144
Делюсь всякой музыкой и своим мнением. Новые посты (почти) каждый будний день в 10:00 Автор: @JeremyF
🏴 Travis – The Man Who (1999)
#post_britpop #pop_rock
Надеюсь вы меня простите, но я бы хотел больше времени и внимания уделить пост-бритпопу. Уникальный жанр, жесть. Не могу объяснить любовь к нему. Как и не могу объяснить способность британцев на рубеже веков делать мрачную и меланхоличную альтернативную музыку, которая, по какой-то причине, так сильно отзывается во мне – человеке из Питера 1996-го года рождения. Может дело в том, что мой город такой же холодный и промозглый, как и местность, где подобная музыка создаётся. Сегодняшние гости даже не из Британии, а из ещё более холодной Шотландии, из Глазго. И они, между прочим, являются одним из неотъемлемых столпов жанра, наравне с Keane и Snow Patrol, о которых часто забывают, вспоминая лишь Coldplay да Radiohead. Группу Travis основали два брата, Крис и Геофф Мартин, игравшие на басу и клавишах соответственно. Состав и название на ранних этапах ещё менялись, но к выходу дебютника уже более-менее сложились. Дебютник, кстати, оказался настолько никому не нужен, что группа аж переехала в Нью-Йорк, чтобы искать славы там, но и это не очень помогло. Тогда они вернулись в Британию и попросили помощи у Майка Хеджеса, работавшего ранее с U2, The Cure, Siouxsie and the Banshees и другими. И под его руководством вышел самый лучший и успешный альбом группы – The Man Who.
Альбом записывался в двух студиях: в легендарной Abbey Road и немного во Франции. Удивителен тот факт, что большая часть песен была придумана ещё до неудачного дебюта в в 1997-м, то есть проблема успешности оказалась не в материале. Название пластинка получила в честь книги "Человек, который принял жену за шляпу", а её релиз был посвящён недавно скончавшемуся Стэнли Кубрику, о чём участники группы написали на конверте с винилом. Когда The Man Who вышел, он... тоже провалился. Группу спасли две вещи: песня Why Does It Always Rain on Me, которая стала популярна в отрыве от остальных, а также выступление на Glastonbury в 1999 году. В итоге Why Does It Always Rain on Me попала на первое место UK Charts, где провела больше двух месяцев, откуда о ней узнали американцы, а затем и весь остальной мир. На данный момент было продано уже 3.5 миллиона копий пластинки, и она была номинирована на Brit Award в категории Best British album of the previous 30 years, но проиграла Morning Glory (я уже сбился со счёту сколько раз Оазис "воровали" чужие награды). Впрочем, это абсолютно не мешает The Man Who находиться в списке 1001 Albums You Must Hear Before You Die и некоторых других подобных листах. А что насчёт материала? Да это просто образцовый пост-бритпоп. Парни играют мотивы в духе Битлов, но в реалиях 90-х. Это красивый альтернативный рок с приятными аранжировками и очень спокойным, убаюкивающим вокалом. Если вы не фанат жанра, то, наверное, не сможете оценить The Man Who по достоинству, потому что альбом не старается ничем вас удивить. Я видел отзыв, где парень написал, что слушать The Man Who – это будто взять отгул на работе и провести его дома, вдали от городского шума, думая о том, что мог бы сделать в жизни по-другому. Целиком с ним согласен. И если вдруг кому-то интересно: в группе нет ни одного участника по имени Трэвис.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Basement – Colourmeinkindness (2012)
#grunge #emo #alternative_rock
Бывает ли эмо-гранж? Ещё как! Обычно, если эмари стараются сделать музыку не меланхоличнее, а агрессивнее, то эта агрессия уходит либо в скорость, и получается панк-рок, либо в тяжесть, и получается хардкор-панк. Но есть группы, которые показывают эмоции через грязные гаражные гитары и плотный фузз. Британцы Basement – как раз такой случай. Они образовались в Саффолке в 2009 году, как раз в расцвет движения эмо-ревайвал. До этого участники играли в поп-панк группе This for Fun, которая выпустила только 1 мини-альбом и распалась. Уже как Basement они выпускают дебютный EP Songs About the Weather и их тут же берут к себе Run for Cover Records. А дальше группу ждал только рост и успех.
Самым удачным стал второй релиз в дискографии под названием Colourmeinkindness. Гитарист коллектива, Алекс Генери, рассказывал, что процесс записи был очень хаотичным. Каждый участник группы писал какую-то часть песни и кидал другим по электронной почте, чтобы те высказали мнение. Схожим образом был написан Give Up дуэта The Postal Service, о котором я уже делал пост. Придумывать композиции удалённо пришлось из-за того, что Алекс в то время уехал жить в США. До студии парни всё-таки добрались, и альбом был записан в The Panda Studios в Калифорнии. На процесс записи лейбл отвёл очень мало времени, так что сроки были максимально сжатые, и участникам приходилось вставать в 4 утра, чтобы всё успеть.
И вот осенью 2012-го пластинка увидела свет. Незадолго до её выхода группа заранее объявила о распаде из-за личных обстоятельств, но перед этим Basement всё-таки сгоняли в несколько туров. Расстраиваться не стоит, сейчас они снова вместе, и даже выпустили новый альбом в 2026 году. А Colourmeinkindness, тем временем, мирового фурора не произвёл, и залетел только на 188 место Биллборда 200. Однако, среди остальных работ Basement, эта считается самой любимой у фанатов. И я их понимаю, Colourmeinkindness идеально сочетает меланхолию эмо и драйв гранжа. Этим мне пластинка напоминает ранние работы The Smashing Pumpkins. Я не сразу выкупил стиль Basement, потому что люблю более чистый звук, но сейчас с удовольствием переслушиваю некоторые их треки, особенно Breathe и Black. Ну и, разумеется, Covet, которая сейчас просто рвёт тикток.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Blackmore's Night – Shadow of the Moon (1997)
#folk_rock
Blackmore's Night – очень странный проект. Я не понимаю как его можно слушать серьёзно, не будучи каким-нибудь ролевиком-дндшником. Здесь всё будто кричит о том, что музыка должна быть чем-то вроде саундтрека к какому-нибудь Властелину Колец, а не обычной эстрадой. Впрочем, сами участники коллектива это также не отрицают и называют себя нео-медивал-фолк группой. Но я бы в этой конструкции "нео" заменил на "поп", потому что сами песни напоминают скорее диснейленд-пародию на средневековый фолк, и я, хоть убей, не вижу тут никакой попытки что-то переосмыслить или осовременить, как это делала Enya с ирландским фолком, к примеру.
Группа Blackmore's Night была основана супругами Ричи Блэкмором и Кэндис Найт, от фамилий которых и получила название. Первый знаменит тем, что играл на гитаре в Deep Purple и Rainbow, и был практически пионером хард-рока и хеви-метала. Вторая ничем не знаменита, кроме наличия звёздного мужа. В группе она, соответственно, поёт, а Ричи играет на гитаре. И это вторая моя претензия к Blackmore's Night – Ричи вообще не раскрывает свой гитарный талант. Все песни тут акустические и представляют из себя более-менее стандартные гитарные переборы, что грустно для человека, которого Rolling Stone включил в список величайших гитаристов в истории.
Послушать я вам предлагаю дебютник 1997 года, а точнее его переиздание с более симпатичной обложкой, чем в оригинале. На выходе альбом стал только золотым, но для такого спорного жанра это неплохо. Из оценок я нашёл лишь тройку от AllMusic, больше никому этот фанфик Блэкмора на тему средневековья не был интересен. Отдельно советую послушать песню Writing on the Wall – это танцевально-клубный недокавер на Петра Ильича Чайковского с очень всратыми соло-партиями. Если же вам вдруг понравится такой закос под медивал-фолк, смело слушайте всю дискографию Blackmore's Night, она примерно одинаковая.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Lamb of God – Sacrament (2006)
#groove_metal #metalcore
Мне очень стыдно, но я должен признаться. Надеюсь, вы посмотрите на то, что я написал уже более 700 (!!!) постов для канала, и простите меня за ошибку, в совершении которой я готов признаться. Заметил её, пока перечитывал старые посты для месяца выполнения обещаний. Несмотря на то, что я очень внимательно отношусь к тому, что выкладываю, оказалось, что я случайно выложил пост про Omens от Lamb of God два раза, с разницей где-то пол года, и в итоге выдал вам один и тот же альбом дня с одним и тем же текстом… Разумеется, позорный дубликат поста я удалил, а в качестве извинения напишу ещё один обзор Lamb of God, в рамках которого мы с вами окунёмся в самый известный альбом коллектива – Sacrament. Сначала я его не распробовал, и чаще слушал поздние работы, но со временем очень проникся его глубокой густой атмосферой и сочнейшими риффами.
Начну с того, что как при первом прослушивании, так и сейчас, меня не покидает одна мысль – это же буквально копирка Пантеры конца 90-х и начала 00-х. В целом, так и есть, можно найти очень много параллелей между Sacrament и каким-нибудь Reinventing the Steel, однако, если Марк Мортон и уступает в гитарном скилле Даймбегу Деррелу, он точно не уступает ему в навыках композиторских. Альбом – просто кладезь качовых риффов и убойных брейкдаунов. Lamb of God всё-таки вышли из дэткора, а музыку пишут с оглядкой на металкор, и это очень чувствуется. Но глупо отрицать, что данный альбом – явная попытка звучать более южно, медленно, и при этом тяжело. Получилось у парней это на 10 из 10. Ну может на 9, ладно, некоторые моменты мне не очень заходят.
На релизе пластинка заняла 8 место в Billboard 200, стала самым продаваемым метал-альбомом 2006, и получила звание альбома года от журнала Revolver. Lamb of God даже почти получили Грэмми за песню Redneck, но проиграли Slayer с их Eyes of the Insane. Я настоятельно советую всем заценить Redneck – лучшая песня с альбома. На данный момент Sacrament сертифицирован как золотой, и в 2021 году получил Anniversary-переиздание, в которое допом было включено несколько лайвов из клуба House of Vans в Чикаго. Я заметил, что фанаты настоящего металкора предпочитают другие альбомы группы, но лично мне, фанату южного грува, очень зашёл именно Sacrament.
