя и сталкивается с грандиозным и возвышенным божественным, - вот фокус внимания романтической музыки.

(продолжение)

Механика звука

19 February 2021 16:34

Сегодня исполняется 95 лет Дьёрдю Куртагу. Куртаг — один из тех композиторов, что определили ландшафт музыки XX века. Послушайте в честь юбилея его прекрасное concertante для скрипки, альта и оркестра. Написано оно сравнительно недавно, в 2003 году.

Будто кто-то подслушал музыкальный разговор Шёнберга и Стравинского и решил в красочном, чуть ли не романтичном звуковом полотне, в котором полном глубоких тонов и теней, отразить свое впечатление от этой неслучившейся беседы!

https://youtu.be/4Tksayf09-c

Механика звука

17 February 2021 11:35

#подпольныйфанк
Джаз посреди недели

Несколько рекомендаций, какой музыкой можно скрасить зимне-снежные будни февраля.

1. Nataly Skvortsova Trio — Empathy (2021, Fancy Music)

Moto perpetuo — вечное движение — в сочинениях Натальи Скворцовой увлекает за собой. Звук бежит за звуком, вьется волшебная нить музыки. Кажется, этот альбом — о преображенной, разукрашенной пестрыми чарами повседневности. Эмпатия — основа нашего общего мира; нет ничего более обыкновенного, чем сочувствие и сопереживание, которое проявляется то в малом, то — в осененных светом моментах — в великом. И нет ничего драгоценнее. На этом построена музыка «Empathy»: она кажется знакомой, переслушанной и заслушанной, обыденной, но вместе с тем завораживает и не отпускает, проникая в твой мир и добавляя в него чувств и красок.

Моя рецензия на Джазисте:
https://jazzist.club/natalia-skvortsova-trio-empathy/

2. Лайв DYW в арт-пространстве СВОД

Видения future jazz, джаза будущего от проекта DYW. Кажется, DYW звучат так, как могли бы звучать Om, если бы набрали немного темпа и добавили саксофон. Хлестко, магнетически, экстатически, но при этом вполне в рамках приличия, умеренно. Это музыка, которую вы могли бы поставить своим родителям, если они минимально интересуются джазом или восточной музыкой. Рецепт кажется простым: завораживающие, кружащие ритмы и риффы и ориентальные лады со звуками, которые иногда выходят за рамки равнотемперированного строя. Вы можете называть это oriental doom jazz, можете stoner cool.

Мне бы не хотелось, заснув в криокамере и проснувшись через тысячу лет, обнаружить, что весь джаз стал таким, каким его видят DYW, ведь тогда оказалось бы, что мало что в музыке поменялось. Однако если такое случится, я не буду безутешен, ведь futurejazz их образца представляет из себя отвязную, веселую, местами злую и очень здорово сыгранную музыку.

Мое ревью в блоге УндергрундХероз: https://undergrundheros.ru/live-dyw/

3. Aleksei Orlov & Viktor Arkharov - Wholesome Influence (2020, self-release)

Волшебное тембральное сочетание сёрф/психоделик-рок гитары и саксофона в духе лейбла ECM. Отдельное удовольствие — дуэт звучит полифонично, каждый инструмент ведет собственную партию; следить за этим минималистичным джазовым контрапунктом очень увлекательно. Музыка эклектична — иногда она звучит как прогрок в духе King Crimson, иногда заставляет вспомнить Энтони Брэкстона или джаз-панковые пунктиры и грувы. Много пространства, воздуха, живости и светлой меланхолии.

https://open.spotify.com/album/4SDHiTabkImvE2mc9Lstgb

#музыкальный_радар

Механика звука

14 February 2021 11:14

(продолжение)

Теперь, по прошествии более чем двух веков, практически забылись или отошли на второй план имена достойных конкурентов и товарищей Баха - Грауна и Гассе, а его сыновья, как много лет тому назад их старомодный отец, чаще всего вынуждены довольствоваться лишь уважительным и почтительным кивком в их сторону. Я считаю, что заслуживают они гораздо большего. И прохвост Вильгельм Фридеман, не стеснявшийся иногда выдавать сочинения отца за свои и потерявший несколько его партитур, и основательный, скупой мастер Карл Филипп Эммануил, и волшебный, протомоцартианский Иоганн Христиан.
Времена меняются, меняются вкусы и обстоятельства. Благодаря деятельности Баховского общества, благодаря Феликсу Мендельсону и исполнению "Страстей по Матфею" в 1829 году, т.е. по прошествию более чем 100 лет после премьеры, музыка Баха-отца становилась все более и более популярной.
Эпоха романтизма открыла ценность старинной музыки и постепенно расширила репертуар музыкантов за счет предыдущих столетий; оказалось, музыка Иоганна Себастьяна Баха может иметь привкус отнюдь не только школьной латыни и скуки.

Прилагаю к заметке небольшой плейлист с несколькими сочинениями сыновей И.С. Баха. Сердечно рекомендую дуэты для флейты старшего из сыновей Баха Вильгельма Фридемана. Они прекрасны, проникновенны, в них волшебство.

https://open.spotify.com/playlist/6CD5obfAKy2VCToA0MmNCq?si=3_mOK19WSRi-mM45QcLjsg

Механика звука

11 February 2021 08:47

#zettel
Прошлое как цунами

Мы живем в беспрецедентное для музыки и её слушателей время, когда прошлое циклопической волной обрушивается на настоящее. Любому меломану доступны часы, дни, месяцы, годы великолепной музыки, записанной и сочиненной в прошлом. От признанных классических шлягеров, чья слава лишь крепнет от времени, до малоизвестных шедевров — невозможно и за всю жизнь послушать записанную музыку; а ведь речь идет не только о классике, но и о популярной, электронной или джазовой музыке.

Такая ситуация в первую очередь невыгодна современным композиторам и музыкантам, которые вынуждены конкурировать за слушательское внимание с шедеврами прошлого. Особенно остро, пожалуй, ситуация проявляет себя в академической музыке, так как слушатели этой музыки наиболее чувствительны к символическим капиталам того, что они слушают; иначе говоря, они встречают музыку по одежке. Зачем слушателю, который привык получать гарантированное эстетическое воздействие, который верит в то, что музыка сродни культурной магии, слушать малоизвестного современного композитора, когда он способен послушать старого мастера, чьи пьесы уже сыскали признание и который является небожителем культурного Олимпа? Слушатель, особенно в России, не готов идти на риск и пускаться в авантюры, любознательность и страсть к исследованию ему не свойственна, так как инициативность в силу особенностей культурной и политической истории у нас не поддерживается, не воспитывается и воспринимается как угроза.

