19707
Самое важное о мире современного искусства: вовремя, интересно и понятно. Обзоры лучших мировых выставок, новости, цифры и аналитика. Предложения присылайте на artstolenfuture@gmail.com
Бутик Celine в Амстердаме пережил реконструкцию и как и другие магазины бренда после прихода в него Эди Слимана обзавелся предметами коллекционного дизайна и современного искусства. В частности, вот этой работой Цезария Понятовски, которого представляет галерея Wschod с пространствами в Варшаве, Кельне и Нью-Йорке.
Мы как-то давно писали в «Коммерсантъ Арт» о том, как бутики превращаются в музеи. Материал по-прежнему актуален.
@artfragment
Завтра в бельгийской галерее Xavier Hufkens открывается выставка Ника Кейва-музыканта, который еще и художник (не путайте с другим Ником Кейвом-художником). «The Devil—A Life» (2020–24) представляет собой серию из семнадцати глазурованных керамических фигурок, рассказывающих историю Дьявола от колыбели до могилы. Он скорее обычный человек, чем грозный Антихрист, он аллегорический персонаж, который очень по-человечески переживает превратности жизни. Интерес Ника Кейва к Дьяволу связан с его увлечением религией и духовностью, к которым он подходит со смесью скептицизма и веры. Он рассматривает эти противоположные чувства как аналог художественной борьбы, которая сродни поиску чего-то, что выходит за рамки чистой рациональности.
В «сериале» Кейва юный Дьявол наследует мир, взрослеет и влюбляется. Он смел, сражается со львом и отправляется на войну. Он убивает своего первенца, его избегают за его проступки, и он превращается в оболочку самого себя. В конце концов, он терпит ужасную смерть. Эта траектория напоминает шекспировские «Семь возрастов человека». Подобно притче, «The Devil—A Life» описывает процесс умственной и физической трансформации, а именно переход от невинности к опыту. Меняющаяся природа рогов и телосложения Дьявола отмечает течение времени.
@artfragment
Бывший главный редактор Artforum Дэвид Веласко, уволенный после публикации открытого письма в поддержку Палестины с отсутствием осуждения действий Хамаса 7 октября 2023-го (фраза об этом была добавлена позже), дал Airmail первое интервью. В журнале он проработал 18 лет, шесть их них — главным редактором. После увольнения большая часть арт-критиков и журналистов прекратила сотрудничество с изданием и продолжает его бойкотировать, к чему призывает всех — художников, галереи, музеи.
To make long story short:
— Все редакторы, которые ушли за Веласко в никуда, с трудом зарабатывают себе на жизнь: культурные отделы всех изданий давно сильно сократили, а в те, что остались, не прорваться. Поступления от фриланса за тексты к выставкам (в среднем $500-700) нельзя сравнить с зарплатой в Artforum ($50-85 тыс. в год до налогов в зависимости от позиции).
— Сам Веласко пересдал квартиру, в которой жил, собрал один чемодан и переезжает от друга к другу. Иногда друзья угощают его ужином. Жил он от зарплаты до зарплаты и без накоплений, уволили его без какой-либо компенсации «за нарушение редакционной политики издания». Сам Дэвид говорит, что практики заверять публичные заявления у Artforum никогда не было, а сам журнал всегда занимал активную левую позицию.
— Ну и главная цитата из материала, пожалуй, будет такой: «Artforum был работой моей мечты. Но я очень счастлив, что не поехал в этот раз на арт-ярмарку Frieze в Лос-Анджелесе, ведь это кажется мне наименее значимым занятием, которым можно заниматься в данный момент».
@artfragment
Фонд Дональда Джадда подал в суд на Ким Кардашьян и мебельную компанию Clements Design. Причиной послужило видео, в котором знаменитость проводит экскурсию по офису своей марки Skkn и называет стол и стулья, скопированные с легендарных предметов Джадда, оригинальными. Представители Кардашьян уже принесли извинения, удалили видео и предложили сделать пост в соцсетях, рассказывающий о Judd Foundation. Но этого оказалось мало. Адвокат фонда отметила, что при всем уважении к тому, что знаменитость делает, ее клиент не хочет ассоциироваться с именем Кардашьян. Ну и мебель-реплика, конечно же, должна быть уничтожена.