P.S. Я знаю, что в этом году парни выпустили новый альбом, и многие говорят, что он очень хорош, но я до него пока не добрался.
P.P.S. Я постараюсь более внимательно следить за тем, что выкладываю, и не постить одно и то же два раза. Ещё раз прошу прощения.
Слушать на доступных площадках
🇩🇪 Kreator – Endorama (1999)
#gothic_metal #heavy_metal
В своём последнем посте про Kreator я упоминал, что хотел рассказать про Endorama, и сегодня с удовольствием воплощу это желание в жизнь. Вообще я бы начал с того, что Endorama – один из самых атмосферных альбомов тяжёлой музыки. И я сейчас говорю, разумеется, исключительно про конвенциональный хеви-метал, всякие блэки и симфоники тут не в счёт. Возможно он мне так нравится именно на контрасте с остальным творчеством Kreator, которое представляет из себя достаточно скоростной и отъявленный треш. Первым треком, который я отсюда услышал был Entry – фортепианная интерлюдия с симфоническим сопровождением. Помню я знатно прифигел, потому что не ожидал от Kreator музыки в духе Blind Guardian или каких-нибудь фэнтези фильмов. Далее песня перетекает в достаточно тяжёлую Soul Eraser, но той небольшой интерлюдии хватило, чтобы меня заинтриговать, и я заценил альбом. В то время он мне не понравился (это был где-то 2015-й), и я его отложил в долгий ящик, но позже, когда стал более терпим к тяжёлым жанрам, вернулся к Endorama и нашёл его очень красивым, мелодичным и, как я сказал в начале, атмосферным.
Альбом записывался в Швейцарии и выходил на лейбле Drakkar. Их предыдущий релиз, Outcast 1997-го, уже был очень рисковым предприятием, потому что представлял собой грув-метал, а факт в том, что практически ни один грувовый альбом бывших трешеров не обрёл любовь слушателей. И вместо того, чтобы вернуться к корням, ребята решают пуститься в ещё большие эксперименты и выпустить готическую пластинку. Endorama пронизан готическими мотивами вдоль и поперёк, даже скоростные треш-метал песни тут записаны с синтами на фоне и большим количеством дилэя, создавая тот же мрачный вайб, что есть, например, у Grin Coroner, о которых я писал пост. Это, впрочем, не совпадение, ведь на Outcast и на Endorama на гитаре играет Томми Веттерли, который как раз пришёл из Coroner, и участвовал в создании того самого Grin. Endorama, к сожалению, не дотягивает до уровня Grin, местами он слишком попсовый и плоский, а местами просто странный. Collector's Guide to Heavy Metal поставили ему 4/10 (Grin от них же получил 8), да и слушатели были не в восторге. Но лично мне нравится, как раз потому что я не люблю слишком быстрый агрессивный метал, и при этом люблю концептуализм и атмосферность. И в этом плане Endorama даёт мне всё, что я люблю. Если хотите послушать треш-метал творчество Kreator, смело читайте мой прошлый пост про них.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Mastodon – Leviathan (2004)
#progressive_metal #sludge
Прошлой осенью мы с вами окунулись в сладж-музыку благодаря Crowbar. Точнее, многие из вас наверняка и без меня в ней купались, а я вот только начал погружение. И пришло время поговорить про ещё одних ярчайших представителей сладжа – американцев Mastodon. Их музыка на порядок интереснее и сложнее, чем у Crowbar, однако это может как привлекать, так и отталкивать. Мне лично потребовалось довольного много времени, чтобы распробовать данную группу. Хотя, наверное, моя ошибка заключается в том, что я начал слушать их с конца, и поздно добрался до настоящих алмазов – прогрессивного периода середины 00-х. То есть да, слушая The Hunter или Emperor of Sand, я был уверен, что дальше меня ждёт такое же беспощадное рубилово, но я ошибался. И вот представляю вам Leviathan – не просто отличного качество сладж-альбом, а практически легенду, уступившего звание лучшего альбома года только МФ Думу, Канье Весту и MCR.
Если вы не искушённый человек, и будете слушать Leviathan в первый раз, вам скорее всего не понравится. Вас встретит очень шумный и хаотичный метал, который ещё специфически неряшливо записан. Но под слоем хаоса скрывается концептуальное повествование, основанное на романе Моби Дик 1851 года. Слушать треки с Leviathan сложно, но безумно интересно. Каждый раз я вслушиваюсь и нахожу то, что раньше не замечал: какие-то замудрённые риффы, неожиданные переходы и проигрыши, которые могут длиться всего пару секунд, но въедаются в память. Несмотря на свою комплексность, альбом также хорошо проник в массовую культуру, треки отсюда использовались в видеоиграх и фильмах. Один мой товарищ сказал, что Leviathan – это настоящий прогрессивный рок, который ни секунду не стоит на месте, развивается, меняет формы, и при этом не забывает звучать круто. Насчёт крутости звучания я бы поспорил, потому что меня намного больше вставляет прог-метал в духе Caligula's Horse или Symphony X, но я не могу отрицать того, что Leviathan – это МАСТОДОНТ (ха) прогрессивной музыки, который навсегда останется одним из эталонов сладжа.
Слушать на доступных площадках
🇨🇦 Bearings – Blue in the Dark (2018)
#pop_punk #alternative_rock #pop_rock
И закончим подборку самым лучшим альбомом 2018-го года по мнению меня 22-летнего. Да, вы уже догадались, что тот год был для меня прорывным в плане поп-панка, и да, сегодняшний альбом утолил мою жажду по этому жанру целиком. Но, помимо этого, он сделал ещё одну важную вещь: открыл для меня дверь в направление альтернативного рока. Если бы не знакомство с Bearings, я, скорее всего, не полюбил бы никогда The Dangerous Summer, Audio Karate, Have Mercy и весь тот панковый альт-рок, который я с упоением слушал уже в 2019. А началось всё с Blue in the Dark, который мне с первых же песен показался каким-то... попсовым. Но к нему хотелось возвращаться, снова и снова, каждый день. Причём не к конкретным песням, а к пластинке целиком. Это удивительно для поп-панка, но в творчестве Bearings мне нравится в первую очередь композиторская глубина. Не драйвовое звучание гитар или душераздирающий текст, а именно то, как написаны песни. Гармонии, проигрыши, акценты. Bearings невероятно мелодичны, и я в своё время ошибочно принял эту черту за "попсовость". Однако в этом не слабость, а сила группы. И они её не теряют до сих пор. Сейчас у Bearings четыре лонгплея: Hello, It's You (2020) и The Best Part About Being Human (2023) порадовали появлением синтезаторов и уходом в мягкий пауэрпоп, а Comfort Company (2025), наоборот, ознаменовал возвращение в весёлый и позитивный поп-панк, в написании которого приняли участие легенды жанра State Champs.
Как и позавчера, сегодня мне практически нечего добавить из фактов. Группа образовалась в 2015 году в Оттаве, самостоятельно выпустила небольшой EP Higher Ground, их услышали Pure Noise Records, подписали на себя и приложили руку к созданию Blue in the Dark, так что сами ребята именно данную пластинку считают своим дебютом. И действительно, как раз на ней Bearings сформировали своё звучание: лёгкий альтернативный припанкованный рок о чём-то светлом и добром. Вы не поверите, но это даже не эмо! Тут есть грустные песни, но они по-доброму грустные, как старые поп-баллады, посвященные близким людям, а не каким-то психологическим проблемам. Прямо сейчас, в 2026 году, я переслушиваю его и понимаю, что он отлично состарился. Для культуры он, конечно, ничего принципиально нового не сделал, но качество материала Blue in the Dark может предположить феноменальное. Я даже любимую песню выбрать не могу, не поднимается рука перемотать ни одну из 11 композиций. И в 2018 году мне как раз нужен был заряд лёгкости и позитива, ведь я тогда с головой тонул во всяком мидвест-эмо и скримо. Мне пришлось немного перебороть себя, чтобы перестать видеть в лёгких и весёлых песнях Bearings "попсовость", но когда я научился это делать, мой любимый поп-панк раскрылся с совершенно новой, менее депрессивной стороны. Да, объективно Blue in the Dark – не шедевр на все времена, но я не жалею, что воткнул его на 1 место в списке лучших альбомов 2018 года.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Boston Manor – Welcome to the Neighbourhood (2018)
#alternative_rock #post_hardcore
Сейчас я смотрю на свой выбор и немного удивляюсь. Оказывается, я поставил на 3 место вышедший той осенью Welcome to the Neighbourhood группы Boston Manor. Удивление вызвано тем, что я точно помнил, что он мне вообще не понравился, ведь парни почти целиком убрали поп-панк, и создали пластинку, граничащую с альтернативным роком и пост-хардкором. Для меня это тогда оказалось практически предательством, и я слушал с неё довольно мало треков. Но сейчас понимаю, что мой мозг совершил правильный подсознательный выбор, потому что, объективно говоря, Welcome to the Neghbourhood является пиком творчества Boston Manor. Он более взрослый и серьёзный, чем предыдущий Be Nothing., но при этом группа ещё не стала пост-хардкорным клоном Bring Me The Horizon. Сейчас, спустя 8 лет, чаще всего я возвращаюсь именно к нему, несмотря на то, что Be Nothing. как-то ближе моему сердцу. Пост о дебютнике читайте по ссылке.
Не только я считаю Welcome to the Neighbourhood лучшим в дискографии. Он также самый номинированный, его выдвигали как Best British Breakthrough от Kerrang! и как Best Album Artwork от Heavy Music Awards (обложка реально огонь). Материал записывался на Barber Shop Studios под руководством Майка Сапона, ранее продюсировавшего Brand New, Taking Back Sunday и Mayday Parade. У него отлично получилось взять агрессивную подачу парней, и из русла меланхолии перенаправить её в русло мрачного реализма. Этот альбом более приземленный, менее мечтательный, тексты тут бьют намного больнее. И Генри Кокс окончательно раскрывается как наикрутейший вокалист, заходя на территорию экстремального вокала. После выхода альбом попал на 80 место UK Album Chart и позволил Boston Manor поехать в тур с Real Friends, Movements и Trash Boat.