Ситуация, очевидно, со времен становится более острой, так как записывается все больше и больше музыки прошлого — не только и не столько потому, что прошлым становится современность, но потому что все больше и больше внимание уделяется своеобразной diversity в классической традиции, т.е. записывается малоизвестная старинная музыка, так как постепенно признается взгляд, что внимания заслуживают не только вещи, входящие в канон, который ныне мыслится относительно случайным.

Какое могло бы быть решение? Как слушателю — и современной музыке — выстоять под этим натиском прошлого, под этим ностальгическим цунами? Распространение новых моделей слушания, ориентированных не на историческую, но современную музыку, было бы решением, однако в силу того, что музыка остаётся крайне иерархизированным миром, её иерархическое устройство, в котором есть мэтры и шедевры и есть все остальные, отражается и на организации вкусов публики.

Ценности ныне часто воспринимаются как нечто, принадлежащее прошлому; авангардное мышление, видящее ценность только за современностью, воспринимается парадоксально как опасное и устаревшее. Как вернуть ценность текущему моменту и убедить слушателя, что самая интересная и актуальная музыка как раз та, что создается сейчас? Для этого, полагаю, нужна работа музыкальных критиков и поддержка институтов, которые бы напрямую, явно, высказываниями и действиями, сообщали символическую ценность современной музыке: иначе говоря, чтобы современность была услышана, о ней нужно говорить и мыслить. Нужно воспитывать чувство непочтительности и неблагодарности к прошлому не только и не столько в музыкантах, сколько в слушателях.

Механика звука

07 February 2021 09:51

Моя "Аутоэстетика" для фортепиано соло, изданная на нашем с Аустайдервилем лейбле, попала в февральский музыкальный дайджест "Что слушать в феврале?" от Colta.ru. Спасибо Сергею Мезенову. Кстати, он ведет канал @whatisthatsound.

"Эту запись хочется потихоньку подсовывать всем, кто злоупотребляет термином «неоклассика» в адрес альбомов с приятными инструментальными красивостями в духе голливудских саундтреков, — как пример того, как фортепианная музыка может сочетать доступность своей итоговой формы с приятной сложностью и насыщенностью своего внутреннего устройства".

https://www.colta.ru/articles/music_modern/26556-daydzhest-chto-slushat-fevral-2021?part=9

Механика звука

01 February 2021 10:53

Ось асимметрии — Два пути

Этот эпизод подкаста о классической и современной академической музыке Ось асимметрии отличается от прочих — он представляет из себя не лекцию, не монолог, исследующий ту или иную проблему, но дискуссию и живое обсуждение личного опыта музыкального образования и самообразования. Я, Юрий Виноградов, ведущий подкаста, расскажу о своем опыте самостоятельного обучения музыке, опыте самоучки, никогда не учившегося музыке систематически в образовательных учреждениях, а дирижерка и ведущая канала @concrete_music Кристина Ищенко — о своем опыте академического образования. Каждый из нас влюблен в музыку и посвящает ей большую часть своих сил и времени. Мы обсудим достоинства и недостатки каждого из путей, поговорим о неочевидных подводных камнях и так далее, а также о том, как меняют музыкальный мир Интернет и новые технологии .

Послушать подкаст можно на разных площадках — от Apple Podcasts и ВК до Buzzsprout:
https://axisofasymmetry.buzzsprout.com/1371124/7570111-

Яндекс:
https://music.yandex.ru/album/13208055/track/77323558

#осьасимметрии

Механика звука

28 January 2021 12:27

В последние дни в разных изданиях и каналах вышло несколько материалов о музыкальной журналистике, о её смысле, о том, как обстоят с ней дела в России. Авторы (например, Артём Макарский в "Афише") указывали на то, что в этой сфере мало денег и потому гонорары не соответствуют затраченным усилиям (хотя для меня от 2500 до 10000 за рецензию — очень большая сумма, которую я никогда не получал ни за один свой текст, большинство из которых вообще не были оплачены; к примеру за мои многочисленные статьи и лонгриды на Сигме я не получил ни рубля); указывают на кризис дискурса из-за того, что кураторская функция музыкальной журналистики не столь востребована из-за рекомендаций стримингов и других площадок. Говорят они откровенно и о других вещах — о выгорании, о изоляции, о возможностях и опасностях etc.

В связи с этим хочу еще раз поделиться важным для меня текстом-манифестом, который я опубликовал некоторое время назад на Джазисте: Зачем нужна музыкальная критика? Оставлю здесь выдержки из текста и ссылку на него:

Зачем нужна джазовая (и шире — музыкальная) критика и публицистика? Безусловно, она выполняет рекомендательную функцию. Многие люди, в том числе и я сам, читают рецензии в музыкальных блогах в поиске новой музыки, новых впечатлений. Однако, несмотря на определённую востребованность эта функция, по моему убеждению, вторична, как и функция выстраивания ценностной иерархии и распределения символических капиталов. Она лишь приятное и удобное дополнение к куда более важной функции критики — созданию дискурса, музыкального сознания. Благодаря критике возникают и распространяются способы говорить о музыке, выражать собственные впечатления.
...
Любой музыкант счастлив иметь понимающих слушателей, способных слушать и отзываться поэтично, ведь прослушивание только с целью удовольствия кажется безответственной растратой. Слушать джаз или академическую музыку только ради эмоциональной щекотки сродни тому, чтобы пить старинное и благородное вино ради опьянения. Критик создаёт музыкальное сознание, по сложности и изобретательности сопоставимое с самой музыкой, в свою очередь, влияя на саму музыку и способы её производства. Мышление о музыке, выраженное в виде очерков, заметок, рецензий, становится исходной точкой диалога между слушателем и музыкантом, обогащая опыт каждого. Если музыкальное впечатление, данное интуитивно, как текучая и неустойчивая форма, можно сравнить с картиной, плоским, пусть и ярким изображением, то слово и мышление придают ему плотность, вещественность и глубину.
...
Как музыкант я чувствую острую потребность в компетентном слушателе, опыт которого будет сложен и полон нюансов. Мне не хочется, чтобы люди только раздражали себя ради приятных ощущений моей музыкой. Критик является своеобразным зеркалом, в которое может посмотреться музыкант; любому музыканту для его работы важен понимающий взгляд, взгляд другого, в котором можно увидеть себя. Возможно, образ зеркала не столь точен: вернее говорить о том, что критик не пассивно отражает, а творчески создаёт, намечает портрет музыки и, следовательно, самого музыканта.
...
Естественно, что речь людей, посвятивших себя делу мышления о музыке, упражнявшихся в нём, справляется с этим лучше, чем повседневная речь. Полнота музыкального опыта подразумевается музыкой, она требует сложного музыкального сознания, возникновению и углублению которого, по моему убеждению, должна способствовать музыкальная критика. И это её основная функция.