@artfragment
На смену варшавской «обменной» инициативы Friend of a Friend, в рамках которой местные галереи принимали у себя коллег из других стран, появилась новая — Constellation. На этот раз «созвездие» галеристов собирали основатели галерей Piktogram, Dawid Radziszewski и Stereo. Идти совместная выставка будет всего два дня — 6 и 7 апреля.
Интересно, как активно развивается местная арт-сцена. Один из основателей Raster недавно рассказывал нам, что внутренний рынок приносит им 90% дохода, а международные ярмарки они делают только чтобы поддерживать уровень и чтобы поддерживать внимание к польским художникам в мире.
Кстати, с 15 по 19 мая в городе пройдёт ещё одна совместная выставка международных галеристов при поддержке американской организации New Art Dealers Alliance, она будет называться NADA Villa Warsaw, но все участвующие галереи займут один особняк в центре города. За ее организацию как раз отвечают галереи Raster, LETO и Джоанна Витек-Липка из Warsaw Gallery Weekend.
@artfragment
К 95-летию Яёи Кусамы фонд Серралвеш в Порту подготовился лучше, чем кто-либо.
Уже через несколько дней, 27 марта, здесь стартует большая ретроспектива художницы, которая должна рассказать о ее роли в современном искусстве. Сегодня Кусама настолько известна, что у многих могло сложиться ошибочное представление, будто это пожилая клоунесса в красном парике, которая все разрисовывает веселыми точками и помогает продавать сумки Louis Vuitton. Но ее точки – способ преодоления детской травмы, от которой Кусама лечилась всю свою жизнь, её метод трансформации ужаса в искусство. И хотя этот прием – центральный в ее творчестве, работает она с 1945 года, и за эти почти 80 лет Кусама была очень разной, смелой и авангардной, на многих повлияла и даже успела обвинить Энди Уорхола в плагиате. И хотя сегодня ее работы стоят миллионы, к успеху она пришла довольно поздно, в 1990е, до этого же она была аутсайдером.
Выставка в фонде Серралвеш расскажет о Яёи Кусаме с самого начала, с ее подростковых рисунков 1945 года. И через американские перформансы, за которые ее на родине называли бесстыдницей, придет к современным иммерсивным проектам. Всего будет показано более 160 работ, с помощью которых куратор Филипа Лурейру предложит свежий взгляд на ключевую фигуру современного искусства Японии.
#порту #португалия
В потоке галерейных превью перед арт-ярмаркой Art Basel Hong Kong увидели вот такого Курта Кобейна — карандашный рисунок Элизабет Пейтон 1996 года. Просят $150 тыс.
@artfragment
А у нашего любимого журнала T Magazine, который выходит вместе с воскресной газетой The New York Times, — новый номер, посвящённый дизайну. На обложке — интерьер таунхауса на Манхеттене с каким-то просто невероятным собранием искусства, все супер хиты от признанных и самых востребованных сейчас художников. Всех узнаете?
@artfragment
В нью-йоркской галерее Gagosian на Западной 24-й улице вчера открылась выставка (одиозной) художницы, про которую мы много здесь писали. На персональной выставке Джеймиан Джулиано-Виллани «Оно» представлены картины, показывающие образы, заимствованные из американской популярной культуры (с Элвисом как раз автопортрет). Джеймиан включает в свои работы элементы произведений других художников. Косплей и апроприация — две главные стратегии Джулиано-Виллани (художница даже говорит, что последние 10 лет она косплеит саму себя, но «все вокруг придурки и ничего не понимают»). Явные связи прослеживаются с работами Ричарда Принса, Элейн Стертевант, и особенно Майклом Келли, с которым Джеймиан разделяет любовь к «отвратительным образам». Любому намеку на величие художника на выставке противопоставляется объективная реальность, задача Джулиано-Виллани — показать, что искусство сейчас является самым коммерческим, чем когда-либо в истории.