В своей оригинальной рецензии я уделил преступно мало внимания описанию материала, и в основном просто ныл, что мои ожидания от эмо-поп-панка не оправдались. Но мои ожидания были лишь моими проблемами. Сейчас, особенно на фоне современного творчества Boston Manor, Welcome to the Neighbourhood ощущается самым крепким и самобытным, с уникальным звучанием и атмосферой. Мрачный, приземлённый и бескомпромиссный. Именно такими и должны быть простые рокеры из пригорода Ливерпуля. Плюс это лишнее подтверждение, что Pure Noise Records не выпускают плохой музыки вообще.
Слушать на доступных площадках
🇸🇮 Happy Ol' McWeasel – Heard Ya Say! (2015)
#folk_punk #punk_rock
Позавчера я сказал, что Wilder Mind находится на 13 месте самых прослушиваемых мной альбомов. Сегодняшний находится на 10, и это при том, что мне нравится вообще всё, что делает данная группа, так что каждая их работа находится высоко. Но Heard Ya Say! 2015-го стал просто апогеем моей любви к Happy Ol' McWeasel, да и к жанру фолк-панка в целом. Нет, серьёзно, это буквально мой любимый фолк-панк альбом всех времён. Если бы не они, я бы никогда не полюбил Dropkick Murphys, Flatfoot 56, The Pogues и многих других. А если быть ещё точнее, то спасибо стоит сказать моему другу Алексею. Как-то в 2014-м мы сидели на plug.dj и ставили друг другу музычку. И тут Алексей врубает Still in the League с дебютника Маквизлов. Это не совсем панк, скорее фолк-баллада, но я всё же заинтересовался и пошёл знакомиться с альбомом целиком. Композиции No Offense про мирные протесты и Danny Boy – классическая ирландская композиция о родительской любви, заложили фундамент в моё увлечение фолк-панком. И как раз в 2015 выходит Heard Ya Say!, который это увлечение закрепляет окончательно.
Вы, скорее всего, никогда не слышали о Happy Ol' McWeasel. Ничего удивительного, ведь это группа из Словении, из города Марибор. Вообще первые словенские артисты на канале, кстати. И даже среди фанатов жанра Маквизлы не занимают какого-то значимого места, хотя выступают аж с 2007 года. У пацанов в составе есть весь джентльменский набор фолк-панков: помимо гитар и барабанов присутствуют скрипка, банджо и аккордеон. И они исполняют не какие-то отдельные соло-партии, а являются полноценными инструментами, которые сопровождают каждую песню от начала до конца. А сами песни тут – просто сказка. Это самый добрый, светлый и позитивный панк-рок, что я слышал в жизни. Мне особенно нравится клип на песню Left Behind, в которой парень пинает гитарный кейс, в который инвалид собирает деньги, а потом сам оказывается на его месте, но вместо злой кармы получает помощь, которая заставляет его раскаяться в собственной грубости. Кажется, отвечать добром на зло – это чуть ли не лейтмотив всего творчества Маквизлов. Вместе с богатыми фольклорными мелодиями это всё делает для меня коллектив, пожалуй, одними из лучших представителей жанра. Сейчас у Маквизлов всего 3 лонгплея, и я советую вам заценить каждый из них без исключения, это просто отличная музыка, которая также прошла со мной огонь и воду. До сих пор один из лучших альбомов 2015 года на мой взгляд, спустя всё это время моё мнение не поменялось.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Walter Trout – Battle Scars (2015)
#blues_rock
На третьем месте расположился Battle Scars Уолтера Траута. И название данной пластинки как нельзя лучше передаёт её суть, ведь альбом повествует о том, как Уолтер боролся за свою жизнь несколько лет. Дело в том, что в 2013 году ему поставили страшный диагноз: запущенный цирроз печени, осложнённый гепатитом С. Выход был один – пересадка печени. А старику на тот момент уже было 63 года! Операция прошла успешно, но не без последствий. Уолтер Траут, всегда отличавшийся крепким телосложением, совсем исхудал, и его изнемождённое лицо вы можете видеть на обложке. Но он выжил. И именно этому выживанию посвящен его 25-й студийный альбом, который мы будем сегодня слушать. Но если вы подумали, что это грустная эпитафия и прощание с близкими, то совершенно нет. На самом деле Battle Scars полон силы воли, энергии и желания жить эту жизнь. Соло-партии тут не такие виртуозные как раньше, а голос слаб, ведь Уолтер находился в трудном физическом положении, но это вообще не помешало ему выразить весь спектр своих чувств на альбоме. И не просто чувств, пластинка в целом повествует об истории болезни и её можно рассматривать как дневник, фиксирующий события от момента получения диагноза до полного восстановления. Если вам вдруг интересно, Уолтер полностью восстановился, сейчас ему 75 лет, и он до сих пор пишет музыку. Последний его студийник вышел крайне сильным.
На Battle Scars есть, пожалуй, одна из моих любимых блюзовых песен в истории жанра. Это Please Take Me Home. Она лирическая, но всё равно полна надежды на светлое будущее и положительный исход. В ней Уолтер рассказывает о своей жене, которая навещала его в больнице почти каждый день, и была рядом в самые трудные моменты. И текст, и соляк в этой песне каждый раз просто разрывают меня на куски. Альбом вышел на Provogue Records, и широкой известности не получил, хотя все фанаты, разумеется, остались в восторге от такой сильной работы. Battle Scars не хватает звёзд с неба, и им можно даже не проникнуться, если не знать всей истории артиста. Но так вышло, что лично я являюсь большим фанатом творчества Траута, поэтому в моём топе лучших альбомов 2015 года его работа заняла почётное третье место, и до сих пор является практически обязательной для прослушивания, если я решаю вернуться в блюз. А если вы хотите узнать о Трауте побольше, и заодно послушать другой его альбом, то приглашаю почитать мой пост про Common Ground – тоже чудесная работа.
P.S. на самом деле, в оригинальном посте от 2015 года, третье место в списке альбомов года Траут делит с другим блюзовым гитаристом, Лесли Уэстом из группы Mountain, который тогда выпустил альбом под названием Soundcheck. Но о нём сделаю уже отдельный рассказ как-нибудь в другой раз, без особой рубрики.
Слушать на доступных площадках
🇩🇰 MØ – Forever Neverland (2018)
#electropop #synthpop #dance_pop
Я думаю, всем было очевидно, что неделя летних альбомов не ограничится только одной поп-пластинкой, так что ловите вторую. Тем более, я очень давно хочу сделать пост про MØ, и вот как раз подвернулась такая возможность. Зовут MØ на самом деле Karen Marie Aagaard Ørsted Andersen, так что дальше в тексте для удобства буду просто называть артистку Карен. Узнал я про Карен давно, в 2014 году, когда резко угарнул по всякому инди-попу. Мелани Мартинез, Флоренс, Banks, Birdy – список там огромный, про многих уже делал посты. Карен стала популярна как раз в это время, благодаря совместной песне с Игги Азалией – Beg for It. Она поднялась на 27 строчку Billboard Hot 100, и про маленькую инди-артситку из Дании узнал весь мир. Да, Карен родилась в Дании, в деревушке рядом с городом Оденсе. В 7 лет маленькая Карен впервые услышала Spice Girls и тоже решила связать свою жизнь с музыкой. Но, дойдя до переходного возраста, Карен сменила интересы и стала панкухой, которая фанатеет от Black Flag и Нирваны, а её ролевой моделью стал Ким Гордон из Sonic Youth. И по сей день, в современном творчестве, Карен умело сочетает панковую оторванность с красивой эстетичной поп-музыкой. Первые собственные произведения Карен начала писать в 2012 году, с помощью продюсера Ронни Виндаля. В 2013 вышел первый сингл Glass, который взяли в ротацию местные радиостанции, и таким образом Карен получила свою заслуженную известность. В то же время с ней связался Эш Порнури, продюсер Avicii, и предложил сотрудничество. Карен с радостью согласилась, и в коллаборации между MØ и Avicii была выпущена песня Dear Boy, которая попала на альбом True. Пост про True у меня уже есть, велком почитать.
Я узнал про MØ через ВКонтакте, в то время был подписан на кучу пабликов с инди-попом, и один из них выложил песню Kamikaze. Я очень люблю ритмичный и нестандартный поп, поэтому стал следить за артисткой. Дебютный альбом My Mythologies to Follow оказался неплох, но фурора не произвёл, так что на какое-то время я про Карен забыл. И вспомнил вновь в 2018, когда вышел второй альбом – Forever Neverland. Не знаю почему, но он мне понравился сильно больше. Может быть я просто соскучился к тому моменту по поп-музыке. А летний он по двум причинам. Во-первых, здесь слышно сильное влияние тропикал-хауса благодаря работе продюсеров, среди которых Бенни Бланко, Джон Хилл, Cashmere Cat и многие другие. Во-вторых, я тогда жил на Елизаровской (станция метро в Питере) и всё лето ездил на работу именно под Forever Neverland, поэтому ассоциация MØ с нагревающимся утренним солнцем родилась мгновенно. Это иронично, учитывая, что артистку причисляют к нордическому попу, который отличается своей холодностью. Немного рассказывал об этом в посте про Lykke Li. Forever Neverland наполнен классными битами, тут есть и EDM, и трип-хоп, и просто фортепианные баллады. А среди приглашенных артистов можно увидеть Diplo, Charli XCX, Empress Of, Two Feet и What So Not. В итоге альбом получил положительные отзывы от аудитории и стал золотым в Дании, но не более. Кстати, песню Blur с этого альбома MØ позже перепела с Foster the People, и этот вариант мне нравится даже больше альбомного. Вот такая тематическая неделя получилась. Надеюсь соберусь и сделаю то же самое с другими сезонами.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Hellyeah – HELLYEAH (2007)
#southern_metal #groove_metal #southern_rock
После прохладного утра у нас наступает жаркий летний день, и что к этой атмосфере может быть ближе, чем техасский южный метал про крепкий алкоголь и полураздетых цыпочек. Для меня такая музыка всегда была крайне летней. Я до сих пор хорошо помню, как в июле 2014-го, где-то в +30 градусов жары, весь потный и мокрый, ездил в лицей пересдавать какие-то экзамены. И слушал в этот момент Black Label Society, Texas Hippie Coalition и Pride & Glory. Про Hellyeah я тогда ещё не знал, но они являются идеальными, я бы даже сказал каноничными представителями южного метала. На самом деле это самая настоящая супергруппа, то есть все её участники были известными музыкантами ещё до основания коллектива. В оригинальный состав входили вокалист и гитарист из Mudvayne, второй гитарист и басист из Nothingface, и барабанщик из Pantera. И вот как раз благодаря ему, великому Винни Полу, я и узнал про Hellyeah. Это был где-то 2016 год, я тогда только начинал по-настоящему любить тяжёлую музыку и наконец понимать в чём прелесть Пантеры, поэтому пошёл искать что-то похожее. И первым делом взялся слушать сайд-проекты её участников: Down, Damageplan и вот Hellyeah. Про Down пост у меня уже есть, про Damageplan сделаю в будущем, а вот Hellyeah как нельзя лучше подходит для подборки летних альбомов.