https://jazzist.club/zachem-nuzhna-kritika/

#джазист
#zettel
#введение_в_классическую_механику

Механика звука

25 January 2021 09:56

#введение_в_классическую_механику

Джулиус Истмен, вероятно, больше всего известен скандальными и провокативными названиями своих пьес. Gay Guerilla (Гей-повстанец), Evil Nigger, If you're so smart why aren't you rich? (Если ты такой умный, почему ты такой бедный?) — эти пьесы написаны в конце 70-х годов. Представьте, что кто-то из наших современных молодых композиторов сочинит струнный квартет или фортепианный квинтет "Злой п#дор" и эту пьесу даже исполнят. Трудно представить подобное, особенно учитывая большую консервативность и элитарность нашего современного академического мира — музыканты и композиторы, конечно, панибратствуют с объективным духом, но лишь в чатиках и личном общении. Смелости на действительную провокацию и деконструкцию практик, а также заинтересованности среды, исполнителей, кураторов в таком освежающем подходе я лично не чувствую, ведь не поймут же коллеги и остепененные лауреатствами наставники. Впрочем, кроме коллег и преподавателей есть еще и омертвляющая хватка цензуры.

Сам я нахожусь в маргинальной позиции, поэтому могу не знать того, что очевидно членам нашей contemporary classical общины. Кстати, заигрывание с подростковым сленгом и уровнем общения а ля "двач" в среде профессионалов является не демократизацией, напротив, дополнительной преградой для посторонних — академический композитор с соответствующей стандартам биографией таким легким и низким стилем утверждает свою особенную близость к высокой культуре, указывает, что уж он имеет право на непосредственность и даже хамство в обращении с культурой, в отличие от всех прочих, должных обращаться с культурой и институциями на Вы. Серьезность и высокий слог — удел дилетантов, профессионалы же позволяют себе быть на короткой ноге с высоким, позволяют себе разъедающую, ядовитую иронию и нигилизм.

В выбранных Истменом названиях нет, как кажется, подобного заигрывания — напротив, это якобы честная злоба. Злоба в адрес мира, который разделяет, создает иерархии, превращает в товар культурного потребления, является точкой встречи и солидаризации общественных элит.

Однако, как сообщает сам Истмен в небольшом интервью (спасибо Инге Чинилиной за ссылку), у него были совсем иные мотивы выбрать такие названия, это не бунтарство и не провокация. Скажем, слово nigger выбрано потому, что для него это слово выражает саму основу, фундамент, в том числе, американской экономики. Таких nigger очень много и каждый из них выражает тот или иной фундаментальный аспект, nigger — это тот, кто связывает себя с основой.

Наиболее известная музыка Истмена — минимализм своего рода, но минимализм здорового человека. Злящая, монотонно-раздражающая музыка интенсивна, богата нюансами, здесь нет попыток обосновать репетитивность через обращение к восточной философии. Более того, репетитивность Истмена скорее романтичная — это драматичные рассказы, созданные "органическим методом", как его называл сам композитор. Холодная, сконцентрированная ярость — пожалуй, лучшее описание музыки Истмена, как вижу её я. Впрочем, я тенденциозен и понимаю, что скорее мне хотелось бы найти талантливого повстанца среди академических композиторов, академического панка. Нам столь не хватает таких людей, которые могли бы обосновать и доказать, что классическая музыка действительно для всех, не знает границ и социальных иерархий! Впрочем, сама биография Истмена скорее вполне соответствует обычному шаблону успешного prodigy, музыкального гения-сумасброда, несмотря на то, что Истмен был радикальной, крайне эксцентричной фигурой для Америки того времени.

https://youtu.be/JuU-619H1q8

Механика звука

22 January 2021 19:48

Статья 31 ныне действующей Конституции РФ, высшего правового документа нашей страны, источника всех прочих легитимных правовых норм и законов, действующих на территории нашей страны, гласит:

"Граждане Российской Федерации имеют право собираться мирно, без оружия, проводить собрания, митинги и демонстрации, шествия и пикетирование".

Механика звука

17 January 2021 11:05

#zettel

Об амузии

Недавний комментарий на одну мою неоимрессионистскую пьесу звучал так, цитата:"В чем фишка данной композиции непойму я так же на гитаре балуюсь от нех делать". Естественно, пишущий не был мастером или знатоком игры на гитаре. Этот комментарий заставил меня вспомнить давнюю историю, очень показательную, как мне кажется.

Много лет тому назад я как-то приехал на дачу к знакомому. К вечеру вокруг костра собралась молодежь, кто-то принёс гитару. Она попала мне в руки и я начал рассеянно, но не без чувства играть отрывок из переложения одной партиты Баха, кажется, Чакону ре минор. Присутствующий один из местных ребят явно нервничал, а затем во весь голос спросил, когда же будет музыка? Успокоился он только тогда, когда гитара перешла в руки человека, который начал дурным пьяным голосом под три аккорда орать блатную песню — вот это, наконец, музыка!

Вероятно, у этого человека была какая-то форма амузии — он не воспринимал саму музыку, для него важны были лишь внешние формы, скорее контекст, чем музыкальное содержание. Хотя, быть может, он просто выразил свое возмущение — для него такая музыка была пощечиной его вкусу.