Сама художница так писала про свою выставку в Gagosian и про самого Ларри Гагосяна: «Наконец-то я делаю ту работу, которую хочу... Свобода выражения мнений — это то, что я делаю с вызовом, и это стоит защищать. Ларри Гагосян это понимает. Эта выставка — любовное письмо одного провидца другому».
«У Джеймиан такой уникальный и творческий взгляд, который объединяет все поколения — от поп-арта до TikTok», — говорит старший директор галереи Gagosian Кара Вандер Вег.
Специально к выставке галерея издала первый каталог художницы, включающий 45 картин с 2013 по 2023 год. Введение к книге написал Ханс Ульрих Обрист, а на следующей неделе паблик-ток с художницей в галерее проведет художественный директор New Museum Массимилиано Джони. Вчера в галерею стояла очередь все два часа открытия — недостатка от желающих прикоснуться к прекрасному не было.
@artfragment
Вышел очередной отчёт The Art Market 2024 о состоянии арт-рынка в 2023 году, за который традиционно в тандеме отвечают Art Basel и UBS, а готовит экономист Клэр Макэндрюс (в общем, самый важный отчёт). Вот что нужно из него знать.
📉Объем арт-рынка в 2023 году сократился на 4% в годовом исчислении до примерно $65 млрд. Причина: высокие процентные ставки, инфляция и политическая нестабильность во всем мире.
📈Несмотря на то, что публичные аукционые продажи и продажи у арт-дилеров в 2023 году снизились, частные сделки в аукционных домах немного выросли (рост на 2% по сравнению с 2022 годом).
🇺🇸США сохранили свою позицию первого рынка в мире (42%), на втором месте находится Китай с 19%. Великобритания — 17%, Франция — 7%. При этом рынок США сократился на 10% до 27,2 миллиарда долларов в 2023 году. Рынок в Великобритании — на 8%, а вот в Китае вырос на 9%. Интересно, что и рынок Франции после роста в 2022 и 2023 годах сократился на 7%.
💻Онлайн-продажи растут, несмотря на спад на рынке, достигнув примерно $11,8 млрд, что на 7% больше, чем в 2022 году.
💰Тенденция к тому, что самые дорогие продажи будут осуществляться преимущественно в оффлайне, сохранилась: 58% выручки онлайн-аукционов пришлись на продажи предметов с ценами менее $50 тыс.
👾Продажи NFT, связанных с искусством, снижались в течение двух лет с пика в $2,9 млрд в 2021 году, достигнув $1,2 млрд 2023-м, что на 51% меньше, чем в прошлом году.
@artfragment
Как же круто выглядят работы Ника Кейва из серии «Soundsuits» и собранные из сплющенных алюминиевых крышек и банок панно ганского художника Эль Анацуи в реальных интерьерах, а не только в музеях. Первые стали своеобразными метафорическими доспехам и появились в ответ смерть Родни Кинга в 1991 году в результате избиения полицией Лос-Анджелеса. Полностью скрывая тело, «Звуковые костюмы» служат «второй кожей», которая скрывает расу, пол и класс, позволяя зрителям смотреть без предубеждения на личность владельца. Кейв сам регулярно выступает в скульптурах, танцуя либо перед публикой, либо перед камерой. А прочитать больше о творческом пути Анацуи можно в нашем материале здесь.
На фото квартира в одном из самых высоких домов Манхеттена, которая принадлежит коллекционерам из Майами.