Идея основать общий коллектив у участников возникла давно, ещё в 2000 году, когда все вышеперечисленные музыканты со своими группами ездили в тур со Slipknot, Slayer и Sevendust. Однако реальная запись материала началась только в 2006-м, на Chasin Jason Studios, в Техасе. За продюсирование взялся сам Винни Пол, который, между прочим, был не только отличным барабанщиком, но и талантливым продюсером, участвовавшем в сведении и мастеринге каждого альбома Пантеры. Формула Hellyeah очень проста, как поётся в песне Alcohaulin' Ass: A little bit of sunshine, a little bit of booze. A little bit country, a little bit of blues. То есть ребята взяли все стереотипы о Техасе и объединили это в музыкальный альбом, довершив дело очень кринжовой обложкой. В итоге одноимённый дебютник, который я вам и предлагаю послушать, был выпущен в 2007 году на лейбле Epic. Думаю, очевидно, что коммерчески он оказался провалом, хоть и стал золотым в США. На самом деле мужикам просто хотелось попить пива и посочинять что-то вместе, так что продажи тут не главное. Несмотря на достаточно негативные отзывы от критиков и слушателей (у альбома 1.92 на RYMе), группа просуществовала до 2021 года и выпустила 6 альбомов. Качество материала там менялось, но не сильно. У меня нет любимого альбома Hellyah, ведь группа и впрямь посредственная, но я не мог в летнюю подборку не добавить жгучий южный метал, уж извините. Завтра и послезавтра вернёмся к более лёгкой музыке.
Слушать на доступных площадках
🇸🇪 Robert Parker – Crystal City (2016)
#retrowave #synthwave #synthpop
На прошлой неделе, после того, как я выложил очень летних Trophy Eyes и lovelytheband, мне пришла мысль сделать целую подборку тематических альбомов под это время года. На самом деле ещё с самого основания канала я вынашивал идею сезонных постов, типа весенние, осенние и так далее. Но каждый раз что-то шло не по плану. Весенние, например, как вы могли наблюдать, я уже упустил. Но за летние решил взяться более основательно, и теперь представляю вам первую в истории канала тематическую сезонную подборку – пять жарких и знойных пластинок под стать погоде за окном. Тем более сейчас как раз самая середина, можно сказать, разгар лета. И в посте про Le Cassette я уже рассказывал, что главная музыка лета для меня – это ретровейв. Не столько синтипоп, сколько именно псевдоностальгичный ретровейв. Причём подобные песни у меня ассоциируются именно с летней ночью. Майами, пальмы, неоновые вывески, асфальт, успевший за день раскалиться, плавит шины твоего кабриолета, и ты едешь вдоль пляжа под Timecop1983, New Arcades или W O L F C L U B. Признайтесь, захотелось. И один из лучших музыкантов, которые передают такой дух – Роберт Паркер из совсем не жаркой Швеции.
Роберт делает музыку ещё конца с 90-х, но ретровейвом увлёкся только в 2009 году, после того, как купил аналоговый синтезатор Korg Polysix. Вместе с другим синтезатором, Roland Juno-160, это теперь его любимые инструменты. Паркер берёт в качестве основы френч хаус и диско, добавляя туда дух неоновой Америки. Дебютный альбом Drive. Sweat. Play вышел в 2013 году на Future City Records, и был очень тепло принят. В 2018 Роберта даже привлекли к созданию саундтрека для кинофильму "Videoman". Помимо этого Роберт засветился в документалке The Rise of the Synths, где выдал базу про жанр и рассказал о своих источниках вдохновения. Всего у Роберта Паркера 6 альбомов и 3 EP, и он не собирается останавливаться. Меня с Робертом познакомил мой одногруппник из института, скинув мне трек '85 Again ВКонтакте и, скажу честно, я расплакался. Героиня песни предлагает пожилому супругу закрыть глаза, поставить их любимую кассету в плеере, и притвориться, что за окном снова 1985-й год. И это не какой-то единичный хит, Роберт делает потрясающую музыку: интересную, разнообразную, глубокую. Мне нравится абсолютно всё его творчество, но вам советую начать с альбома Crystal City, того самого, откуда '85 Again. Ну и обложка у него что надо.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Pink Floyd – The Division Bell (1994)
#progressive_rock #space_rock #new_age
В конце июня мои коллеги по музыкальному цеху с каналов Вещаю из дурки и Закопайте кавербенд поглубже передали мне эстафету – поделиться любимой обложкой. С обложками у меня всё сложно, я "люблю" глазами, даже музыку, поэтому визуальная составляющая может как испортить впечатление от наполнения, так и подчеркнуть его. Красивых обложек за свою жизнь я встречал намного больше, чем некрасивых, и с одной из самых любимых вас сегодня познакомлю. Это последний (не считая позорный The Endless River) альбом величайших Pink Floyd. Чтобы вы понимали насколько я люблю эту обложку – она у меня стояла на телефоне в рамке в 2014 году, и я реально хотел себе в комнату такие фотообои. Здесь совпало всё, что мне нравится: брутализм, абстракционизм, урбанистическая скульптура на фоне природы. Эта обложка вызывает у меня тревогу и комфорт одновременно. Я не могу описать словами весь спектр собственных эмоций, если честно.
Создал эту красоту Сторм Торгерсон из студии Hipgnosis, который уже давно работал с Pink Floyd. Смысл очень прост: The Division Bell – колокол, после звонка в который в Британском правительстве парламентарии разделяются на "за" и "против" нового закона. Именно разделение и стало ключевым мотивом. На обложке два лица стоят напротив. Они смотрят одновременно друг на друга, и одновременно в камеру. А если посмотреть издалека, то лицо на самом деле одно, состоящее из двух половин. Нарративно альбом тоже во многом об этом, Гилмор рассказывал, что общение друг с другом могло бы решить множеств проблем. Скульптуры построили посреди поля в Кембриджшире, чтобы вдали виднелся Илийский собор. Никакого фотошопа и никаких спецэффектов. Только труд мастеров по реквизиту и оптическая игра света и тени. У этой обложки также много вариаций на разных изданиях.
Теперь, наконец, к музыке. The Division Bell запросто входит в топ-3 моих любимых альбома Pink Floyd. Это творческий пик Дэвида Гилмора как композитора и как гитариста. Несмотря на плохие отзывы у критиков и слушателей, я считаю, что Дэйв, Ник и Ричард провели потрясающую работу. Блюзовый космический стратокастер, завывающий под раскатистые и не менее космические синтезаторы – это волшебно. Именно этому альбому я во многом обязан своей любви к группе, ведь одними из первых песен PF, которые я услышал в жизни, были Marooned и Coming Back to Life, которые и заставили меня окунуться в дискографию уже целиком. Безусловно один из моих любимых альбомов с одной из красивейших обложек. А я в свою очередь, передаю эстафету рассказа о любимой обложке автору канала-побратима albums of the day, с которым у нас, по стечению обстоятельств, совпало название блогов. Советую его к ознакомлению, если хотите окунуться в намного менее мейнстримную музыку, чем публикую я сам.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Can't Swim – Death Deserves a Name (2016) / Fail You Again (2017)
#post_hardcore #emo #alternative_rock
В рассказе про Boston Manor я обещал посты про Can't Swim, Moose Blood, Have Mercy и Knuckle Puck. Про Have Mercy уже есть, про Knuckle Puck поговорили неделю назад, так что сегодня, в последний день тематического месяца, сделаю пост о Can't Swim. Moose Blood придётся отложить до лучших времен. Когда я знакомился с этой замечательной группой в своё время, то был уверен, что это такие слегка эмоватые поп-панки, но оказалось, что коллектив в корне своём – пост-хардкорщики. Особенно хорошо это слышно на Change of Plans 2021-го. Всё это неудивительно, ведь Can't Swim основал барабанщик хардкор-панк группы Trash Talk из Нью Джерси – Кристофер ЛоПорто. Для своего сольного проекта Крис переучился с барабанов на гитару, и первое время всё записывал в одиночку, но вскоре нашёл единомышленников. Ещё до того, как парни сыграли хоть один концерт, их уже взяли к себе Pure Noise Records. С выделенных лейблом денег они купили оборудование и приступили к записи песен. Первая EP родилась уже спустя несколько месяцев работы, и это, кстати, до сих пор самая высокооценённая пластинка, поэтому, помимо полноценного лонгплея, я также прикрепляю к посту и её. Релиз прошёл успешно и Can't Swim даже потурили с Four Year Strong, после чего решили не расширять EP до полноценного альбома, а оставить Death Deserves a Name как самостоятельную работу, поэтому там вы услышите песни, которых нет на Fail You Again.