Отец героя "Великого Гэтсби" Фицджеральда как-то сказал ему, что не всем повезло быть столь же чувствительными к базовым этическим ценностям. Аналогично и с музыкой, далеко не каждый обладает музыкальным восприятием, позволяющим оформить звуки в осмысленные структуры; для некоторых музыка это в лучшем случае социальный ритуал. Амузия — это, вероятнее всего, врожденная особенность мозга, которую лишь отчасти можно компенсировать с помощью интеллекта или музыкального опыта.
Та или иная степень амузии — неспособность услышать музыку как музыку и необходимость опираться на внешние аспекты вроде отзывов авторитетов или контекст — распространена, как мне кажется, достаточно широко, пусть и истинная, полная амузия является скорее редкостью. Для многих людей та музыка, что делаю я, современная академическая музыка, джаз, даже музыка великих классиков (вспоминаю возмущение моих родителей Бахом, которым я увлекся в юности — какая же это музыка, тут даже не споешь?)— беспорядок, сумбур, шум; там нет легко прослеживаемой очевидной мелодии и простого ритма, в силу чего они воспринимают такую музыку как шум, как какофонию.

Сложная музыка не для всех, это столь же естественно и нормально как то, что сложные математические теоремы — удел энтузиастов-математиков, а большинству вполне в жизни хватает основ арифметики. Красота открывается не всякому, но лишь острому зрению ума. Все от рождения и в силу опыта по разному чувствительны к базовым музыкальным ценностям и это нормально. Допускаю, что есть определенная корреляция между уровнем интеллекта, широтой кругозора и нашими музыкальными вкусами, хоть и не уверен в её значимости, но самая главная добродетель ума, которая позволяет нам расслышать сложную музыку даже тогда, когда она поначалу от нас закрыта — это скромность и сдержанность суждения, способность сдержать первую реакцию отторжения, зафиксировать непонимание и работать над ним.

Механика звука

03 March 2021 12:57

James Tenney — Spectrum
#музыкальный_радар

Илья Белоруков (@iliamusicworm) в своей серии постов напомнил мне о композиторе Джеймсе Тенни, которого я всегда слушаю с большим удовольствием. Пожалуй, самые известные его сочинения — это последний опус, струнный квартет Arbor Vitae, и Спектральный канон для Конлона Нэнкарроу. Музыка Тенни необъятна — он экспериментировал и с сериализмом, и с спектральными техниками, и с электроакустической музыкой, и с ультрахроматикой.

Spectrum — цикл его поздних пьес, написанных в 1990-х- начале 2000-х. Согласно названию, это спектральные пьес, опирающиеся на обертоновые ряды, на внутреннее устройство отдельного звука. Из сложной структуры тембра благодаря определенным алгоритмам (Тенни много экспериментировал с генеративной и алгоритмической музыкой) вырастает целая пьеса.

Несмотря на определенную специфику, Spectrum может быть хорошим введение в спектральную музыку, так как пьесы очень мягки, деликатны, гомогенны, им присуща свои гипнотическая мелодика. Спектрализм Тенни гораздо более созерцателен и статичен, нежели спектрализм Гризе или Радулеску; внутренний мир отдельного звука статичен, абстрактен, напоминает полотно в духе color field живописи.

Spectrum не задумывался как последовательность номеров, каждая из пятнадцатиминутных пьес независима, у них разная инструментовка, настроение, внутренняя структура — от практически симфонической Spectrum 1 до архаической и крайне выразительной, напоминающей какой-то варварский концерт для фортепиано с оркестром Spectrum 8.

https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_nDE6LuYSG2kXlPYsl-F2HHwoVvaaV2T64

Механика звука

27 February 2021 15:29

К определению музыки

Публикуем второй текст из цикла «Мыслить музыку сегодня», где Юрий Виноградов (@classic_mechanics) размышляет о философии современной музыки.
В этом тексте автор обращается к проблеме дефиниции: рассуждает о том, что именно мы можем называть музыкой и об истоках самого понятия, а также рассматривает разные его грани на примере экспериментальных и авангардных практик прошлого века.
Читать

Первый текст цикла можно прочитать здесь.

Механика звука

26 February 2021 08:49

Ноктюрны для электрического пианино

Я долго искал лейблы для издания собственной музыки, но постоянно получал отказы или игнорирование, поэтому я некоторое время назад решил сделать собственный лейбл Contempora. И вот на нём вышел мой второй релиз — музыка для редкого винтажного электропианино Fender Rhodes Mark I 73 соло Nocturnes. Несмотря на большую популярность этого необыкновенного инструмента, музыки соло для него не так уж и много, поэтому эта запись по-своему оригинальна.

Эта музыка пересекает границы между неоклассицизмом, джазом и свободной импровизацией. Она записана в московской студии Интервал в один подход, без редакций и правок. Она сопротивляется любым попыткам узкого определения — свобода звука означает свободу мысли. У этого винтажного Fender Rhodes Mark I Seventy Three есть свои недостатки - его перегруженный и нечеткий звук имеет ярко выраженный характер и рассказывает собственные истории.

Ноктюрны — анонимное, безличное, похожее на сон путешествие по землям моря и солнца, теплых сумерек и туманов. Эта музыка в своих очертаниях исследует вечное прощание, которое стало самой изнанкой вещей. Свет печали, марево беспокойства, изливающаяся из себя тишина полнокровной жизни и другие темы, которые отгоняет бодрствующий разум.

http://contempora.ru/nocturnes

И я очень доволен обложкой, которую нарисовал специально.

#игразолы

Механика звука

23 February 2021 11:06

(продолжение)

Развитие музыкальной (как и, впрочем, любой другой) идеи — это движение к её границам, развитие, превращающее саму идею в нечто иное по отношению к себе. Именно поэтому центральной фигурой романтизма становится фигура музыканта-виртуоза, которому подвластна максимальная широта контрастов, подвластно тишайшее и тончайшее наряду с самым громким, пугающим, большим; для виртуоза-романтика музыкальное становится большим, чем музыкальное, это не абстрактная игра идей, но повествование о том, что иначе бы пребывало в тишине.

https://youtu.be/0SirhQeNg5E

Механика звука

20 February 2021 09:14

В этом году я также запускаю свой собственный мини-лейбл Contempora. На нём я буду издавать собственную музыку, коллаборации и музыку артистов-единомышленников. Формально, он существует с 2016 года, так как именно под этим ярлыком я издавал музыку на стримингах. Но только сейчас я наконец-то созрел для того, чтобы сделать сайт и оформить первый релиз.
Собственно, моя органная Маленькая белая книжица (Little White Book) как раз и есть Contempora I, первый релиз моего лейбла.