@artfragment
В легендарном Brown House, построенном в Лос-Анджелесе архитектором Ричардом Нойтром в 1955-м, с 1997-го по 2019-й жил Том Форд. Интерьеры там были соответствующие жильцу, олицетворявшие стиль конца 1990-х-начала 2000-х и вкус дизайнера (вспомните коллекции Gucci и Yves Saint Laurent того времени, а также интерьеры бутиков): темное дерево, зеркальные поверхности, шкуры пони и бархат в обивке массивной, но минималистичной мебели (впрочем, стоит признать, выглядело все это классно). С середины 2022 года дом принадлежит режиссеру и продюсеру Райану Мёрфи, который решил несолько «облегчить» наполнение этого шедевра американского модернизма. И это, конечно, еще один дом мечты. Смелый выбор мебели (от «примитивных» стульев Дональда Джадда и Рика Оуэнса до более «роскошных» экземпляров коллекционного дизайна) находится в активном диалоге с нетривиальным набором искусства: тут есть и Фрагонар с Джейми Уайетом, и Джефф Кунс (из спорной серии Gazing Ball) с Уорхолом, и чрезвычайно востребованные Николас Парти, Робин Ф. Уильямс, Лиза Юскавидж, Джеймиан Джулиано-Виллани (персональная выставка которой откроется в нью-йоркской галерее Gagosian 16 марта).
@artfragment
Вот интересная картинка из нового отчёта Artsy про арт-ярмарки — своеобразный рейтинг городов, где проходят самые важные из них.
@artfragment
Artsy опросили 377 галеристов и арт-профессионалов и выпустили отчет по арт-ярмаркам, которые считаются и самой затратной статьей расхода галерей, и самой доходной (на самом деле не у всех). Большинство участников опроса (33%) проживают в США, за ними следует Великобритания (10%). Около 19% занимаются бизнесом менее трех лет, 48% — 3–15 лет и 33% занимаются в бизнесе более 15 лет.
Вот что интересного можно оттуда узнать:
🕺36% респондентов считают, что арт-ярмарки помогают найти новых коллекционеров, а 75% из них отметили, что в прошлом году это получилось.
📉Четверть опрошенных галеристов собирается увеличить в 2024-м количество ярмарок, в которых они участвуют. 37% сделают столько же, а 29 — сократят.
💸Среди тех, кто в ярмарках не участвует, 56% не делают этого, потому что очень дорого, 19% — от недостатка сотрудников, 18% — времени.
💰Половина делает большую часть продаж на ярмарках после VIP-превью. 49% — во время превью. Так как участники могли выбрать несколько ответов, то 24% приходится на тех, кто продаёт ещё и после ярмарки, а 12% — до.
➗Большинство (53%) респондентов заявили, что они дают среднюю скидку 10–15% на арт-ярмарках, за ними следуют 18%, которые заявили, что предлагают скидки менее 10%; 14% заявили, что их скидки варьируются в пределах 15–20%; и 8%, которые не предлагают скидок. Лишь 3% опрошенных заявили, что дают скидки более 20%.
От себя добавим: есть ещё доковидный отчёт участников престижных Art Basel и Frieze. Так вот там, в хорошие жирные годы, только 40% галеристов выходили в ноль или зарабатывали. Остальные — в минусе. Из наших частных разговоров с крутыми mid-sized галереями из Нью-Йорка, многие из которых сами отбирают галереи на эти ярмарки: у всех, к примеру, Art Basel Miami Beach в декабре 2023-го был ужасен, у многих нет продаж или одна недорогая работа. А раньше это было настоящим cash cow. Вообще многие ярмарки второй половины прошлого года были мягко говоря не очень. Посмотрим, что будет в этом году.
@artfragment
Когда JOMO превращается в FOMO: только посмотрите, что делала Бьорк вчера в парижском Bourse de Commerce—Pinault Collection.
@artfragment
Вчера закрылась ретроспектива Марка Ротко в парижском Fondation Louis Vuitton, а мы вот прочитали только что какую-то удивительную и грустную историю о работах художника, которые хранятся в Гарвардском университе. В 1964 году Ротко создал группу из пяти картин, которые были установлены в пентхаусе недавно построенного Холиок-центра, десятиэтажного офисного здания Гарварда. Пять полотен, каждое из которых достигало 2,6 м в высоту, висели как на восточной, так и на западной стенах. Сегодня этой комнаты больше не существует, но ранее она в основном использовалась как столовая для особых случаев.