Fail You Again, в свою очередь, записывался в конце 2016 года и вышел на том же Pure Noise Records. С момента дебюта здесь сменился только барабанщик, а поёт, играет на гитаре и сочиняет песни до сих пор Кристофер. Данный альбом получился более легким и мелодичным, чем Death Deserves a Name, поэтому он мой любимый. Это совсем не тяжёлый, а просто грустный и слегка припанкованный пост-хардкор. Если не знать подробностей, можно запросто представить, что такой альбом был записан и вышел в 2007, а не 2017 году. Основным фактором моей любви к Can't Swim стал голос Криса. Не знаю почему, но мне просто очень нравится его глуховатый спокойный тембр, даже когда он орёт. Также Крис говорит, что пишет тексты, посвященные своей жизни, о контроле агрессии, апатии, депрессии и прочих переживаниях. Крис считает, что его тексты должны помочь мужчинам делиться своими чувствами, а не держать всё в себе. Я не могу не отдать должное и компании Pure Noise. Уже неоднократно признавался в любви этому лейблу, и он до сих пор для меня остаётся главной кузней эмо-талантов на музыкальных просторах. Позже группа запишет ещё 3 альбома, но в 2024 Крис уйдёт из коллектива. Формально Can't Swim ещё живы, но я не думаю, что они хоть что-то выпустят без своего идейного вдохновителя. Если вам понравится Death Deserves a Name, слушайте также Change of Plans, а если Fail You Again, то Thanks But No Thanks – его парни писали, вдохновляясь blink-182, Jimmy Eat World и As It Is. А ещё именно с этого альбома моя любимая песня и мои любимые строчки:
Found myself on top the highest ledge
Then I thought about Columbus and what Skiba said
I felt surrounded and I knew that it would never stop
And maybe they'd be wrong I see the world beneath me drop
Слушать Death Deserves a Name на доступных площадках
Слушать Fail You Again на доступных площадках
🇬🇧 Hope of the States – The Lost Riots (2004)
#post_britpop #post_rock #art_rock
Знаете, а мы ведь упускаем целый пласт британской рок-музыки начала 00-х. Я только недавно понял, что она была доверху наполнена группами, играющими необычный и экспериментальный пост-боритпоп, и лишь единицы таких альбомов вырвались за рамки локальной сцены. Из самых ярких примеров можно вспомнить A Rush of Blood to the Head, The Bends и Showbiz (хотя даже он остался незамеченным). Но что вы скажете, например, про добрую половину дискографии Стивена Уилсона из Porcupine Tree, который смешивал прогрессив-метал с пост-бритпоп-меланхолией? Или про Нила Хэннона, который в коллаборации с продюсером Radiohead увёл The Divine Comedy в сторону мрачного брит-поп эксперимента? Кстати, мрачность – это то, что объединяет все перечисленные выше работы с сегодняшней. Hope of the States тоже берут всё лучшее из холодного пост-бритпопа и превращают это в настоящий депрессивный арт-рок.
Группа появилась в начале 00-х в городе Чичестер, в Англии, а её название отсылает на книгу The Shame of the States. Просуществовал коллектив недолго, с 2000 по 2006 год, за это время было выпущено только два лонгплея. Вроде как в 2024 участники объявили о камбэке и даже выпустили несколько синглов, но пока что больше ничего. Говорить сегодня будем про дебютный альбом 2004 года, The Lost Riots. Его запись проходила в Ирландии, Англии и частично в России. Продюсером выступил Кеннет Томас, работавший с The Bongos, Sigur Rós и M83. По итогу музыка вышла похожей как раз на Sigur Rós, а значит вы услышите много элементов пост-рока: длинные инструментальные проигрыши, использование оркестра в аранжировках и так далее. Музыку Hope of the States так и хочется причислить к арт-року или даже прогрессиву, но фронтмен коллектива, Сэм Херлихи, в интервью изданию Telegraph на это обиделся и попросил не считать группу какими-то напыщенными выскочками-авангардистами. Но факт остаётся фактом, музыка на The Lost Riots очень богата на красивые и разнообразные инструментальные партии, которые точно не дадут вам заскучать. При этом общее настроение у альбома, как я и сказал в начале, всё же мрачное, в духе обложки. И вам точно так покажется, если я расскажу ещё один факт: сразу после записи альбома, прямо во время его сведения, гитарист коллектива, Джимми Лоуренс, повесился у себя дома. По какой причине он совершил суицид остаётся только гадать, но, зная это, The Lost Riots слушается ещё... лучше, если можно так выразиться. Я советую этот шедевр всем, кто любит претенциозный пост-бритпоп с оркестровками и глубоким смыслом, а также хочет немного погрустить. И пусть Сэм Херлихи на меня тоже обижается, но я смело вписываю в теги арт-рок, можете послушать и понять почему.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Maroon 5 – Hands All Over (2010)
#pop #pop_rock #funk_rock
В своём прошлом посте о Maroon 5 я сказал, что после дебютного альбома парни совсем забили на фанк, но всё же это было преувеличением. С одной стороны да, последующие работы уже больше напоминают гитарную поп-музыку, но с другой гитары там местами очень даже фанковые. Правда на It Won't Be Soon Before Long почти все такие песни запрятаны на бисайды, зато вот Hands All Over ещё может похвастаться неплохими крепкими риффами, что и делает его моим вторым любимым альбомом группы, о котором мы и поговорим. Песни для него писались ещё во время концертного тура, посвященного предыдущей пластинке, однако творческий процесс прервал телефонный звонок. Звонил Роберт Джон Ланг, который сказал, что послушал творчество парней и его зацепил их стиль, а поэтому он бы хотел спродюсировать их третий релиз. Тут стоит отметить, что Ланг – продюсер рок-музыки высочайшей категории. Он работал с AC/DC, Def Leppard, Foreigner, The Cars, Nickelback и многими другими. Поэтому это было предложение, от которого Maroon 5 просто не могли отказаться.
Материал записывался в Швейцарии, в личной студии Ланга. Адам Левин, фронтмен группы, позже рассказывал, что Ланг был самsм строгим продюсером в его карьере, и работали они не покладая рук, переписывая дубли по многу раз и доводя песни до идеала. В качестве источников вдохновения для композиций Левин называет Марвина Гэя и, внезапно, Тупака Шакура. Хотя я бы этому значения не придавал, так как предыдущий альбом был, по словам Левина, написан как дань уважения Принцу и The Police, но ни того, ни другого в нём всё равно не слышно. В любом случае Hand All Over вышел классным, хотя критикам совсем не понравился. Я его люблю в основном за цепляющие красивые мелодии и мотивы, а ещё он более единообразный и "безопасный", чем дебютник. Мне особенно нравится трек Never Gonna Leave This Bed, который почему-то очень погружает меня в атмосферу Рождества. И дополнительно хочу отметить открывашку, бас там крутейший, только ради этого риффа хочется купить инструмент и выучить басовую партию. Любил слушать Hands All Over по дороге в институт и обратно, где-то курсе на втором. Ну и на парах тоже, как без этого.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 HENGE – Attention, Earth! (2018) / ExoKosm (2020)
#surf_rock #space_rock #electronica
Henge – это крайне необычный музыкальный экспириенс. Я не слышал, кажется, ничего даже близко похожего на то, что вытворяют эти ребята. Я сейчас попробую перечислить те жанры, к которым их относят, но это будет лишь отчасти описывать творчество Henge. Эйсид рок, авангардный и экспериментальный рок, психоделический фанк, синтивейв, чиптюн, стоунер, сёрф – это лишь часть тегов, которые присваивают пацанам на площадках. А самое классное, что эти теги описывают не различные этапы творчества, Henge сочетают всё это буквально на каждом альбоме, а иногда и в каком-то одном треке! Некоторые композиции направлены больше на гитарную музыку, некоторые на электронную, но всё равно стиль у ребят есть, и его не отнять. Вы вообще видели как они выглядят?? Это буквально инопланетяне-шаманы, у них даже псевдонимы соответствующие: вокалист и гитарист Zpor, басист Goo, клавишник Grok и барабанщик Nom. Поют они тоже про космос, технологии и всякую техно-дичь. Собрались ребята в Манчестере, в 2015 году, дебютную EP под названием Cosmic Dross выпустили в 2017 на Love Love Record. Музыку группы их звукозаписывающая компания тогда описала фразой "electronic madness so unique and captivating that it firmly cemented their reputation with the alternative festival community".
Я так и не смог выбрать какой из альбомов вам предложить для прослушивания, ибо, как сказал выше, ни один не опишет вайб Henge целиком, тут надо слушать буквально всё. Но самыми показательными, пожалуй, являются два первых полноформатника – Attention, Earth! и ExoKosm. Первый как раз более гитарный, там вас встретит спейс-рок с элементами чиптюна и сёрфа, а второй более электронный, там вы услышите синтивейв, техно и даже немного рэпа вам в уши зачитают инопланетяне. Если честно, я, наверное, впервые в жизни вижу такой винегрет из жанров, который... работает. Музыка Henge одновременно и крутая, и смешная, и танцевальная, и гнетуще-мрачная. Нет, правда, я вряд ли выражу это словами, просто послушайте обе сегодняшние пластинки. Коллектив уже был номинирован на Best live act of 2018 за их концерт на Limerick Festival (лайвы у них реально дикие), а в 2022 они получили второе место в Best Music Video от Tokyo Film Awards за клип на песню New Planet. Короче прям классные ребята, люто советую всем, особенно если у вас сейчас музыкальная импотенция и вас давно ничего не вставляло.
Слушать Attention, Earth! на доступных площадках
Слушать ExoKosm на доступных площадках
🇺🇸 Phoebe Ryan – How It Used to Feel (2020)
#indie_pop #electropop #synthpop
В постах про Birdy, BANKS и Sanah я упоминал такую певицу, как Фиби Райан. И многие из моих читателей, наверное, даже не слышали о ней, ведь Фиби – не та певица, которая у всех слуху, и вряд ли кто-то сможет быстро вспомнить, что она исполняет. Но так уж вышло, что лично я своей любовью к инди-попу во многом обязан её музыке, а если быть точнее, то мини-альбому Mine. Не помню как его услышал, но это точно было в ВК, и таким образом Фиби, наравне с Ланой, Флоренс Уэлш, и теми же Birdy с BANKS, стала одной из моих любимых певиц.