Лейбл как моя малая, камерная инициатива (по сути, это личный "карманный" лейбл) в целом будет сосредоточен на импровизационной и indie classical музыке, т.е. таком "академическом панке", который черпает вдохновение во всей истории европейской и мировой классической музыки, однако не связан с институциями, консерваториями и прочими центрами официальной музыкальной культуры.

Я не мыслю музыку вне политики или этики, мне кажется, что всякая музыка уже самими условиями своего производства и существования подразумевает некоторые ценности; поэтому лейбл также будет продвигать — через музыку — идеи свободной дискуссии и мышления, толерантности как сосуществования столь отличных по идеям, характеру, способностям, бэкграунду людей, поддерживать права на безопасность и самореализацию различных групп, в первую очередь, дискриминируемых. Contempora - как и наш с Аутсайдервилем лейбл аутсайдерской музыки - будет стараться усиливать тишайшие голоса, чтобы они были услышаны.

http://contempora.ru/about

#контемпора

Механика звука

19 February 2021 08:45

#введение_в_классическую_механику
Слишком человеческое

Музыка Николая Метнера, пианиста-виртуоза, ученика Танеева и Аренского, друга Рахманинова, подходит под определение романтической; пусть и создана она в XX веке, когда романтическая музыка находит свою оппозицию в виде модернистских идей, пытавшихся преодолеть эмоциональность и зацикленность музыки на том человеческом, что, как казалось, уже не выражает ничего, кроме штампа. Тончайший лиризм, чуть ли не болезненная, задевающая и ранящая эмоциональность, широта контрастов, живая, головокружительная фактура и ритм, опора на виртуозное владение инструментом - вот лишь некоторые из её черт.

Может ли человек все еще быть чувствующим, одиноким, глубоким, может ли быть индивидуалистом в мире, что перекопан до основания индустриализацией и мировыми войнами? Поздние романтики лелеют сентиментальную надежду, что да.

Николай Метнер известен как мастер сонатной формы, его сонаты по мастерству, по чуть ли не симфоническому богатству нюансов часто сравнивают с шедеврами Бетховена. Сам Метнер говорил, что музыкальные идеи приходят к нему в форме оркестрового звучания, которое он уже преобразует в фортепианные произведения. Одни из самых интересных и своеобразных сочинений Метнера - это жанр, придуманный самим композитором, "Сказки". Программные по сути, хоть и не сопровождающиеся развернутым комментарием, они воплощают тягу романтизма ко всему причудливо-фантастическому.

Для XX века характерно ускорение — идеи и течения сменяют друг друга с головокружительной быстротой; идейный конфликт порождает следующий конфликт; язык музыки находится в ситуации постоянного обновления. Однако сам Метнер считал, что "нельзя писать пейзаж из окна курьерского поезда", что произведение искусства - и при его создании, и при восприятии - требует временной остановки жизни. В этом, вероятно, причина того, что музыкальный язык Метнера и его единомышленников по сравнению с музыкальным языком новаторов-модернистов, может быть сочтен архаическим и практически неподвижным в своей неизменности. Однако одна из самых завораживающих черт искусства состоит в его многогранности, его современность всегда сочетание множества подчас взаимоисключающих концепций и явлений. В искусстве романтизм Метнера способен существовать рядом с додекафонической и сериальной музыкой, они не обедняют и не крадут друг у друга, напротив, высвечивают разные грани той многоликой и путанной реальности, в которой мы ныне живем. Встречаются ли они где-нибудь? Есть ли точка, где совпадают в чем-то поздний романтизм и авангардная музыка? В качестве предварительной мысли хочу высказать предположение, что этой точкой служит развитие музыкальной идеи не как выражающей что-то внешнее - остросоциальное, эмоциональное и так далее, но как выражающей саму себя, игру возможностей, калейдоскоп феноменов в царстве музыкального.

Может ли музыка Метнера быть интересной сейчас не только в качестве музейной ценности и аргумента для историка музыки? Говорит ли она что-то? Боюсь, ответ может быть банальным: человек и его внутренний мир слишком богаты, чтобы можно было ответить за всех. Всякая унификация лишь видимость и ложь. Но если вы чувствуете потребность в страстной, эмоциональной, виртуозной музыке, при этом гармоничной и богатой темами и структурой, то сочинения Николая Метнера, безусловно, один из первых ваших выборов.

https://youtu.be/icny5Zf1t9A

Механика звука

14 February 2021 17:37

Мыслить музыку сегодня

Стравинский.Онлайн опубликовал первую статью из моего цикла "Мыслить музыку сегодня". В этой серии я отвечаю на вопрос, зачем вообще нужно мыслить и говорить о музыке, что мышление и философия могут дать нашей музыкальности; рассказываю об основных проблемах и подходах философии музыки. В следующих статьях я поговорю о том, как вообще мы можем определить музыку, а также о том, что это за загадочные сущности — музыкальные произведения.

Если упрощать и заострять сюжет этого практически манифестного текста: мыслить и говорить о музыке крайне важно, потому что именно благодаря слову и речи наши неопределенные впечатления получают форму, благодаря слову и структурам разума звук становится существующей и четко очерченной Вещью, Образом, становится Музыкой. И мыслить можно только в дне сегодняшнем, только сегодня, потому что живое мышление возможно только для актуального, для живого.

"В некотором смысле сознание слушателя повторяет работу композитора или импровизатора, так как создание музыкального образа — это бессознательный творческий акт. И именно этот образ, сплетённый из нитей воспринимаемого нашим рассудком, вызывает эстетические переживания: пробуждается фантазия, возникает эмоциональный отклик, сопровождаемый чувством удовольствия или, напротив, раздражения. Таким образом, музыка — не только дело чувства, музыку можно и нужно думать, ведь сами формы её восприятия к этому располагают. Пока структуры и формы воспринимаемой музыки не выражены в слове, они напоминают здание, контуры которого скрыты во мраке глубины; более того, они ещё не завершены".

https://stravinsky.online/iurii_vinoghradov_myslit_muzyku_sieghodnia

#мыслитьмузыкусегодня

Механика звука

14 February 2021 11:14

#введение_в_классическую_механику
Рукава ручья: Бах и сыновья

Иоганн Себастьян Бах прославился при жизни не только как виртуоз клавирной и органной импровизации, плодовитый композитор, имя которого современники ставили среди немецких сочинителей обычно ниже Генделя и малоизвестных ныне Грауна и Гассе, но и как педагог. Он много лет преподавал в школе при церкви Св. Фомы в Лейпциге в должности кантора хора этой же церкви с 1723 года и до самой своей смерти в 1750 году. Среди многочисленных его учеников целая плеяда талантливых инструменталистов и композиторов, самыми влиятельными и известными из которых, пожалуй, стали его собственные сыновья.