Ротко в своей знаменитой дотошности поставил строгие условия для инсталляции. Одним из главных было необходимость установить шторы из стекловолокна, чтобы защитить картины от воздействия слишком яркого света. Однако вскоре картины начали разрушаться, главным образом потому, что шторы никогда не закрывались. Хуже того, посетители разбрызгивали еду и напитки повсюду, даже ударялись стульями о холсты, когда вставали.
Лишь после смерти Ротко, в 1970 году, возникли опасения по поводу состояния картин Гарварда. Однако по-прежнему ничего не было сделано для их защиты. В 70-е годы помещение даже начали сдавать в аренду для частных вечеринок. Как рассказывает один репортер журнала New Yorker: «На картинах начали появляться потеки и вмятины; человек по имени Алан С. искал бессмертия, написав свое имя на одной из них; цвета полностью поблекли».
И только в 1979 году меры были наконец приняты. К этому моменту почти весь первоначальный цвет на них потускнел. Из-за сложного метода нанесения краски восстановить первоначальный вид картин было практически невозможно. Как ни странно, «решением» руководства университета было осветить холсты цифровыми проекторами, чтобы на время были видны исходные цвета. Каждый день в 16:00 проекторы выключались, и работы Ротко возвращались в свою выцветшую реальность. Последний раз их видели в 2015 году.
@artfragment
⚡️Фонд de la Cruz в Майами закрывается, а коллекцию продадут на Christie’s.
«Каждый коллекционер должен понимать, что он не сможет взять коллекцию с собой в загробный мир. Работы либо отправятся в музей, который, возможно, не будет их показывать, либо достанутся детям, которым они, возможно, не нужны, или в аукционный дом», — говорила влиятельный коллекционер из Майами кубинского происхождения Роза де ла Круз в интервью The New York Times в 2009 году. Коллекция, собранная ей совместно с супругом Карлосом, стала одной из важнейших точек на карте современного искусства в Майами — один из их домов был обязательной частью программы во время Art Basel Miami Beach, а фонд с пространством в дизайн-дистрикте города — в любое время. За все время пара собрала более тысячи работ, десять лет назад коллекция оценивалась в $100 млн. Самое ценное в ней — десятки работ Феликса Гонзалеса-Торреса и Аны Мендиеты, огромные полотна Кристофера Вула и Уэйда Гайтона. Роза умерла 25 февраля — теперь это всё отправится на аукцион Christie’s. Предварительная оценка того, что отошло аукционному дому — около $30 млн. Продавать будут частями, так как де ла Круз собирали работы художников глубоко, часто десятками. Их будут интегрировать в торги постепенно. Все знали, что в последнее время пара иногда по-тихому продавала некоторые работы из коллекции (как и многие другие частные музеи и фонды, если вообще не все), а Карлос уговаривал продать Розу все и раньше. Но для неё коллекционирование было делом жизни. Прошло не так много времени, после ее смерти, а все, распродажа. У пары пять детей, 17 внуков и шесть правнуков. И всем хочется есть икру и запивать ее шампанским, а не смотреть на лампочки Гонзалеса-Торреса.
@artfragment
Ну и ситуативка Музея Уитни к кейсу Кардашьян-Джадд.
@artfragment
В 1973 году компания Braniff International Airways поручила художнику Александру Колдеру покрасить самолет DC-8, который должен был летать между Северной и Южной Америкой. Braniff была американской авиакомпанией, действовавшей с 1928 по 1982 год. Первоначально получив образование инженера, Колдер был идеальным выбором для такой задачи. Готовясь к проекту (получившему название «Flying Colors»), художник использовал множество моделей самолётов из стекловолокна, каждая из которых была окрашена в разные цвета и рисунки. Интересно, что на самолёте была подпись Колдера, а не логотип «Браниффа».
Пять из этих моделей были выставлены в Музее Соломона Р. Гуггенхайма летом 1973 года. На фотографиях инсталляции видно, как они висят в ротонде на проволоке, прикрепленной к куполу здания.
@artfragment
Реклама альбома Бейонсе 100500 уровня — на музеях Гуггенхайма и Уитни.