Фиби родилась и выросла в Нью-Джерси, закончила музыкальный институт, но отнюдь не на музыканта, а на продюсирование и ведение бизнеса. Однако по окончанию института выбрала быть и продюсером, и певицей одновременно. Карьера Фиби началась с роли вокалистки в локальной группе Town Hall, параллельно она писала песни для артистов Skizzy Mars и Bea Miller, а в 2015 выпустила первый сольный сингл. Фиби даже попала в восьмой сезон American Idol, но до финала не дошла. В том же году вышел упомянутый мной EP Mine, который получил очень положительные оценки от музыкальной тусовки, и даже сама Тейлор Свифт включила песню оттуда в список треков, которые сделают жизнь более яркой. А Тейлор тогда была на лютом хайпе после выхода 1989 (обзор на который я советую всем перечитать, один из лучших поп-альбомов в истории).
Сейчас Фиби катается в туры с Карли Джепсен и продолжает гострайтить, подзабив на собственные альбомы. Поэтому первый и единственный лонгплей у неё вышел только в 2020 году, на лейбле Independently Popular. И это отличный дебют! Да, немного запоздалый, но Фиби явно не теряла времени и все эти годы только оттачивала свои скиллы. Каждая песня на пластинке ощущается очень хитово, и ты чувствуешь сколько сил вложено в сочинение. Музыкально Фиби всегда тянулась в сторону электропопа/синтипопа, так что звучит How It Used to Feel в духе 1989 или Lover той же Свифт, только с более любопытным музыкальным сопровождением, которое включает в себя не только биты, но и электрогитару. Ещё и голос у Фиби классный: пикми, но и слегка хрипловатый как у Холзи. Вообще для меня данный альбом ощущается как портал в 2014-2016 года, когда инди-поп был смелым и разнообразным, и я очень надеюсь, что в будущем Фиби сохранит такой стиль.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Keane – Hopes and Fears (2004)
#post_britpop #alternative_rock
Первый альбом Keane очень часто приводят в качестве яркого примера пост-бритпоп движения 90-х, наравне с дебютниками Coldplay или Radiohead. Но вот незадача, я не встречал ни одного фаната этого коллектива. Ну, серьёзно, я не знаю никого, кто сказал бы "о да обожаю Keane, езжу на их концерты и знаю каждого участника". И мы не будем считать Somewhere Only We Know, которая внезапно завирусилась в тиктоке, за серьёзную часть дискографии коллектива. Хотя, не мне говорить, я сам прикоснулся к этим чудесным ребятам позже остальных, но не могу сказать, что остался разочарованным, поэтому сегодня хотел бы дать вам послушать их дебютный альбом, Hopes and Fears, вышедший в 2004 году. Поздновато для пионерства в пост-бритпоп движении, но на самом деле первые свои попытки играть музыку участники предпринимали ещё в 1995 году, под названием The Lotus Eaters. Тогда они были просто кавер-бэндом. Хотя нет, не просто, в 1997 году сам Крис Мартин звал Тима Райса-Оксли, клавишника The Lotus Eaters, присоединиться к Coldplay, но тот решил остаться с друзьями. И очень не зря! Магия Keane во многом создаётся именно чудесными клавишами, и лишь потом гитарой и остальными инструментами. В то время как те же Coldplay научатся использовать пианино на полную катушку только к X&Y.
Дебютник писался с 2001 года, в студии Helioscentric в западном Сассексе. В него парни вложили всю свою любовь к набирающему популярность пост-бритпопу, сделав, по сути, ультимативный альбом в этом жанре. Его можно буквально вешать в рамку как пример идеального. Долгая работа над его созданием окупилась с лихвой, он стал девятикратно платиновым, получил Brit Award за Best Album в 2005 году, вошёл в десятку самых продаваемых альбомов XXI века в Великобритании, и стал в принципе самым номинируемым английским альбомом в истории, но в 2010 году это звание перешло к Morning Glory Оазис. Впрочем, критики из изданий не были столь же благосклонны. У Hopes and Fears много двоек/троек, а Pitchfork влепили ему 2.8/10. Но я могу их понять! Блин, это пост-бритпоп. Он однотипный, меланхоличный, неизобретательный. Песни местами похожи друг на друга, и, помимо обильного использования синтезатора, никаких новаторских решений пластинка не привносит. Но я люблю этот жанр, ничего не могу с собой поделать, и дебютник Keane меня очень зацепил. Объективно не шедевр, но если вы хотите изучить британскую сцену альтернативной музыки подробнее, то обязательно зацените Hopes and Fears. Потом напишите, уснули к концу или удалось не заскучать.
Слушать на доступных площадках
🇮🇸 LHOOQ – LHOOQ (1998)
#trip_hop #electropop #downtempo
Вернулся из отпуска и решил, что надо бы вам про что-то андеграундное рассказать. Это бывает сложно, потому что инфы об исполнителе в сети мало, а моего мнения не хватает на несколько абзацев текста. Но недавно вспомнил про один алмаз, ещё и в таком редком жанре, что не могу сидеть и смотреть на то, что у группы 300 ежемесячных слушателей на спотифае. В общем, наши сегодняшние гости – электронный коллектив под необычным названием LHOOQ. Точно не знаю, задумывался ли этот референс, но L.H.O.O.Q. – это картина французского художника Масреля Дюшана. Точнее это не картина, Дюшан просто пририсовал усы Джаконде да Винчи и назвал это перфомансом.
Группа, которую мы сегодня слушаем, родом не из Франции, а из Исландии, Рейкьявика, и просуществовала она совсем недолго с 1995 по 1999 год. Коллектив включал в себя… можно я просто скопирую для вас эти имена, чтобы не ломать язык? За инструменталы отвечали Jóhann Jóhannsson (клавиши и микшер) и Pétur Hallgrímsson (гитара), а за вокал – Sara Guðmundsdóttir. Между прочим, Jóhann – достаточно известный исландский музыкант, участвовавший в таких проектах как Ham, Apparat Organ Quartet, Daisy Hill Puppy Farm и многих других, а в 2018 он ушёл из жизни. Не знаю как звучат все другие проекты, но LHOOQ звучит суперски.
На единственном полноформатном альбоме проекта вы услышите очень качовый, атмосферный и неспешный трип-хоп, со всеми отличительными чертами бристолького саунда. Бэки тут простенькие, но даунтемпо-биты делают своё дело, а нежный вокал Сары отлично вписывается в настроение пластинки. Конечно это не работа уровня Portishead, а единственный рецензент на RYM назвал альбом "седативным", но мне она всё равно очень нравится, и я стабильно раз в год возвращаюсь к LHOOQ.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 No Dice – Change (2018)
#pop_punk #emo
Уже чуть больше (но ещё не сполна) мою жажду эмо-панка в 2018 году утолили No Dice. Не сполна, потому что материал на их дебютном лонгплее оказался спокойнее, и в чём-то даже слабее, чем предыдущие работы, но я всё равно остался доволен. Настолько, что закинул Change на 2 место в списке лучших альбомов года. Опрометчиво? Возможно. Но я тогда так чувствовал. Вообще, честно говоря, мой перфоманс с этими переобзорами немного нарушил построенные ранее планы. У меня была идея сделать подборку с поп-панк группами, которые привели меня в жанр и влюбили в это направление. И я не про конвенциональный поп-панк, а вот именно про его эмо-хардкорную версию, которой у меня когда-то была посвящена целая неделя. И, помимо A Will Away и As It Is, в эту подборку я собирался включить No Dice. Я только недавно осознал, какое большое влияние на меня оказали эти четверо парней из города Колумбус в Огайо. Это тот случай, когда я могу сказать, что слушал их не просто с первого альбома, а буквально с первых выпущенных песен. Их кто-то выложил в ВК, а я перешёл на бэндкамп-страничку и честно купил релиз. Это был мини-альбом (или макси-сингл) All We Could Afford. Мне грустно, что я не могу описать всех своих чувств, но просто знайте, что те три песни, (Call Us a Failure, Endless Saturday и Gone Tomorrow) оказали на меня такой импакт, который не удавалось многим дискографиям.
Теперь вы можете представитесь уровень моих ожиданий от Change. Особенно учитывая то, что в 2015 также вышла шикарная EP The Words You Never Said, где парни ударились практически в изикор с кучей брейкдаунов. Я ждал чего-то подобного, но, как и говорил позавчера, мои ожидания это мои проблемы. Альбом вышел... неплохим. Это эмо-панк с долей меланхоличного дрим-попа и пронзительными текстами, но не более. В оригинальном обзоре я называю его "холодным" и "лёгким". Первое всё ещё актуально, а вот что я понимал под лёгким - чёрт знает. Но я очень хорошо помню, как ранней осенью 2018 лежал на даче ночью и рыдал под закрывающий трек. В конце я обычно рассказываю про продажи, чарты и рецензии критиков, но No Dice остались никому не известными до самого конца. Последний сингл с шуточным название Peter Riffin вышел в 2021 году, а дальше тишина. Самым известным событием в истории группы стала их совместная работа с Bilmuri над 4 песнями, которые вышли под названием DiceMuri. Поэтому у меня тут классическая проблема – невероятно важная для меня музыка, любовь к которой я не могу передать словами, а просто интересных фактов на целый пост не набрать. Но я попытался. Категорически советую вам вообще всё творчество No Dice, крайне недооценённый коллектив.