От первого брака на собственной кузине Марии Барбаре Бах до совершеннолетия дожило трое мальчиков, каждый из которых стал музыкантом. Иоганн Готфрид Бернард, головная боль Баха-отца, непутевый сын, который сбегал с мест службы, на которые по протекции устраивал его родитель, оставляя долги, за которые приходилось расплачиваться также Иоганну Себастьяну Баху, умер молодым, так и не достигнув заметных успехов в музыке. Зато Вильгельм Фридеман, любимый старший сын, и Карл Филипп Эммануил Бах, которых часто звали соответственно местам их службы "халльский Бах" и "гамбургский Бах", добились многого и их слава быстро затмила славу композитора-отца.
Во второй половине XVIII века публике было известно множество Бахов: уже упомянутые халльский и гамбургский, также лондонский Бах - Иоганн Христиан Бах, младший сын Баха от второго брака с выдающейся певицей сопрано Анной Магдаленой; бюккебургский Бах - Иоганн Христоф Фридерик Бах, также сын от второго брака. Среди этих прославленных имен имя самого отца пользовалось лишь скромным почетом: старого кантора удостаивали уважительным кивком как мастера тяжеловесного древнего многоголосного стиля, вышедшего из моды, и как автора хороших и до тех пор употреблявшихся пособий для обучения игре на клавире, т.е. обоих томов Хорошо Темперированного Клавира.

Наибольшей известностью пользовались сочинения Карла Филиппа Эммануила и Иоганна Христиана Баха. Про последнего сам Бах говаривал, что тот "по глупости своей далеко пойдет". Впрочем, вполне возможно, что это было нечто вроде ворчания немолодого уже человека с пошатнувшимся здоровьем и оттого тяжелым характером в адрес непоседливого ребенка, ведь когда Бах-отец умер, Иоганну Христиану успело исполниться лишь пятнадцать лет; после смерти отца закончить музыкальное образование помог ему старший сводный брат - Карл Филипп Эммануил.

И тот, и другой, как принято считать, повлияли на становление классического музыкального стиля. Моцарт отзывался о гамбургском Бахе как о патриархе, перед которым все другие композиторы, включая самого Моцарта, "мальчишки", а его отец Леопольд настоятельно советовал молодому гению подражать манере Иоганна Христиана Баха, лондонского Баха.

Судьба последнего из всех сыновей Баха сложилось наиболее благополучно и напоминает, пожалуй, сказку. Его музыка, самая легкая, самая прозрачная, наименее затронутая влиянием великого отца и, как бы сейчас сказали, наиболее попсовая, тем не менее изящна, виртуозна, элегантна, пусть и кажется иногда поверхностной. В ней есть что-то от игры бликов солнечного света на поверхности ручья. Единственный из всех Бахов-сыновей, он не знал в жизни компромиссов и нужды.

Сам Иоганн Себастьян Бах, как это часто случается, больше всего любил старшего сына, считал его самым даровитым и глубоким музыкантом из всех своих сыновей. И именно его судьба была самой тяжелой и горькой: несговорчивый, переменчивый и вспыльчивый характер постоянно лишали его места и загоняли его в нужду. Как говорят о нем старые биографы Баха, Вильгельм Фридеман Бах, самый талантливый из сыновей отца, "умер на куче навоза". Не думаю, впрочем, что это должно о чем-то свидетельствовать или научить нас какой-то почтительности на лад Иоганна Христиана Баха - судьба Вольфганга Амадея Моцарта в этом отношении тоже была далеко не блестяща, хоть и не столь трагична, как повествует обыкновенный миф о захоронении без гроба и в яме, но мы же не будем ставить это ему в вину?

(продолжение)

Механика звука

08 February 2021 12:55

Klavierstücke Штокхаузена

Когда говорят о Штокхаузене, обычно вспоминают его грандиозные и эксцентричные проекты: "Кольцо Нибелунгов" XX века — оперный цикл Licht, Gruppen для нескольких оркестров, пьесу для струнного квартета и вертолётов Helikopter-Streichquartett. Однако его более скромные и камерные вещи, если гигантоман Штокхаузен вообще может быть скромным, также заслуживают внимания. В 50-х - 60-х годах он сочинил цикл пьес для фортепиано соло с буквальным названием Klavierstucke, Пьесы для клавира. Изначально Штокхаузен планировал сочинить 21 пьесу, объединенную единым планом, однако, судя по всему, пьесы, начиная с XII, скорее участвуют в его более позднем проекте Licht, чем воплощают оригинальное намерение. Klavierstucke создавались с 1952 по 2003 год и отражают, по сути, все периоды творчества композитора — от его увлеченности идеей тотальной серийной организацией музыки или алеаторики до его более поздних интуитивистских идей и интереса к электронной музыке (последние пьесы, скажем, написаны для синтезаторов и магнитофонной пленки, Штокхаузен мыслил синтезатор как наследника фортепиано).

Klavierstucke с I по XI, вероятно, отражают изначальный замысел композитора создать цикл пьес-эскизов, фортепианных рисунков, нечто вроде современного отражения шопеновских прелюдий с их чистотой, но при этом живостью. Структура, продолжительность и даже метод пьес различны — от разрозненной алеаторики XI пьесы до строгих серийных принципов организации прочих пьес, которые где-то по своей чистоте и строгости соответствуют композиционному письму Антона Веберна.