@artfragment
После посещения выставки Мэпплторпа в галерее Gladstone 64 в Нью-Йорке, подумали, а где получать актуальную информацию про современную фотографию? Но наш друг Саша Бланарь посоветовал обратить внимание на канал Still Art Lab. И вот почему:
Это площадка, где можно учиться и узнавать новое. Особенно интересны будут публикации для художников, которые находится в начале своей карьеры.
⠀
Вот Александр Бланарь рассказывает зачем художнику заниматься нетворкингом и чем полезны знакомства.
⠀
Фотограф Люба Козорезова рассуждает на тему бартера в художественной съемке.
Лима Липа, руководитель PR, SMM, Co: Create бренда Befree пишет о том, как распределить бюджет съемки в России и за рубежом.
Это площадка для обмена мнениями. Интересно почитать, что вдохновляет современных фотографов сегодня.
⠀
Дмитрий Булин, победитель первого года грантовой программы Still Art для fashion-фотографов, рассказывает как изменилась его жизнь после получения премии
⠀
Это площадка, где можно искать вдохновение для творчества, а также следить за актуальными новостями в мире художественной и фэшн-фотографии.
Пост про книжные новинки по теории и истории фотографии
Пост про выставку Ричарда Аведона в галерее Gagosian в Париже
«Незаезженного» Мэпплторпа, а именно трёхмерные объекты, скульптуры, коллажи и ассамбляжи 1971-1986 гг, показывают в нью-йоркской галерее Gladstone 64. Хочется забрать абсолютно все.
@artfragment
В галерее Gladstone в Нью-Йорке недавно закрылась, пожалуй, одна из самых активно появлявшихся в местных соцсетях выставка — персональный проект Томаса Хиршхорна «Fake it, Fake it — till you Fake it» («Притворяйся, притворяйся — пока не притворишься»). Все предметы сделаны из самых простых, самых дешевых («низких») материалов: картона, упаковочного скотча, пенопласта, алюминиевой фольги; распечатки, сделаны на струйном принтере. В итоге галерея превратилась то ли в «фабрику троллей», то ли в воображаемый центр управления катастрофами (одними из которых являются вооруженные конфликты). Присмотритесь внимательно из чего сделаны каждые элементы инсталляции.
Художник задается вопросом: как заниматься искусством во время войн, разрушений, насилия, гнева, ненависти, обиды? Каким искусством следует заниматься в моменты тьмы и отчаяния? Может ли искусство быть инструментом понимания истории? Как продолжать работать художнику и при этом не попасть в ловушки событий, фактов, fake news?
Хиршхорн пробует сочитать аналоговое, реальное выставочное пространство с цифровым и виртуальным миром, но хочет при этом сохранить свою работу в «аналоговом» режиме. Художник вспоминает известное клише-кредо Кремниевой долины («Притворяйся, пока не добьешься успеха», или «Fake it, till you make it») и трансформирует его в название выставки. Художник тоже притворяется, как делают абсолютно все вокруг, при этом притворство он решительно отделяет от лжи. Проблемой по его мнению является именно второе, при этом самым страшным Хиршхорн считает ложь самому себе.
@artfragment
Когда у тебя Фрэнсиса Бэкона столько, что уже вешать некуда.
У Софи Лорен и Карло Понти на вилле Понти в начале 1970х было 12 работ британского художника. Учитывая их размер и тот факт, что в коллекции были и другие работы, свободного места на стенах не было.
Забавно, что в 1977м стены этой виллы опустели, поскольку 230 картин были конфискованы итальянским правительством по обвинению в неуплате налогов и до 1990 го года хранились в миланской пинакотеке Брера, пока обвинения не были сняты.