Слушать на доступных площадках
На этой неделе посмотрели с вами мои любимые альбомы 2015 года (на момент самого 2015 года, разумеется). Если честно, я думал, что у меня получится сделать более глубокое переосмысление той музыки, ведь прошло уже 11 лет. Но мои вкусы за эти годы, скорее, расширились, чем изменились, и старые альбомы мне всё ещё нравятся, может просто не приводят в тот же восторг. А в остальном до сих пор годнота
Следующим, по идее, должен был стать обзор лучших альбомов 2016 года, но по каким-то личным причинам (сам не помню каким) я тот год пропустил и итогов не подводил. Зато подводил в 2017, но тут тоже незадача: всё из того топа я уже публиковал на канал. Если быть точнее, то это Kygo, Imagine Dragons и Portugal. The Man. Остаётся обзор лучших альбомов 2018-го, благо ни один из них ещё не светился в качестве альбома дня, так что завтра продолжим нашу серию, пропустив 2 года. Посмотрим, получится ли тут что-то переосмыслить
🇬🇧 Mumford & Sons – Wilder Mind (2015)
#indie_pop #indie_rock
Альбом, занявший второе место в списке лучших за 2015 год, я могу назвать, наверное, одним из самых любимых в моей жизни до сих пор. Я редко в него окунаюсь сейчас, спустя 11 лет, но лишь потому что он для меня настолько дорог, что стал некой "капсулой времени". Я уже неоднократно говорил, что встретил Мамфордов в очень тяжелый период, и именно их музыка сделала мою жизнь немного лучше. В то время я как раз больше всего слушал Wilder Mind, который до сих пор называю "Томпкинс" из-за заглавного трека и обложки, на которой изображен одноимённый парк в Манхэттене. Изначально я узнал о группе именно по их фолк-произведениям, и когда они сменили стиль музыки на инди-поп, я был немного взволнован. Собственно, моя оригинальная рецензия от 2015-го как раз посвящена рассуждениям о том, нашла ли группа новое звучание, или они попросту скатились. Разумеется, я прихожу там к выводу, что смена жанра нисколько не ударила по атмосфере коллектива, а Мамфордов я люблю именно за атмосферу такого кочевого оркестра. Только тут этот оркестр стал более камерным, и в него добавились электронные инструменты, но в остальном это старые добрые Mumford & Sons, просто в новой обёртке. Кстати, можете также прочитать мои посты про Sigh No More и Babel.
Wilder Mind продюсировали новые для группы люди: Джеймс Форд и Аарон Десснер из группы The National. Но я не думаю, что именно их идеей было отказаться от банджо и гармошек в пользу синтезаторов и электрогитар. Сами Мамфорды говорили, что хотят открыть для себя новые горизонты. И это было очень вовремя, ведь эпоха движения stomp and holler подходила к концу, а чарты разрывал поп-рок и R&B. После двух лет работы в AIR Studios в Лондоне, у Mumford & Sons получилось нащупать идеальный баланс между камерным, спокойным инди-поп/роком, и той душевностью, за которую их любили люди. Ещё и выбор обложки – идеальное попадание в настроение. Несмотря на достаточно разгромные отзывы от критиков, включающие 2 из 10 от клоунов из Pitchfork, альбом отлично продался, и стал платиновым как в США, так и во многих странах Европы. Мне сложно рассуждать о Wilder Mind в текстовом формате. Для меня эта пластинка целиком состоит из чувств, эмоций и воспоминаний, которые я при всём желании никогда не смогу передать. Но для понимания масштаба моей к нему любви, скажу, что он до сих пор на 13 месте среди самых прослушиваемых альбомов за всю мою жизнь, хотя прошло уже 11 лет с релиза. Особенно люблю трек Monster, с монотонной драм-машиной и строчками, которые давно знаю наизусть:
The night kept coming
Really nothing I could do
Eyes with a fire, unquenched, by peace
Curse the beauty, curse the queen
Слушать на доступных площадках
Приветики! У меня для вас небольшой анонс. Моя серия постов про летние альбомы была выложена на канал не просто так. Я сам как раз ухожу в летний отпуск на две недели, и в это время буду писать меньше, чем обычно. Но не рассматривайте данную новость как повод отписываться, ведь это, наоборот, отличная возможность сделать то, что я давно хотел: ремейки своих обзоров из прошлого. Я неоднократно говорил, что вообще не слежу за новинками, даже любимых артистов, но так было не всегда. В прошлом я старался держать руку на пульсе новых релизов хотя бы тех исполнителей, которых на тот момент слушал, и в конце года выделял лучшие альбомы. Это, конечно, совсем не похоже на те топы, что составляют профильные издания, так как я особо не следил за трендами, а просто плескался в болоте любимых жанров
В те времена я составлял топ-3 альбомов года, поэтому именно их мы и обозреем в течение двух следующих недель, пока я в отпуске. Посты будут выходить в понедельник, среду и пятницу соответственно. Сначала хочу пересмотреть свои лучшие альбомы 2015 года (первый год, когда я составил такой топ), а потом ещё какой-нибудь. Ссылки на оригинальные обзоры не ждите, во-первых чтобы не портить интригу, во-вторых потому что мне за них стыдно. Я сам буду цитировать себя из прошлого, если это потребуется. И посмотрим, изменилось ли моё мнение за столько лет или нет. Начинаем завтра
🇺🇸 Sabrina Carpenter – Short n' Sweet (2024)
#pop #pop_rock #rnb
От бородатых мужиков двигаемся к дамам, и тут нас встречает Сабрина Карпентер – довольно противоречивый персонаж. В последнее время я видел очень много новостей о том, как её отменяют за угождение мужским потребностям в эпоху повсеместного феминизма. И при этом я не встречал ни одного фаната Сабрины, который её бы защищал. Мне же посчастливилось познакомиться с этой артисткой совсем недавно: летом прошлого года, когда её Espresso играла из каждого утюга. О том, что Сабрина ранее была актрисой на Диснее, я вообще был не в курсе. И уж тем более не знал о том, что она клепает музыкальные альбомы с 2015 года. По настоящему популярными стали только релизы 2020-х, поэтому я слушал лишь последние три. Emails I Can't Send (2022) показался мне просто неплохой поп-музыкой, а Man's Best Friend (2025) немного оттолкнул своей пошлостью и вульгарностью. Зато Short n' Sweet представляет из себя хорошую попытку воскресить яхт-рок и софт-рок 80-х. И если вы посмотрите на список продюсеров, то сразу поймёте чья это заслуга. Над альбомом, помимо ещё трёх специалистов, трудился Джек Антонофф, фронтмен Bleachers и человек, создавший айдентику лучшим альбомам Тейлор Свифт: 1989 и Lover. Джек умеет делать душевный синти-поп и хартлэнд-рок, и тянет эти направления за собой во все проекты, в которых участвует. Поэтому Short n' Sweet получился таким лёгким, тёплым и солнечным, с фанковыми гитарами и диско-битами. Идеальный летний альбом.
Перед выпуском пластинки Сабрина успела выступить на разогреве у упомянутой выше Тейлор Свифт во время её Eras Tour. В интервью, посвященному предстоящему релизу, Сабрина заявила, что с большим удовольствием исследует новые для себя жанры, а также заверила, что материал получился более взрослым. Short n' Sweet ознаменовал становление Сабрины как ретро-дивы. Концерты стали проходить в пин-ап тематике, а платья и причёски отсылали к моде 50-х годов. Возможно это сыграло ключевую роль в популярности альбома, ведь общество соскучилось по тому, какими женственными были стандарты красоты раньше. Как звучит альбом в плане музыкальной части я описал в первом абзаце, так что повторяться не буду, а вот про тексты скажу пару слов. Они очень классные. Тематика не нова, все так или иначе про любовь, но местами Сабрина выражается очень едко, а местами с юмором, и при этом не боится нецензурной брани, которая из её уст звучит скорее как заигрывание. Критики оказались от релиза в полном восторге, даже вечно недовольные Pitchfork поставили 8 из 10. Многие окрестили Сабрину новой звездой всемирного масштаба, но надолго ли она сохранит такой статус – большой вопрос. Следующий альбом, Man's Best Friend, попытался повторить успех этого, сохранив софт-рок инструменталы и вульгарные тексты, но вот со вторым чересчур перегнул. Конечно не уровень Fischerspooner, но слушается слегка некомфортно. Зато Short n' Sweet слушается на отлично и по-летнему легко, всем советую.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Foals – Life Is Yours (2022)
#dance_punk #nu_disco #synthpop #funk
Иронично, что вчера я рассуждал про летнюю ночь и неон на фоне тёмного неба, хотя на самом деле я живу в Питере, и летом ночи тут очень даже светлые. Поэтому настоящий ночной ретровейв-вайб я испытывал только в детстве, когда ездил с мамой в Сочи. Вот там была тьма, конечно. Жаль я тогда ещё не шарил за Роберта Паркера... Что ж, от летней ночи двигаемся в летнее утро. Такое, которое ещё с лёгкой прохладой и ветерком, но при этом дающее тебе понять, что впереди будет жаркий день. Именно таким для меня ощущается Life Is Yours группы Foals. И отнюдь не потому что он вышел в июне. Альбом действительно наполнен яркими танцевальными электронными мотивами, что, кстати, обеспечило ему полный провал как у фанатов, так и у критиков. Хуже, чем у Life is Yours, оценки только у Life is Dub – сборника ремиксов на сегодняшний альбом. Вообще жанр пластинки очень трудно однозначно определить. Это около-фанковая музыка с большим обилием электронных аранжировок, которая заставляет тебя неистово пускаться в пляс. Явно не то, за что фанаты любят группу. Тут нет ни одной грустной или тяжёлой композиции. Ну и, разумеется, никакого мат-рока. Если хотите более "классических" Foals, обязательно почитайте мои посты про Holy Fire и What Wend Down – там я рассказываю больше о том, что сделало коллектив популярным, и в чём вообще их фишка.