Серийная и даже додекафоническая музыка, если слушать её интуитивно, напоминает работу каких-то невероятных пружинных механизмов или рябь на поверхности воды - один кинетический импульс, одно движение сменяет другое, возмущение вспыхивает в музыкальном пространстве, чтобы затем мгновенно, без инерции, затихнуть. Кажется, что это звукофизика невозможных царств, где не действуют законы сохранения массы и энергии. Если Klavierstucke — это рисунки, эскизы, то они представляют из себя иллюзию, невозможное изображение.

https://open.spotify.com/album/2SVcGojnZaDrwciix8qu0S?si=6Mf7CaE0T6m8Da28KbRHLQ

#введение_в_классическую_механику

Механика звука

05 February 2021 17:28

Последние события в России ранят меня до глубины души — у меня болит сердце, и это не метафора, мне кажется, что в моей груди застрял осколок стекла; мое здоровье, и без того подорванное бесконечной болезнью, стало беспокоить меня ещё больше. Тень распростерла крылья над нашими городами, мерзким холодом она заползает в душу. Страх, злость и чувство бессилия мучают меня. Мне кажется, что всё это дурной сон, от которого никак не удаётся проснуться.

В самые темные часы спасением для меня всегда была музыка. Я понимаю, что многим сейчас не до музыки, но, вероятно, есть и подобные мне люди, которые находят для себя спасение и опору в искусстве движущихся звуковых форм. Музыка позволяет мне занять дистанцию к происходящему, вспомнить о самом бытии и таким образом восстановить силы, перевести дыхание, сохранить себя; когда вокруг и внутри сумрак — сочинение и прослушивание музыки становится моим источником света.

С теми, кто чувствует так же, я хочу поделиться альбомом органных созерцаний-импровизаций Little White Book, который является моим ответом на происходящее, высказыванием, словом поддержки, моей попыткой найти опору. Если хоть один человек найдет для себя утешение или радость в этой музыке — я буду считать свою задачу выполненной. Этот альбом распространяется совершенно бесплатно и всегда будет; его лицензия — creative commons, поэтому вы можете делать с ним все, что угодно, в рамках этичного использования, в том числе разбирать на семплы и так далее.

Эта музыка посвящена всем благородным и честным душам, которые страдают в несвободе и под пятой тьмы. Это музыкальная история о цветке жизни, который прорастает сквозь асфальт, сквозь сталь, сквозь невыносимую тяжесть. Иногда свобода в абстрактном, формалистском искусстве — то немногое, что нам остаётся, но это источник надежды, то пламя, что даёт свет.

https://yurivinogradov.bandcamp.com/album/little-white-book

#игразолы

Механика звука

29 January 2021 22:30

Ponomarev / Obrazeena Massacre — Massacre (Utech Records, 2021)

29 января вышел альбом партизанов и бунтарей джаз-панковой сцены гитариста Антона Образины и саксофониста Антона Пономарёва Massacre, Резня. Образина и Пономарёв — заслуженные ветераны музыкального восстания; Пономарёв играет в ноу-джаз (по их собственному определению) группе Бром, в Speedball Trio, анархично-постмодернистском Сольвычегодске, а Образина — гитарист и вокалист Jars, играл в "Позорах" и других ярких группах с сомнительной и громкой славой.

Удачно ли выбрано название? С таким название ожидаешь быстрых ритмов и крышесносных грувов, однако музыка медитативна; впрочем это скорее транс берсерка, замершая рефлексия буйства, чем отрешенное спокойствие монаха или одинокого путешественника, созерцающего звездное небо. Нечленораздельные гимны каннибала-агхорика, самососредоточенный танец Разрушителя миров Шивы, сумрачные и древние ритуалы смертепоклонников — альбом, кажется, был бы отличной иллюстрацией к подобным теургическим действам.

Резня — экстремальная музыка, трудно, наверное, вообразить еще более плотный, густой звук, звуковая материя неторопливо течёт как смола, как расплавленный гудрон; кажется, что об неё можно обжечься. Экстатический саксофон, шумовые протуберанцы, гитарные слайды, синтетические глитчи — все это сливается в триумфальный нойз-деликатес, нойзовую пассакалию, возвещающую о том, что конец времён, вероятно, мы все давно проспали и надо наверствывать упущенное.

Что за музыку играет дуэт? Нойз, дроун, авангардный джаз, потерявшийся в пространстве вариантов отдаленного невозможного будущего? Или, быть может, это ритуальная атеистическая архаика? Пластмассовое торжество безымянности и смерти в пустых глазницах скелета из кабинета учителя анатомии? Упражняться в сомнительном остроумии, придумывая характеристики этой музыке можно очень долго, столь самобытной и при этом неопределенной, бесформенной она кажется. Напоминает она одновременно скрежет, слом механизма, заумный и непроницаемый комментарий к Endless, Nameless кобейновской Nirvana, священнодействие, грезы космического ковбоя под тяжелыми инопланетными галлюциногенами. Если Massacre — это ирония и прикол, то слишком сложные, утонченные; черный юмор, который перестал смешить и стал пугать.

Слушать Резню долго невозможно — она буравит, травмирует уши и мозг, от неё повышается давление и снижается вера в себя и возможность хоть сколь-нибудь светлого или удовлетворительного будущего. Если кто-то попросил бы меня выбрать для экзистенциалистского Angst, смятения радикальной свободы, безосновности и конечности существования, музыкальную иллюстрацию, то я, не долго думаю, порекомендовал бы Massacre. Если вы чувствуете необходимость в экстремальном и выносящем мозг музыкальном опыте — пройдите предварительное обследование всего организма, учтите все возможные риски и принимайте этот жестокий нойзовый chef-d'œuvre дозировано и крайне аккуратно. Если что — никто вам не поможет и не надо помогать!

https://utechrecords.bandcamp.com/album/massacre

#музыкальный_радар

Механика звука

26 January 2021 12:18

#музыкальный_радар

Мне не так часто попадаются альбомы с записями органных импровизаций несмотря на то, что орган — инструмент со старинной импровизационной традицией, которая и ныне в жива и используется в церковных службах. Чаще всего записывается классическая органная литература (Бах, Букстехуде, Франк, Вьерн и прочие), а импровизация остается незафиксированной. Вполне возможно мне просто не попадались такие диски в большом количестве, лишь единичные примеры документирования живой импровизационной традиции.

Этот диск, найденный мною на Bandcamp, представляет из себя запись концерта, на котором, сменяя друг друга, импровизируют именитые органисты на инструменте Церкви Христа Искупителя в Люденшайд. Владелец bandcamp-страницы Peter Ewers выкладывает на ней также другие записи своих импровизаций на органе. Мне кажется, они заслуживают внимания.