#италия
Сразу две выставки Роберта Мэпплторпа открылись буквально на днях: в лос-анджелесской галерее Morán Morán куратором экспозиции «Animism, Faith, Violence, and Conquest» выступил художник Джэколби Саттеруайт, а в парижской Thaddaeus Ropac за «Robert Mapplethorpe» отвечал бывший главред Vogue UK Эдвард Эннинфул. Первая представляет собой подборку фотографий, в которых люди и части тела сочетаются с символами власти и веры, различными механизмами и животными. Выставка «рассматривает сложное взаимодействие духовности и сексуальности в матрице социальной и индивидуальной идентичности, стремясь изучить способы, которыми эти темы служили как средством расширения прав и возможностей, так и инструментами завоевания. Изучение этих работ через призму анимизма проливает свет на то, где вера пересекается с идентичностью, а сексуальность сходится с властью». Вторая — пары, собранные Эннинфулом наподобие журнальных разворотов. Работы то дополняют друг друга, то работают на контрасте. Интересно, что британский Vogue работал с Мэпплторпом однажды — в 1984 году.
Прочитать больше о Мэпплторпе можно в нашем архивном материале здесь.
@artfragment
Говорят, Джефф Кунс — самый успешный американский художник после Энди Уорхола. Гонконгский журнал Prestige (😂)сделал его героем мартовской обложки. Формальный повод — 23 марта в Art Intelligence Global открывается первая масштабная ретроспектива в Восточной Азии ранних работ художника, «Jeff Koons: 1979-1999».
@artfragment
Ну и вот ещё из горячих ярмарочных новостей. Ротация на самых престижных ярмарках совсем небольшая, попасть туда сложно, а сателлиты бывают не самыми качественными и не очень дешёвыми. Мы тут уже писали о суперуспешной инициативе Basel Social Club, которая проходит параллельно с Art Basel в Базеле. BSC делали на пригородной вилле, бывшей майонезной фабрике, а в этом году он займёт пространство с деревенскими домиками и полем в 15 минутах езды от Мессеплац.
В Гонконге параллельно с Art Basel ничего стоящего альтернативного не было. И вот три местных галериста решили сделать свою альтернативную ярмарку — Supper Club. В первой версии будет 22 галереи. Многих из них знаем и любим. Интересно, станет ли Supper Club азиатской версией Basel Social Club.
@artfragment
Из серии — иногда они возвращаются. Помните КриптоПанков? А они все ещё существуют и продаются. Вот на днях был продан #3100 за чуть более чем $16 млн (или 4500 эфириумов). Он относится к категории Alien Punks, во вселенной из почти 10 тыс. персонажей, в ней всего девять разных «аватаров», то есть они одни из самых редких (=дорогих).
@artfragment
Расскажем немного про особенности успешного успеха в искусстве.
Одним из показателей успешности аукциона является sell-through rate, или соотношение проданных и непроданных лотов, где 0 — не продано ничего, 100% — продано все (так называемая white glove sale, если речь одет только об одних торгах). В 2023 году этот показатель у «большой тройки» Christie’s, Sotheby’s и Phillips в среднем равен 71%.
Интересно, что этим показателем аукционы могут «играть»: убрать работу даже посередине аукциона с торгов, если есть ощущение, что она не продастся («withdrawn» лучше «passed»). По оценке Christie’s в последнее время (по разным причинам) с торгов снимается около 4% лотов (в 2018-м — 2%). Проблема состоит в том, что подобная статистика дает ложное, более радужное ощущение о состоянии рынка в целом.
В подобной практике можно уличить и всю арт- и бизнес-прессу: люди хотят читать про успешный успех, поэтому везде выходят материалы только о невероятных продажах на ярмарках, бесконечных рекордах, а истории неуспеха или очевидно слабого рынка часто замалчиваются. Привет, survivorship bias! Конечно, в этом отчасти виноваты и сами игроки рынка, те же аукционы, «подкручивающие» результаты, а также галереи, которые не говорят о проблемах. Никто не хочет спасать тонущий корабль, все хотят покупать только супервостребованное, желательно с очередью, которая не закончится всю жизнь, поэтому за фасадом успешного успеха на самом деле часто стоит совсем другое. Даже базельская галерея Гагосяна не продала ни одной работы с недавней выставки Джордана Вулфсона. Хотя на ярмарках мы видим только sold out рядом с его именем. Понятно, что в целом дела у галереи идут очень хорошо, но складывается этот успех из взлетов и падений. Последние, правда, чрезмерно стигматизированы.
@artfragment