Признаюсь, я тоже встретил Life is Yours с большим непониманием. Я был уверен, что это не новые песни парней, а какие-то ремиксы на их музыку, сделанные другими музыкантами. Но нет, это и правда полноценный студийный альбом. Продюсировали его новые для Foals люди: A. K. Paul, Джон Хилл и Дэн Кери (ответственный, кстати, за всю windmill-сцену). Также изменения затронули и состав: из группы ушёл клавишник Эдвин Конгрейв, и Foals стали трио. На Life Is Yours за синты отвечает гитарист Джимми Смит и упомянутый выше продюсер A. K. Paul. Первым синглом стала песня Wake Me Up, которую ребята затизерили маленьким отрывком со словами "готовьте свои будильники". Спустя 3 месяца случился уже полноценный анонс, а после самого релиза закономерно последовал тур, в котором перед Foals в качестве разогрева выступали Goat Girl, Shame, Yard Act и Egyptian Blue. Любопытно, что все эти группы играют разные версии пост-панка. Представляю каково было людям после мрачного панка слушать дэнс-электронику. Но, на всякий случай, если вы не поняли, подчеркну: Life is Yours – это офигенный альбом, просто чумовой. Мне, как и многим, потребовалось время, чтобы им проникнуться, но если вы сможете абстрагироваться от старого творчества Foals и попробуете оценить Life is Yours в отрыве от него, ещё и в солнечно-летней обстановке, то точно кайфанёте.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 lovelytheband – Finding It Hard to Smile (2018)
#indie_pop #indie_rock #pop_rock #electropop
После душного прогрессив-рока предлагаю переключиться на что-то попроще, и послушать одну из самых хипстерских групп конца 2010-х, песни которой можно было легко услышать во всяких крафтовых бургерных и коворкинг-лофтах. Понимаю, что 2018-й был уже закатом подобных заведений, но я бы сказал, что lovelytheband достаточно успешно заскочили в последний вагон этого хайптрейна. Группа образовалась в 2016 году, когда трое парней, Митчи, Джордан и Сэм, встретились в ночном клубе West Hollywood, и поняли, что у них много общего. Уже через год ребята выпускают свой первый сингл Broken, который тут же становится хитом, попадает на 29 место Billboard Hot 100, где проводит целых 9 недель в категории Alternative Songs. Это реально очень классная тёплая песня про двух разбитых людей, которые находят друг друга. Она вошла в дебютный альбом, так что вы сегодня её встретите, если будете его слушать. Парней тут же подписали к себе Another Century Records, и они все вместе приступили к записи сначала EP Everything I Could Never Say..., а затем и полноценного лонгплея Finding It Hard to Smile.
Альбом, как вы поняли из предложения выше, выходил на Another Century Records, и представляет из себя настоящий инди-поп. Тут и гитары, и синтезаторы, и большой упор на перкуссию в духе Imagine Dragons. Не пугайтесь данной аналогии, lovelytheband звучат намного более легко и воздушно, по сравнению с драконами. Это очень приятная летняя музыка на стыке поп-рока и синтипопа. На запись попали также треки с предшествующего EP и синглов, поэтому отдельно можете их не слушать. Сразу же после выхода пластинки lovelytheband поехали в несколько туров подряд, и открывали концерты таким артистам как AWOLNATION и 5 Seconds of Summer. К сожалению, повторить успех сингла Broken у парней не получилось. Альбом попал максимум на 168 строчку Billboard 200, и до сих пор не имеет сертификации. В целом причина ясна: выстрелить с хитом 1 раз можно, а вот сделать хитовый альбом уже сложнее. Несмотря на то, что группа жива до сих пор, а последний альбом вышел в 2024 году, никакой популярности участники уже не имеют. Их прайм до сих пор остался там, в 2018, когда вышел Finding It Hard to Smile. Но делает ли это саму музыку плохой? Ни в коем случае, дайте шанс lovelytheband, особенно если у вас за окном тёплый летний вечер, а ментально вы до сих пор находитесь в тех самых уютных крафтовых бургерных и коворкинг-лофтах...
Кстати, хотите серию постов про летние альбомы? Постараюсь придумать что-то к понедельнику.
Слушать на доступных площадках
🇦🇺 Trophy Eyes – The American Dream (2018) / Suicide and Sunshine (2023)
#alternative_rock #pop_rock #melodic_hardcore
Что ж, вот и кончился месяц выполнения обещаний. Забавно, что в процессе написания постов я надавал ещё больше обещаний... До их выполнения тоже однажды доберёмся, а сейчас, не отходя далеко эмо-хардкора, я хочу поговорить про похожую группу, которая решила достаточно кардинально сменить жанр. Если вы не знаете кто такие Trophy Eyes, то сначала обязательно прочитайте мой первый пост про эту группу. Вообще, должен отметить, что они для меня очень хорошо настоялись. Ещё 2 года назад Chemical Miracle был просто неплохим альбомом, а сейчас это для меня прям часть золотой коллекции, постоянно к нему возвращаюсь, чтобы снова окунуться в его депрессивную атмосферу. Но не бойтесь, сегодня нам такое не грозит, ведь мы как раз поговорим о том, как группа неожиданно сменила настроение на мажорный альт-рок. Какие-то небольшие зачатки попсовости были слышны ещё на Chemical Miracle, ведь по сравнению с дебютником он уже ощущался более лайтово. Однако это всё ещё крепкий мелодик-хардкорный и даже пост-хардкорный альбом, который, при всём желании, не вычеркнуть из этих жанров. Чего нельзя сказать про вышедший спустя 2 года The American Dream.
У меня есть простая аналогия. Представьте себе Kodaline или современных Coldplay, но при этом вокалист владеет эстрим-вокалом. Вот это оно. Много синтезаторов, добрые летние мотивы, песни о любви и... орущий во всё горло мужик. The American Dream ощущается абсолютной противоположностью Chemical Miracle. Тут нет ни намёка на депрессию или даже грусть, что, к слову, не смогло не отразиться на фидбэке от фанатов. Альбом на всех площадках был разнесён в клочья за уход от старого стиля. И я целиком понимаю негодующих. Главный вопрос: а кто целевая аудитория такой музыки? Для хардкора она слишком попсовая, а для поп-музыки слишком хардкорная. Впрочем, лично я жаловаться не могу. Мне очень зашло. Хотя, если бы Джон пел спокойнее, никому хуже не стало бы. Suicide and Sunshine, вышедший ещё спустя 5 лет, ощущается как попытка найти золотую середину. Даже само название пластинки на это намекает. Однако попытка эта предпринята достаточно странным образом – половина песен тут ещё более попсовые, чем на The American Dream, а часть наоборот, будто вырваны из дебютника. Но принят альбом был всё же куда лучше, слушатели как раз хвалили интересный фьюжн настроений, и я даже встречал отзывы, где говорилось, что Trophy Eyes изобрели что-то новое в музыке. Suicide and Sunshine намного более меланхоличный, чем предыдущая работа группы, но из-за своей разнородности его сложно слушать от начала до конца. Как будто проще натырить себе пару треков в плейлист, и слушать только ту часть творчества коллектива, которая вам по душе. Несмотря на мою любовь к сегодняшним пластинкам, я бы объективно заметил, что по-настоящему качественный фьюжн хардкора и поп-музыки создали Turnstile на своих последних альбомах, вот там ребята и правда изобрели что-то новое. А нынешнее творчество Trophy Eyes звучит всё же достаточно специфично.
Слушать The American Dream на доступных площадках
Слушать Suicide and Sunshine на доступных площадках
🇷🇺 Борис Гребенщиков – Соль (2014)
#bard #folk_rock #art_rock
В посте про Blind Guardian, которых я ласково назвал БГ, я сказал, что мы доберёмся и до нашего БГ, то есть Бориса Гребенщикова. И я с удовольствием сделал бы пост про практически любой альбом Аквариума, но раз уж обещал именно про БГ, то сегодня будем слушать его самый интимный и мрачный сольник под названием "Соль". Формально это третий альбом артиста без Аквариума, до него выходили "Русский альбом" в 1992-м и "Лилит" в 1997-м, но если углубиться в вопрос, то станет достаточно сложно отличить персональные альбомы БГ от аквариумных. Зато с "Солью" всё предельно понятно – это от начала и до конца крайне персональная пластинка, собственноличное высказывание обо всём, что тревожит артиста, от внутренних разочарований до политической обстановки в родной стране. Сама запись, кстати, велась по большей части за пределами этой самой страны, а именно в Лондоне и Лос-Анджелесе, виниловые же копии печатались в Германии. Лишь небольшая часть песен была написана здесь, в Санкт-Петербурге, в студии 602. Но я не могу сказать, что БГ за границей тратил время зря, ведь он привлёк к записи действительно именитых людей. На некоторых треках тут играют Пол Стейси (продюсер Oasis), Джереми Стейси (барабанщик Ноэля Галлахера), скрипач Эндрю Бёрд, и даже Йен Андерсон из Jethro Tull сыграл на флейте в песне "Любовь во время войны".
Соль – это исповедь пожилого человека, который не удовлетворён тем, куда завела его судьба. Здесь, как и в творчестве группы Аквариум, очень много обращений к богу, но на этот раз такие строчки ощущаются более искренними. Как я сказал выше, часть песен о внутренней рефлексии, часть – об обстановке вокруг. И критики до сих пор спорят, альбом всё-таки политизирован, или все песни про войну и революцию – лишь метафора того, что переживает Борис Гребенщиков внутри. Впрочем, даже если так изначально не задумывалось, "Соль" вышла очень вовремя. Песни "Праздник урожая во дворце труда" и "Любовь во время войны" очень хорошо легли на события в Крыму в 2014-м, и поэтому легко откликнулись в сердцах простых людей. Я сам ходил на концерт БГ в том злополучном году, и после того, как Борис сыграл нам "Любовь во время войны", он задвинул длиннющую речь о пацифизме, которая была обращена ко вполне конкретным людям. Когда альбом наконец вышел целиком, он мне сначала очень понравился, во многом за счёт музыкального сопровождения. Пластинка действительно сделана по-западному качественно. Однако сейчас, переслушивая её уже во взрослом возрасте, она мне кажется не настолько великой, как многие о ней вспоминают. "Соль" – это всё ещё отличная работа БГ, полная метафорических глубоких текстов и талантливых музыкантов на бэках. Но вне контекста времени она воспринимается уже не так хорошо, как на момент выхода. Да и праймовые альбомы Аквариума 80-х мне нравятся намного больше, но о них в другой раз.
Слушать на доступных площадках