Этот концерт — своеобразный компендиум импровизационных приёмов. Симфонический по своей силе орган то шепчет, то мерцает, то обрушивается неодолимой мощью.

Механика звука

24 January 2021 10:37

В 21:00 по Москве участники Music and Multimedia Composition graduate student community Университета Брауна проведут стрим с собственной электроакустической музыкой. Стрим будет состоять из анонимных композиций, исполненных вживую, будут использованы различные источники звука, звуковые среды, одновременная трансляция из разных мест. Будет много текста, сэмплов, полевых записей и их головоломные, хитроумные сочетания.

Отсутствие атрибуции, присвоения авторства — специальный жест участников группы; таким образом они пытаются преодолеть диктат традиционных иерархий в академической музыке. В стриме в качестве одного из авторов будет участвовать наша бывшая соотечественница, композиторка и музыковедка Инга Чинилина.

Современная электроакустическая музыка не пользуется особенным вниманием аудитории, она еще менее популярна, чем самый утонченный contemporary classical — тем не менее, именно она на острие звукового прогресса, именно она представляет из себя музыку будущего, так как открыта к экспериментам не только с формой или материей звука, но и с обстоятельствами её социального существования и воспроизведения.

Ссылка на стрим:
https://www.twitch.tv/sonic_undoing

Механика звука

21 January 2021 12:50

#введение_в_классическую_механику
Организатор звуков

Бурным для России начало XX века было не только в политическом, но и в культурном отношении. Общественные сдвиги тектонического масштаба, революции шли рука об руку с культурными новациями. Футуризм, супрематизм, новое революционное социалистическое искусство, - сфера художественной и творческой общественной жизни была захвачена невиданными доселе вихрями преобразований. Примирить новый быт, новые обстоятельства и искусство пытались многие художники, поэты, музыканты, тем более на это был явный запрос эпохи.

Одним из таких музыкантов-преобразователей был замечательный русский и советский композитор Николай Андреевич Рославец (1881-1944). Окончивший Московскую консерваторию с серебряной медалью за дипломное сочинение, Рославец быстро разочаровался в полученном образовании, так как считал полученные навыки и знания "трафаретными". Они, как считал молодой композитор, не помогали ему в композиторском самовыражении и в его попытках создать новый музыкальный мир. Поэтому Рославец разработал свою оригинальную композиторскую систему, основанную на понятии синтетаккорда - комплекса из 6-8 звуков, служащего источником всех вертикальных (гармонических, аккордовых) и горизонтальных (мелодических) звукосочетаний композиции; иначе говоря, синтетаккорд столько же аккорд, сколько и мелодия, в этом отношении он напоминает додекафоническую серию. Новаторство молодого тогда композитора заслужило ему славу именоваться "русским Шёнбергом", в исследованиях, посвященных композитору, его именуют ранним двенадцатитоновым композитором или же одним из предшественников додекафонической техники. В своей оригинальной системе сам Рославец преемствовал не Шёнбергу, с которым разрабатывал свои идеи в одно и тоже время, если не ранее, а позднему Скрябину. Синтетаккорд напоминает мистический Прометеев аккорд из "Поэмы огня" Скрябина. В отличие от додекафонии и тем более серийной техники с её строгими правилами, система Рославца предоставляет композитору большую свободу, она более гибка. В системе синтетаккордов Рославца нет традиционного тонального центра, лишь его аналоги в виде высоты положения аккорда-лада; звуки независимы друг от друга, поэтому и его музыка воспринимается иногда как выход в особое пространство, где нет тяготения к тональному центру, где слушатель, музыкант, композитор движется в состоянии свободы.

Воздействие на Рославца оказали не только условные и непосредственные учителя, но и сама среда, его современность. Рославец был дружен с супрематистами и футуристами, общался с Казимиром Малевичем, который одобрительно высказывался о музыке Рославца, так как по его мнению она была свободна от свойственной буржуазной музыке приятности и развлекательности. Благодаря свободной, необычной гармонии нового типа, экспрессивным мелодическим линиям, обильным и логичным контрастам, благодаря ощущению новизны открываемых композитором музыкальных пространств она близилась к идеалу "беспредметности", столь важному для Малевича. Пытаясь преодолеть традиционные формы, "трафаретный" академизм, Рославец не только создал новую композиторскую систему, которая в историческом отношении является промежуточной формой между идеями позднего Скрябина и додекафоническими идеями Шёнберга и Веберна, но и переосмыслил саму функцию композитора: композитор не сочиняет, пытаясь передать с помощью музыкальной речи эмоцию, но организует звуки в единство по правилам, организует нарратив, состоящий из музыкального выражения мыслей, из эмоций, из всего, что наполняет сознание и бессознательное человека. Таким образом, роль композитора сводится к роли своеобразного архитектора звуков и строителя музыкального здания. Себя, соответственно, Рославец звал не композитором, а организатором звуков.

https://youtu.be/GlpxNRipo_Q

Механика звука

15 January 2021 11:28

(продолжение)

Следует специально отметить : Роман Столяр не просто доказывает этой записью, что свободная импровизация, импровизация вне координат стандартов и канонов, способна на мелодию и благозвучие. Он делает это с оригинальностью; музыка The Boston Case не является вторичной. Это не стократно переваренный синематический минимализм в духе меблировочной музыки, не прилипчивые мотивчики с заимствованной из шлягеров гармониями, но полные достоинства и амбиций самобытные пьесы, которые могли бы, скажем, выйти из под руки достаточно современно и популярно мыслящего композитора, интересующегося как сегодняшним днём фортепианной музыки, так и прошлым.

Альбом можно рекомендовать скептикам, которые хотят убедиться, что импровизация способна быть музыкальной в традиционном смысле, т.е. выражать музыкальные смыслы и создавать устойчивые музыкальные структуры "на лету", без предварительного обдумывания и длительной обработки материала. Импровизация способна быть мелодичной, т.е. иметь в себе некоторую непрерывность музыкального смысла, его несущую, которую можно подвергнуть анализу или выразить иными средствами — к примеру, с помощью голоса.

https://fancymusic.ru/roman-stolyar-the-boston-case-2014/